Overblog
Suivre ce blog Administration + Créer mon blog

Articles avec #drame tag

Metropolis (Metoroporisu)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Animation, #Science-fiction, #Drame, #Thriller, #Cinéma d'Asie, #Cinéma japonais

Rintaro (2001)

Metropolis (Metoroporisu)

La citation de Jules Michelet qui ouvre le film "Chaque époque rêve à celle qui va lui succéder" donne à penser que le Metropolis de la dream team japonaise Rintarô (pour la réalisation) Otomo (pour la scénario) et Tezuka (pour l'œuvre originale) est une œuvre de SF classique. En fait il s'agit de ce que l'on peut voir de plus abouti en matière de rétrofuturisme. Il y a le mariage heureux de l'animation traditionnelle sur celluloïd et de l'image numérique en 3D, du graphisme daté des personnages d'Osamu Tezuka et des décors ultra-modernes, de la musique jazz-soul et du bruit de machines ultra-perfectionnées. Le tout au service d'une histoire prenante aux enjeux humains particulièrement forts, l'œuvre de Tezuka prenant souvent des accents shakespeariens.

Osamu Tezuka est le père du manga et de l'anime japonais. Il a dessiné le manga Metropolis à la fin des années 40 en s'inspirant d'une photo du film de Fritz Lang (qu'il n'avait pas vu). Cependant il y a une vraie communauté d'esprit entre les deux œuvres et le film de 2001 en tient compte en les combinant harmonieusement. On retrouve donc une cité futuriste, remplie de gratte-ciels, de routes suspendues et de ballons dirigeables divisée en castes se partageant l'espace selon une logique verticale. Les riches et les puissants vivent dans la tour centrale nommée "Ziggourat" en référence à la tour de Babel de Lang, lancée vers le ciel comme un défi à Dieu. Les pauvres s'entassent dans les souterrains du premier niveau. Contrairement au film de Lang qui se situait dans les années triomphantes du tayloro-fordisme, le film de Rintarô plus contemporain évoque le chômage de masse lié à la robotisation des tâches d'exécution. Car la société est désormais tripartite, les robots esclaves-instruments se situant tout en bas de la hiérarchie. Et tout au fond de la cité également, dans la centrale nucléaire du niveau -2 et la station d'épuration du niveau -3. Certains ont le droit de venir travailler à la surface mais une organisation paramilitaire, les Marduk veille arme à la main à ce qu'aucun robot non autorisé ne se promène "hors zone". Ses méthodes brutales et sanguinaires sont calquées sur celles des milices fascistes et nazies. Leur chef Rock est le fils adoptif du Duc Rouge qui règne sur la cité.

Rejeté par le duc, Rock découvre que celui-ci manipule un scientifique hors-la-loi, le professeur Laughton, pour construire un robot d'une espèce nouvelle, un être surhumain qui permettra au duc d'obtenir un pouvoir éternel. Un insupportable rival pour Rock d'autant plus qu'il a été fabriqué à l'image de la petite soeur décédée du Duc Rouge, Tima (une reine de Mésopotamie). Là encore, les ressemblances avec le film de Lang sont frappantes. Rock détruit le laboratoire, tue le professeur Laughton et traque Tima avec acharnement pour la détruire.

La composition tripartite de la société explique que la révolte ouvrière ne soit évoquée qu'en arrière-plan du film avec un chef, Atlas qui évoque à la fois Hugo et Delacroix. Mais c'est moins la liberté que la fureur qui guide le peuple lorsque qu'il met en pièces ceux qui sont encore plus déshérités qu'eux. Car la question de l'humanité des robots occupe le premier plan du film. L'évolution de Tima est de ce point de vue éloquente. Robot "nouveau-né" qui n'a pas conscience de son identité, elle tombe d'abord entre de bonnes mains, celles du jeune Kenichi dont l'oncle enquête sur le professeur Laughton. Traitée avec amour, elle se sent humaine et conserve son innocence au point d'être comparée à un ange. Mais lorsqu'elle est capturée par le Duc et touchée en plein cœur par la balle de Rock, elle se transforme en arme de destruction massive, échappant à tout contrôle. Le robot est en effet ce que nous en faisons: un être de lumière ou un puits de ténèbres.

