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Articles avec #biographie tag

Aline

Publié le par Rosalie210

Valérie Lemercier (2020)

Aline

Dans le film de Valérie LEMERCIER, Céline Dion s'appelle Aline Dieu. Un nom fictif qui en dit long. L'album "D'Eux" écrit par Jean-Jacques GOLDMAN comporte lui aussi des références religieuses "Les derniers seront les premiers" et "La mémoire d'Abraham". Une façon discrète de souligner le don exceptionnel de la chanteuse. Mais pas seulement pour chanter, également pour aimer, les deux ayant un caractère divin. Jean-Jacques Goldman avait d'ailleurs expliqué qu'il avait été séduit (outre la voix) par le côté nature et généreux de Céline Dion que sa carrière de diva à la Barbra STREISAND (son modèle) n'avait pas altéré*. Le film de Valérie Lemercier conserve ce côté nature et généreux d'un bout à l'autre. La facette showbiz disparaît au profit de la désarmante simplicité du personnage (même à l'intérieur d'un palace ou d'une immense salle de concert elle nous semble proche, "a girl next door"). Car Céline/Aline emporte partout ses racines et sa famille avec elle (le porte-bonheur de son père, sa mère qui veille sur elle et plusieurs de ses nombreux frères et soeurs) qui forment une bulle de protection autour d'elle. Cela aurait pu la maintenir dans un répertoire infantile mais c'était sans compter sur l'expérience décisive de Guy-Claude (alias René Angelil) son manager et futur époux. Les scènes d'explication orageuse entre Sylvain MARCEL et Danielle FICHAUD sont savoureuses (comme d'ailleurs tout le casting québécois), la mère n'appréciant guère d'avoir un "vieux pruneau" divorcé deux fois pour gendre. Comme le reste de la famille et Aline elle-même avec ses imperfections, Guy-Claude est croqué avec drôlerie et tendresse. Même les salles de concert les plus imposantes prennent ainsi un caractère chaleureux et familial et on comprend pourquoi les moqueries dont Céline/Aline fait l'objet (qui sont évoquées à plusieurs reprises dans le film) glissent sur elle sans la toucher, comme tout ce qui a trait à la laideur ou à la corruption du monde dans lequel elle évolue. La performance de Valérie LEMERCIER est bluffante (même si je ne suis pas coinvaincue par les effets spéciaux qui lui donnent l'allure d'une gamine de 8 ans).

*" Mais si tu grattes là
Tout près de l'apparence
Tremble un petit qui nous ressemble
On sait bien qu'il est là
On l'entend parfois
Sa rengaine insolente
Qui s'entête et qui répète
"Oh, ne me quitte pas"

On n'oublie jamais
On a toujours un geste
Qui trahit qui l'on est
Un prince, un valet
Sous la couronne un regard
Une arrogance, un trait
D'un prince ou d'un valet

Je sais tellement ça
J'ai copié des images
Et des rêves que j'avais
Tous ces milliers de rêves
Mais si près de moi
Une petite fille maigre
Marche à Charlemagne, inquiète
Et me parle tout bas." (On ne change pas)

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Stavisky

Publié le par Rosalie210

Alain Resnais (1974)

Stavisky

Alain RESNAIS s'est penché sur la personnalité complexe de Alexandre Stavisky, escroc à l'origine de l'un des plus grands scandales politico-financiers du XX° siècle retrouvé "suicidé d'une balle tirée à bout portant" (selon l'un des titres de presse de l'époque). Stavisky avait si bien infiltré l'appareil d'Etat de la III° République, le corrompant à tous les étages qu'il faillit bien faire vaciller le régime le 6 février 1934. Même si beaucoup d'historiens s'accordent à dire aujourd'hui que les unes de la presse, notamment de gauche sur "le coup d'Etat fasciste qui avait échoué" étaient exagérées, Alain RESNAIS reconstitue une atmosphère fin de siècle, clinquante en façade, putride et mortifère en réalité. Les fleurs blanches dont Stavisky inonde les femmes qu'il veut séduire ressemblent à des couronnes mortuaires plantées sur un corbillard ou posées devant un cimetière, quand lui-même ne s'allonge pas sur une tombe dans la pose d'un gisant. L'environnement mondain, affairiste et luxueux de Stavisky semble irréel tout comme sa femme Arlette (Anny DUPEREY) qui semble échappée des pages d'une revue de mode rétro. L'ami de Stavisky, le maurassien baron Raoul (Charles BOYER) prononce des paroles (écrites comme l'ensemble du scénario par Jorge SEMPRÚN) qui s'avèrent prophétiques "Stavisky nous annonçait la mort. Pas seulement la sienne, pas seulement celle des journées de février, mais la mort d’une époque." Epoque dont on ne cesse de percevoir les échos fétides: la crise économique et sociale, la crise politique, la montée de la xénophobie et de l'antisémitisme, les prémisses de la guerre civile espagnole, l'émigration des juifs allemands fuyant le nazisme et des communistes fuyant le stalinisme (à travers le séjour en France de Trotski), les allusions au fascisme de Mussolini.