Voir les commentaires

Valse avec Bachir (Vals im Bashir)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Animation, #Film d'histoire ou de mémoire, #Drame, #Biographie, #Documentaire, #Film de guerre

Ari Folman (2008)

Valse avec Bachir (Vals im Bashir)

C'est un voyage en eaux troubles. Celles du trou de mémoire d'un vétéran israëlien de la guerre du Liban qui part à la reconquête de ses souvenirs. Les camarades de son ancien régiment qu'il interroge ne se contentent pas de lui raconter cliniquement ce qu'ils ont vécu. Lui racontent-ils d'ailleurs vraiment ce qu'ils ont vécu? "La mémoire est dynamique, vivante, il manque des détails, il y a des trous remplis de choses qui ne sont jamais arrivées". Ce qu'ils font remonter à la surface, ce sont des sensations, des impressions (ici une odeur de patchouli, là un tube des années 80...), des rêves aussi. Et peu à peu dans la tête de l'ex-soldat Ari, une image émerge du brouillard, une seule, toujours la même celle de lui-même et ses camarades sortant nus de la mer sous les tirs de fusées éclairantes. Une image ambiguë tant la scène est irréelle. Peu à peu, Ari réussit à retrouver le souvenir traumatique qui se cache derrière cette image. Les eaux troubles, ce sont aussi celles des pulsions humaines d'ordinaire les mieux enfouies et qui dans un contexte de guerre, éclatent au grand jour. La scène irréelle d'un soldat qui danse sous les balles en tirant en rafales devant un portrait de Bachir Gemayel, le président chrétien de la République libanaise qui vient d'être assassiné l'exprime parfaitement. En effet c'est la soif de venger cet assassinat (et la fascination érotique que suscite Gemayel chez ses partisans) qui pousse les milices chrétiennes phalangistes à faire une orgie de sang dans les camps de réfugiés palestiniens de Sabra et Chatila en 1982. Le tout avec la complicité de l'armée israélienne qui tire des fusées éclairantes pour permettre aux phalangistes de continuer leur sale besogne pendant la nuit. Ce massacre des innocents est le point d'orgue d'une rage de destruction qui touche toutes les formes de vie (la scène "prémonitoire" du massacre des chiens puis des pur sangs arabes de l'hippodrome de Beyrouth).

Valse avec Bachir qui est largement autobiographique est donc à la fois un film historique, un film sur la mémoire, un film-enquête et un film-thérapie. Comme L'image manquante de Rithy Panh, la reconstitution du passé retravaillé par la mémoire passe par l'animation qui fait la part belle à l'imaginaire (et lui donne paradoxalement sa vérité). Seule la séquence de fin recourt aux archives documentaires qui témoignent mais ne retranscrivent pas l'expérience subjective de l'individu.

Voir les commentaires

Amen

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Costa-Gavras, #Drame, #Film d'histoire ou de mémoire, #Polar, #Film de guerre

Costa-Gavras (2002)

Amen

Il y a plusieurs façons d'aborder Amen. En tant que film historique, on peut le trouver simpliste, inexact, partial voire provocateur à l'image de son affiche polémique qui assimile la croix chrétienne et la croix gammée. De fait il y a des erreurs dans le film. Par exemple le Zyklon B est le seul gaz utilisé pour tous les camps alors qu'en réalité seul Auschwitz-Birkenau l'employait, les autres ayant recours au monoxyde de carbone. D'autre part Le film s'inspire du "Vicaire", une pièce de théâtre pamphlétaire des années 60 qui prenait des libertés avec la vérité historique. Le film a suscité un certain nombre de débats sur l'attitude du Vatican pendant la seconde guerre mondiale vis à vis de l'Allemagne nazie et vis à vis des juifs. Le fait est qu'aucune prise de position officielle claire n'a été prise mais qu'il y a eu des manœuvres en coulisses. Des manœuvres qui ont peut-être permis de cacher ponctuellement des juifs mais certainement pas de contrecarrer la Shoah en Europe ni même en Italie. Et le film rappelle aussi la collusion bien réelle entre certains nazis et certains ecclésiastiques au plus haut niveau qui a permis leur exfiltration en Amérique latine.

Ces réserves ne doivent pas occulter que le film soulève des questions pertinentes et montre certains rouages de la Shoah avec justesse. La dimension implacablement technique et administrative du massacre est bien démontrée à travers la circulation des dossiers ou les plans des chambres à gaz. La logique inhumaine des diplomaties d'Etat s'oppose aux efforts d'individus isolés qui finissent broyés par le système. Enfin, l'attitude à géométrie variable des Eglises catholiques et protestantes selon la nature des victimes de l'épuration raciale est remarquablement soulignée. Ainsi, il est rappelé que même si les nazis étaient antichrétiens et ont tout essayé pour diminuer l'influence des églises, ils avaient peur de leur opinion publique. Aussi lorsque les églises ont protesté contre le programme T4 d'euthanasie des handicapés, Hitler a dû faire arrêter la procédure ou du moins la rendre plus discrète. En revanche aucune autorité politique ou religieuse ne s'est opposée publiquement à l'extermination des juifs alors que la plupart des chancelleries étaient informées du massacre. C'est ce grand silence politique que Costa-Gavras dénonce, les petits calculs, l'indifférence, la lâcheté face à l'innommable, l'indicible.

Si la mise en scène très didactique s'efface parfois derrière son sujet, l'interprétation est globalement remarquable. On retrouve le brillant trio de la "Vie des autres", Ulrich Tukur dans le rôle du SS Kurt Gerstein, personnage réel dont le comportement de Juste ne sera reconnu que 20 ans après sa mort, Ulrich Mühe dans le rôle d'un médecin nazi particulièrement pervers (inspiré de Mengele) et enfin Sébastian Koch dans un rôle de SS plus mineur. Quant au jésuite Ricardo Fontana, il est joué avec sensibilité par Kassovitz mais son personnage pâtit de son manque d'approfondissement.

Voir les commentaires

La guerre est déclarée

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Donzelli (Valérie), #Drame, #Réalisatrices

Valérie Donzelli (2011)

La guerre est déclarée

Je vais essayer d'expliquer pourquoi à mes yeux ce film est à vomir. Avant de commencer, je voudrais souligner qu'il est anormal qu'un petit film français vaguement auteurisant obtienne plus d'éloges que nombre de chefs-d'oeuvre y compris parmi les grands classiques. Comment expliquer un tel hold-up?

- Le sujet sans nul doute y est pour beaucoup. Seul un cœur de pierre ne peut compatir aux malheurs de Valérie Donzelli et de Jérémie Elkaïm, parents d'un enfant atteint d'une tumeur au cerveau et à leur besoin de catharsis en forme d'auto-fiction. Sauf que dans le film, ce pauvre petit, on ne le voit guère, il n'est qu'un prétexte, un faire-valoir. Et le lien avec ses parents n'est absolument pas montré. Amateurs d'histoires vraiment intimistes, passez votre chemin! Car ce que l'on voit par contre jusqu'à la nausée ce sont les tronches de Donzelli et de son mec en train de jouer (faux) les Romeo et Juliette des temps modernes (oui, ils ont osé, plus c'est gros, plus ça passe), le couple fort dans l'adversité sous toutes les coutures en mode m'as-tu vu: comme on s'aime, comme on souffre, comme on surmonte, comme "on s'amuse, on pleure, on rit." et même comme on se sépare (dans la dignité bien sûr).

- Les références néo-nouvelle vague et le décorum bobo ou le moyen le plus sûr de se mettre Télérama et les Inrocks dans la poche. Le film est tout sauf neutre sociologiquement et idéologiquement. Quelques minutes suffisent pour que l'on comprenne que sous couvert d'histoire touchante, c'est la peinture d'un petit milieu parigot-bobo se regardant le nombril qui est le vrai sujet du film. Des références qui claquent (comme un passage chanté à la "Jacques Demy" qui tombe complètement à plat), des soirées branchées-bohèmes "décadentes" où l'on se drogue, ou l'on boit et où on se roule des pelles (entre soi s'entend) et last but no least, des remarques qui ne cherchent même pas à dissimuler le mépris de classe que ces bien-pensants ont vis à vis du "petit personnel" à qui il ne "faut pas parler." Quoique dans le mépris du genre humain, la phrase "J'ai peur qu'il devienne aveugle, sourd, muet, nain, pd, noir et qu'il vote front national" vaut également son pesant de caca(huètes).

En résumé une belle escroquerie que ce mauvais film de chapelle, égocentrique, exhibitionniste et méprisant vis à vis du reste du monde. C'est à toi que je déclare la guerre!
 