Mais le véritable sujet du film est Stavisky lui-même. Pour tenter de cerner le mystère de cet homme, symbolisé par les nombreux plans dans lesquels on s'enfonce dans les arbres feuillus (comme dans d'autres films de Alain RESNAIS) celui-ci utilise les témoignages de ceux qui l'ont connu et le procédé du flashback. Défilent donc à la barre de la commission parlementaire chargée d'enquêter sur "l'affaire Stavisky" tout le gratin du cinéma français. Outre les personnages déjà cités, on voit apparaître le médecin de Stavisky (Michael LONSDALE), l'homme de confiance de Stavisky (François PÉRIER) ou encore l'inspecteur qui a tenté de le coincer pour en tirer un profit personnel (Claude RICH). Il y a aussi dans un coin de l'image une jeune juive allemande à qui Stavisky donne la réplique dans une scène de répétition théâtrale qui est une évidente mise en abyme de l'identité que Stavisky cherche à dissimuler (à savoir qu'il est lui-même juif et émigré) au travers de ses multiples patronymes. Tous soulèvent un coin du voile, apportent leur pièce au puzzle sans que Alain RESNAIS ne cherche à tout expliquer, laissant le spectateur faire lui-même ses déductions.

Et Jean-Paul BELMONDO dans tout ça? Il est peut-être un peu léger pour le rôle. Tout l'aspect baratineur, charmeur, tapageur et avide de gloire "du beau Sacha" lui va comme un gant. En revanche lorsqu'il lui faut exprimer ses névroses (sa mégalomanie, sa paranoïa) il est nettement moins convaincant. Si l'on ajoute quelques effets appuyés de mauvais goût et un sujet méconnu du grand public (et traité d'une façon pas spécialement pédagogique), on comprend qu'il n'ait pas figuré parmi les succès de Alain RESNAIS et qu'il soit aujourd'hui un peu oublié.

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Imitation Game (The Imitation Game)

Publié le par Rosalie210

Morten Tyldum (2014)

Imitation Game (The Imitation Game)

"Imitation game" est un biopic sur Alan Turing, mathématicien et cryptologue britannique considéré comme l'un des pères fondateurs de l'informatique. Pendant la seconde guerre mondiale, il joua un rôle important dans le décodage des messages de la machine Enigma dont l'armée allemande se servait pour communiquer de façon cryptée. Il est aussi l'un des précurseurs de l'ordinateur, Colossus étant une version perfectionnée de sa propre machine à calculer (dite "machine de Turing" ou "bombe de Turing"), elle-même inspirée d'inventions polonaises. Comme toute innovation majeure, l'ordinateur est donc le fruit d'une chaîne de perfectionnements et non la création d'un seul homme. C'est là l'un des nombreux arrangements avec la réalité du film de Morten TYLDUM qui s'avère aussi académique que peu scrupuleux avec la vérité historique. Certes, tout travail d'adaptation oblige à faire des raccourcis, des simplifications, des choix dans le foisonnement du réel. Mais on peut le faire en restant fidèle à l'essentiel. Or l'objectif affiché étant de fournir un long-métrage calibré pour plaire au plus grand nombre avec un label "film de prestige" en vue des Oscar (on l'a d'ailleurs beaucoup comparé à "Le Discours d un roi") (2010), la vie de Alan Turing est biaisée pour faire rentrer celui-ci dans les bonnes cases. Son homosexualité par exemple est reléguée en toile de fond, devenant presque abstraite afin de gonfler au maximum une romance hétérosexuelle plus bankable avec Keira KNIGHTLEY. Comme si cela ne suffisait pas, pour expliquer son génie (car dans les films de ce type hyper balisés, linéaires, sans zones d'ombre, il faut toujours une explication pour tout), on lui colle une étiquette d'autiste asperger ce qu'il n'était manifestement pas. J'ai eu souvent l'occasion de m'insurger contre la vision stéréotypée que le cinéma donne des autistes asperger, tous géniaux et tous géniaux en mathématiques tout en étant infréquentables par ailleurs. Cliché, cliché, cliché. Enfin, ne reculant devant aucune lourdeur, on a droit a une séquence gênante censée présenter un dilemme moral au cours de laquelle l'un des membres de l'équipe de cryptologues supplie que l'on sauve son frère juste après qu'ils aient découverts que le message qu'ils ont décodé ordonne de couler des bateaux (encore une erreur historique d'ailleurs, les messages s'adressant à l'armée de l'air et non à la marine ce qui est logique, cette dernière étant le maillon faible des nazis). Dans la même recherche d'émotion facile, l'ordinateur s'appelle Christopher du nom du premier amour (platonique sinon ce n'est pas bankable) de Alan Turing. Dans la réalité il s'appelait Victory: un but collectif bien plus juste qu'un attachement sentimental isolé et qui rappelle que les américains participaient au projet ce qui est occulté par un film qui n'entend rien à l'Histoire. La reconstitution des années 50 le prouve: le contexte de persécution des homosexuels dans le cadre de la paranoïa anticommuniste lié à la guerre froide et au maccarthysme est réduit à sa plus simple expression. Seule la performance de Benedict CUMBERBATCH mérite d'être soulignée mais elle offre bien moins de nuances que dans "Sherlock" (2010), l'acteur étant tributaire du film.