Voir les commentaires

Miss Hokusai (Sarusuberi MISS HOKUSAI)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Hara (Keiichi), #Animation, #Biographie, #Drame, #Cinéma d'Asie, #Cinéma japonais

Keiichi Hara (2015)

Miss Hokusai (Sarusuberi MISS HOKUSAI)

C'est beau, très beau même. Historiquement et culturellement c'est passionnant de découvrir le talent et le caractère hors du commun d'une femme artiste resté longtemps dans l'ombre de son illustre père avec lequel elle a travaillé en étroite collaboration pendant plus de 25 ans. L'histoire de la contribution des femmes au monde des arts et de la sciences reste encore largement à écrire. Chaque fois que l'une d'entre elle fait l'objet d'un coup de projecteur, on redécouvre les ravages du patriarcat sur l'écriture de l'histoire et sur les droits/crédits d'auteur. Mais lentement les choses évoluent: Camille Claudel réapparaît derrière Rodin, Emilie du Châtelet derrière Voltaire, Berthe Morisot derrière ses homologues impressionnistes masculins... Et O-Ei derrière Tetsuzo. O-Ei qui entretenait un relation d'égal à égal avec son père, l'appelait familièrement par son prénom (so shocking au Japon!), le critiquait, le bousculait, qui dessinait des œuvres à sa place, qui fumait la pipe, buvait de l'alcool, ne faisait pas la cuisine et préférait voir leur atelier devenir un dépotoir plutôt que de faire le ménage. O-Ei qui était très franche et n'avait pas froid aux yeux surnommait l'un des peintres apprentis d'un confrère d'Hokusai "Zen l'Empoté." N'ayant aucune des "qualités" de la bonne épouse, il n'est guère étonnant que son mariage se soit soldé par un échec. O-Ei apparaît à l'image de ses épais sourcils (si peu dans la norme) comme un cheval sauvage absolument indomptable. Cependant le portrait se nuance lorsque l'on voit O-Ei face à la sexualité et à la sororité qui ici fonctionne comme une substitution de maternité. Contrairement à son milieu d'hommes artistes vivant en symbiose avec les geishas, O-Ei est assez prude et a bien du mal à se décoincer, même pour la bonne cause (peindre des scènes érotiques crédibles). D'autre part son amour pour sa petite sœur de 6 ans O-Nao, aveugle et fragile, donne lieu aux passages les plus délicats et émouvants du film. O-Nao qui a l'inverse provoque chez son père une grande culpabilité car il est persuadé que son énergie créatrice a vampirisé sa fille.

Cependant, aussi intéressant et beau esthétiquement parlant soit-il, il manque quelque chose à ce film pour parvenir à totalement me séduire. L'histoire est quand même assez décousue. Décomposée en petites scénettes, elle manque d'enjeux forts. Et le réalisateur manque de sensibilité dans son approche des personnages. Le spectateur est placé trop loin d'eux ce qui rend ce long-métrage assez sec.

Voir les commentaires

Ma vie de courgette

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Animation, #Sciamma (Céline), #Drame

Claude Barras (2016)

Ma vie de courgette

Le sujet était casse-gueule et ce ne sont pas les prix et les critiques dithyrambiques qui allaient me rassurer. Ces mêmes critiques avaient bien encensé il y a quelques années des films français absolument détestables sur des sujets relatifs à l'enfance meurtrie (Polisse, La guerre est déclarée...) Cependant un élément m'a convaincu de tenter l'expérience: la présence de Céline Sciamma au scénario. Céline Sciamma a prouvé avec Tomboy qu'elle pouvait traiter avec justesse de thèmes délicats concernant la construction identitaire de l'individu dans l'enfance. C'est aussi ce qui ressort de Ma vie de courgette qui aborde de front mais sans pathos la maltraitance des enfants et leur protection juridique. La sinistre réalité qu'ils ont connu n'est jamais édulcorée même si elle est évoquée avec des mots d'enfant et à hauteur d'enfant. Des mots simples qui vont droit au but et une technique d'animation en stop motion qui tape dans le mille pour représenter leur monde. Les corps des marionnettes animées portent les stigmates de ce lourd passé (cernes, cicatrices...), les milieux d'où sont issus ces enfants sont très défavorisés voire marginaux ce qui fait d'eux doublement des parias. Mais le film n'est pas sinistre pour autant. Il montre que le meilleur peut sortir du pire et que pour reprendre les mots de Boris Cyrulnik, les tuteurs de résilience existent. Solidarité entre enfants, créativité artistique permanente, adultes bienveillants sont autant de perches salvatrices. Sans parler de l'étonnante capacité des enfants à rebondir et à se créer des bulles de survie même au cœur de la pire des situations. Ainsi le héros, Courgette (alias Icare) qui a transformé son père disparu en super-héros dessiné sur un cerf-volant, qui fait des châteaux avec les canettes de bière que sa mère alcoolique laisse traîner partout ou Camille qui sans se démonter trouve un moyen astucieux de se libérer de sa tante-marâtre avec l'aide de Courgette et de Simon, le (faux) petit dur de la bande.

Un film d'animation hors des sentiers battus du genre et beaucoup plus profond que nombre de films live sur le sujet.

Voir les commentaires

Parle avec elle (Hable con ella)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Almodovar (Pedro), #Drame, #LGTB, #Cinéma espagnol

Pedro Almodovar (2002)

Parle avec elle (Hable con ella)

"De la mort surgit la vie; du masculin surgit le féminin; de la terre surgit l'éther" dit Katerina (Géraldine Chaplin), professeur de danse à Benigno (Javier Camara), l'infirmier qui veille jour et nuit sur son ancienne élève plongée dans le coma Alicia (Léonor Watling). Parle avec elle est un grand film de la trans(fusion), l'énergie vitale, le sang, la magie, le miracle s'incarnant tour à tour dans l'amitié, l'amour, la parole, l'art, la foi:

- Transfusion de la chair (terre) à l'esprit (éther): Alicia et Lydia (Rosario Flores) sont mortes pour la science, mortes pour Marco (Dario Grandinetti) qui raisonne en cartésien. Alicia est vivante pour Benigno et Katerina, des mystiques qui croient aux forces de l'esprit, à l'impalpable, à l'invisible, à l'inconnaissable "le cerveau des femmes est un mystère, surtout dans cet état." A la fin Benigno est à son tour devenu éther, il occupe un siège vide entre Marco et Alicia. A moins qu'il soit à jamais en Alicia.

- Transfusion du masculin au féminin: "L'amant qui rétrécit", court-métrage muet en noir et blanc réalisé dans le style expressionniste des films des années 20 montre un homme qui retourne dans "l'origine du monde." Il ne fait plus qu'un avec la femme qu'il aime. Avant de s'occuper d'Alicia, Benigno s'est dévoué corps et âme pour sa mère au point d'effacer toute trace de vie personnelle. D'autre part Lydia est une femme androgyne qui est toréador. Pourtant après avoir hurlé de peur face à un serpent et s'être faite encorner par un taureau (des symboles phalliques évidents), elle termine comme Alicia en belle endormie condamnée à une totale passivité.

- Transfusion de la mort à la vie et du mal vers le bien: le comportement psychotique de Benigno (amoureux fou d'une morte à la manière de Scottie dans Vertigo) et son acte transgressif, jugé comme criminel par la société est aussi un comportement sacrificiel et un acte d'amour et de foi. Pour qu'Alicia revive, Benigno accepte de mourir socialement et finit par mourir physiquement.

Les transfusions sont réversibles. Ainsi les œuvres d'art captent le mouvement de la vie pour le retranscrire en "natures mortes" avant d'irriguer de nouveau le cerveau et le cœur des vivants (pour d'éventuelles œuvres d'art futures). Et des œuvres d'art contenues dans Parle avec elle, il y en a plusieurs. "L'amant qui rétrécit", la tauromachie (vue comme un art chorégraphique), la sublime voix de Caetano Veloso sur la chanson mélancolique "Cucurrucucu Paloma" mais aussi l'extrait de Café Müller, spectacle de Pina Bausch qui ouvre le film. Comment ne pas voir dans ces deux femmes somnambules qui dansent en miroir et manquent trébucher à chaque pas, veillées par un homme qui écarte les obstacles sur leur route une métaphore de l'histoire des deux couples Alicia-Benigno et Lydia-Marco? Deux couples en miroir qui finissent par fusionner. Benigno se fond en Alicia et il trouve son double en Marco comme le montre le passage où les deux hommes joignent leurs mains de part et d'autre d'une vitre. Chacun injecte un peu de sa substance à l'autre. Benigno finit par instiller en Marco sa croyance dans le pouvoir magique de la parole. Marco ramène Benigno sur terre à tous les sens du terme. Les deux femmes sont également le miroir l'une de l'autre en étant plongées dans un coma jugées irréversible. Et leurs destinées se répondent. L'une se dessèche parce qu'elle est privée d'amour, l'autre renaît sous l'effet de la puissance d'un amour hors des lois humaines. 

Voir les commentaires

Loving

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Nichols (Jeff), #Drame, #Biographie, #Film d'histoire ou de mémoire

Jeff Nichols (2016)

Loving

Loving commence comme une chronique quasi-documentaire du quotidien d'une petite communauté vivant dans l'Etat de Virginie en 1958. On travaille, on fait des courses de vitesse, on va boire et danser, on fait des projets. Bref, rien que de très banal s'il n'y avait pas des éléments perturbateurs. A commencer par les paysages campagnards de Virginie nimbés dans leur magnifique lumière et le son des grillons. Ces paysages représentent les racines. Ils sont filmés avec insistance comme témoins de ce qui se joue dans le film. D'accueillants, ils peuvent se transformer en un clin d'œil en sourde menace tout comme dans "Take Shelter", l'un des précédents films de Jeff Nichols. Une source menace qui créé une tension palpable durant tout le film et invalide l'interprétation de ceux qui n'y voient qu'une histoire à l'eau de rose.

Ce qui se joue dans ces paysages est révélé dès la première phrase du film "Je suis enceinte". D'où le deuxième élément perturbateur, la présence de Richard, un blanc, au milieu des noirs. Richard est le père du bébé à naître et feint d'ignorer le troisième élément perturbateur: les regards désapprobateurs posés sur lui et sur Mildred, sa compagne noire. Mildred, plus lucide que Richard sur ce qui les attend réagit avec anxiété lorsqu'il lui annonce qu'il a acheté un terrain et va leur construire une maison. Tant qu'ils vivaient ensemble en concubinage, couverts par leurs familles, leur couple était plus ou moins toléré. A partir du moment où Richard épouse Mildred dans un Etat voisin avant de revenir en Virginie, il franchit une ligne rouge invisible. Celle de la loi sur la pureté du sang promulguée en 1924 qui interdit les mariages interraciaux en Virginie. Le couple est donc persécuté pour ce qu'il représente de menace aux yeux des ségrégationnistes blancs qui brandissent en guise de justification l'interprétation erronée d'un passage de la Genèse et des doctrines raciales inspirées du règne animal.

Richard et Mildred vivent un véritable chemin de croix. Ils sont arrêtés en pleine nuit, emprisonnés, condamnés à une peine de prison auquel il ne peuvent se soustraire qu'en étant bannis de l'Etat. Les familles et amis adressent des reproches à Richard comme s'il était fautif, l'un d'entre eux lui demandant pourquoi il ne divorce pas. Mais toutes ces pressions se heurtent au mur du bien nommé Loving. Richard, bâti comme un roc taiseux impénétrable qui sait au plus profond de lui-même que la loi est injuste et qu'il ne fait rien de mal encaisse et souffre en silence. Mais à aucun moment il ne fait porter le poids des épreuves sur sa femme qu'au contraire il protège avec amour (d'où le surnom affectueux qu'il lui donne, brindille). Mildred, timide mais moins fataliste ne supporte pas l'exil. Elle choisit de retourner clandestinement en Virginie avec Richard et de se battre. Un combat judiciaire qui remontera jusqu'à la Cour suprême laquelle fera invalider les lois interdisant les mariages mixtes et le métissage à l'échelle de l'Union en 1967 dans le contexte de la lutte pour les droits civiques. La force de l'arrêt résidant autant dans son contenu que dans la symbolique des patronymes: Loving versus Virginia, la plus grande des forces humaines portant l'estocade à une Virginie virginale fantasmatique obsédée par la peur inepte de la "souillure" raciale.

Voir les commentaires

Les enfants du paradis

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Carné (Marcel), #Drame

Marcel Carné (1945)

Les enfants du paradis

Les enfants du Paradis est l'un des plus grands films de l'histoire du cinéma français. Les critiques qui ne jurent que par la Nouvelle Vague (Télérama et les Inrocks pour ne pas les citer) et dédaignent de le faire figurer dans leurs classements des 100 meilleurs films français feraient bien de réviser leurs manuels d'histoire. A savoir le mea culpa de Truffaut qui après avoir dénigré dans les Cahiers du cinéma en 1956 l'œuvre de Carné-Prévert (en tant que "cinéma de papa" à abattre) a fini 28 ans plus tard par admettre qu'il aurait donné volontiers tous les films qu'il avait réalisé contre Les enfants du Paradis. Car si pour s'affirmer il faut sans doute tuer le père, vient un jour où la lucidité vous rattrape. Et puis parler de "cinéma de papa" avec tout ce que cela sous-entend de confort alors que les Enfants du Paradis a été réalisé en pleine guerre dans des conditions particulièrement difficiles avec une partie de son équipe obligée de travailler dans la clandestinité est un contresens. Le spectacle durant l'occupation et les rapports entre le spectacle et la vie constituent d'ailleurs le sujet du Dernier Métro, l'un des plus grands succès de Truffaut, comme un hommage inavoué au chef-d'oeuvre du "père" du cinéma français.

Le sujet principal des Enfants du Paradis est l'amour. "Que ça concerne le cinéma ou le reste, la seule chose qui m'intéresse, c'est l'amour" disait Jacques Prévert, l'auteur du scénario et de dialogues devenus mythiques ("Paris est tout petit pour ceux qui s'aiment comme nous d'un aussi grand amour"). L'amour dans tous ses états et tous ses éclats, l'amour omniprésent et protéiforme.

L'amour du spectacle tout d'abord avec sa multitude de mises en abyme. Ayant lieu dans la première moitié du XIX° siècle, l'intrigue se déroule sur le boulevard du crime dans une atmosphère de kermesse et de carnaval et confronte deux mondes, celui de la pantomime en déclin et celui du théâtre en plein essor avec différents genres à l'affiche (comédie, mélodrame, tragédie). Chacun de ces arts est porté par une figure ayant réellement existé: le mime Deburau (Jean-Louis Barrault) d'un côté et l'acteur Frédéric Lemaître de l'autre (Pierre Brasseur). Mais à travers eux, on reconnaît aussi une autre transition ayant eu lieu un siècle plus tard, celle qui a fait passer le cinéma du muet au parlant et qu'a connu Marcel Carné. L'imbrication entre théâtre et cinéma est telle que le film est divisé en deux époques comme une pièce en deux actes avec à chaque fois un lever de rideau.

A l'imbrication entre théâtre et cinéma répond l'imbrication entre ce qui se joue sur scène et ce qui se joue derrière la scène. La mise en abyme est flagrante lorsque Lacenaire (Marcel Herrand) dit au comte de Montray (Louis Salou)" Je ne suis pas un personnage de vaudeville moi alors que vous, oui. Et je le prouve." Là-dessus il écarte les rideaux du hall, révélant Garance (Arletty) qui est alors la maîtresse du comte dans les bras de Deburau. Différentes sortes d'amour se croisent, se heurtent mais ne parviennent pas à s'accorder, la scène et la vie se répondant en miroir. Le catalyseur de tous ces amours désaccordés est incarné par Garance une femme fascinante aussi libre qu'insaisissable. La première "scène" où elle apparaît définit bien son "rôle" puisqu'en tant qu'attraction de foire, elle tourne sur elle-même plongée dans une baignoire en forme de puits sous les regards masculins mais elle ne les voit pas plongée dans son miroir. Durant tout le film, on la voit se dérober vis à vis des hommes qui la convoitent, qui cherchent à la posséder et qui au final finissent par la perdre. Garance vit dans l'instant présent, obéit à l'impulsion du moment et déteste mentir: " je suis comme je suis, j'aime plaire à qui me plaît, c'est tout. Et quand j'ai envie de dire oui, je ne sais pas dire non." Après les avoir essayés, elle rejette tour à tour "l'amour" de Lacenaire, de Frédéric Lemaître et du comte de Mortray. Tous trois ont pour points communs le goût du paraître (bandit-dandy pour Lacenaire, acteur cabotin sûr de son génie pour Lemaître, aristocrate plein de morgue pour Mortray), l'orgueil, un ego surdimensionné qui les rend incapables d'aimer véritablement et une jalousie dévorante qui les conduisent jusqu'à l'assassinat (sublimé par le théâtre dans le cas de Lemaître, bien réel pour les deux autres). Reste Baptiste Deburau, pierrot lunaire passionnément épris de Garance mais que ses projections idéalisées paralysent. Elles l'empêchent en effet d'affronter les demandes charnelles de la Garance de chair et d'os "c'est dans les livres que l'on aime comme ça, pas dans la vie"; "Il ne faut pas m'en vouloir mais je ne suis pas comme vous rêvez." Garance finira par éprouver les mêmes sentiments pour Baptiste mais seulement de loin et lorsqu'elle le saura marié et père comme si elle n'acceptait cet amour que parce que elle le savait impossible. C'est d'ailleurs ce que lui rétorque avec lucidité Nathalie (Maria Casarès), la femme de Deburau qui souffre depuis toujours que son amour pour Baptiste ne soit pas payé de retour "Vous partez, on vous regrette. Le temps travaille pour vous et vous revenez, tête nouvelle embellie par le souvenir...mais rester et vivre avec un seul être, partager avec lui la petite vie de tous les jours, c'est autre chose." L'amour qu'évoque le film est en réalité surtout l'illusion de l'amour.

Voir les commentaires

Les dames du bois de Boulogne

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Bresson (Robert), #Drame, #Denis Diderot

Robert Bresson (1945)

Les dames du bois de Boulogne

"Il n'y a pas d'amour Hélène, il n'y a que des preuves d'amour" dit Jacques (Jean Marchat) à son amie (Maria Casarès) rongée de doutes au début du film sur la réalité de l'amour que lui porte Jean (Paul Bernard). Jacques est une référence à l'œuvre dont le film est l'adaptation, "le mariage saugrenu", l'un des récits contenu dans Jacques le fataliste et son maître de Denis Diderot. Il s'agit de l'histoire de Mme de la Pommeraye qui délaissée par son amant le marquis des Arcis décide de se venger en oeuvrant secrètement à son mariage avec Mademoiselle d'Aisnon que sa mère a prostituée. Elle fait passer les deux femmes pour des dragons de vertu.

De ce conte moral du XVIII° siècle transposé dans le Paris contemporain, Bresson a tiré non un mélodrame mais un film dont la grandeur tragique et mystique n'a d'égale que la sobriété du jeu tout en retenue des acteurs allié au dépouillement des décors et de la mise en scène. Les conditions extrêmement difficiles du tournage en pleine guerre n'expliquent que partiellement cette économie de moyens. Bresson n'en est qu'à son deuxième film mais il est déjà extrêmement rigoureux, perfectionniste et exigeant. Il recherche l'épure, la sobriété, la simplicité. Tout le contraire de Maria Casarès à qui il impose une sorte de "vœu de silence" malgré sa résistance. Toute la frustration de la tragédienne brimée s'exprime dans une rage contenue qui donne une force extraordinaire à son personnage de femme-araignée perfide et cruelle qui emprisonne ses proies dans sa toile pour satisfaire sa rancune.

Là où Bresson se différencie franchement de Jacques le fataliste, c'est que son approche moraliste se double d'une approche religieuse (Diderot était athée) portée par le beau personnage d'Agnès (Elina Labourdette). En dépit des apparences qui lui sont défavorables (sa pauvreté, sa relation trouble avec une mère mi-maquerelle, mi-mère supérieure, son costume d'entraîneuse qui rappelle celui de Marlène Dietrich dans l'Ange Bleu), Agnès dès sa première apparition irradie d'innocence. Innocence liée à la référence à Molière dans son prénom, à son caractère entier et déterminé et à la joie authentique qu'elle exprime lorsqu'elle danse, toute en élan et en ouverture. Le film nous raconte son chemin de croix vers la rédemption, une rédemption qu'elle atteint dans une scène finale sublime, un véritable acte de grâce divine qui révèle à chacun ce qu'il est, profondément. Agnès auréolée de blanc, merveilleusement éclairée dans sa pureté retrouvée. Jean que la vengeance d'Hélène n'atteint que dans son vernis mondain, faisant éclater au grand jour ses sentiments véritables ("la vanité et l'amour sont incompatibles" disait déjà Madame de Merteuil dans Les Liaisons dangereuses, une œuvre apparentée à celle-ci). Et enfin Hélène repliée dans sa noirceur, sa vanité et son amour-propre qui croyait tout contrôler et à qui la situation finit par échapper.

Jacques Demy aimera tellement ce film qu'il lui inventera une suite. Ce sera Lola, son premier film avec Elina Labourdette qui reprendra son rôle d'ancienne danseuse et Anouk Aimée en costume d'Ange Bleu, femme "de mauvaise vie" à la pureté éclatante.

Voir les commentaires

<< < 100 110 111 112 113 114 115 116 117 118 119 120 > >>