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Ludwig, le crépuscule des Dieux (Ludwig)

Publié le par Rosalie210

Luchino Visconti (1972)

Ludwig, le crépuscule des Dieux (Ludwig)

Ludwig est le dernier volet de la trilogie allemande de Luchino VISCONTI après "Les Damnés" (1969) et "Mort à Venise" (1971) et il est encore plus dans la démesure puisqu'il dure dans sa version intégrale près de quatre heures! Le destin du roi Louis II de Bavière ne pouvait que fasciner le cinéaste de par son romantisme, sa soif d'absolu, son inadaptation au monde réel et enfin sa déchéance.Luchino VISCONTI offre le rôle à sa muse, Helmut BERGER qui fait une prestation habitée tandis que Romy SCHNEIDER reprend le rôle qui l'a rendu célèbre, celui d'Elisabeth d'Autriche pour mieux l'exorciser. En effet la vision qu'elle donne de l'impératrice, nettement plus sombre et tourmentée que dans les images d'Epinal mièvres des années cinquante en fait le parfait miroir féminin de Ludwig. Pas étonnant qu'elle soit la seule femme qui le fascine, la recherche du double étant chez lui une obsession ne pouvant l'entraîner que de déception en déception. Complètement inadapté aux attentes attachées à sa fonction et manifestement asocial, Ludwig rejette la guerre, la réalité du pouvoir et la conjugalité. Roi esthète profondément catholique (religion de la Bavière), il sublime son homosexualité dans la recherche éperdue de la beauté, que ce soit à travers la musique de Wagner dont il devient le mécène ou la construction de ses extravagants châteaux. Autant de folies ruineuses (et de fuites de la réalité) qui lui aliènent la confiance des élites du pays qui finissent par le déclarer fou et le destituer. De toutes façons, Ludwig découvre très tôt que les grandes décisions lui échappent étant donné qu'il n'est le roi que d'un confetti à côté de ses puissants voisins, l'Autriche-Hongrie et la Prusse. Tel un lapin traqué, Ludwig tente de fuir un destin qu'il n'a pas choisi mais celui-ci le rattrape et sa profonde solitude nourrie de désillusions rejaillit sur son apparence qui se dégrade: à quarante ans, celui-ci est devenu une épave dans des habits de prince. C'est la puissance de ce portrait intimiste allié à la magnificence du cadre et de la musique (Luchino VISCONTI est un grand esthète) qui fait toute la beauté du film, construit comme une enquête avec différents intervenants témoignant face caméra venant ponctuer le récit.

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The Danish Girl

Publié le par Rosalie210

Tom Hooper (2015)

The Danish Girl

Voilà le type même de film qui a été vampirisé par son sujet ou plutôt les prises de position idéologiques qu'il a soulevé. S'il avait été estampillé film d'auteur comme "Laurence Anyways" de Xavier Dolan au sujet proche il aurait subi sans doute moins de procès en légitimité. Mais comme il s'agit d'un film mainstream calibré pour les Oscar réalisé par l'auteur de "Le Discours d'un roi", j'ai entendu pis que pendre à son sujet. De toutes façons, aborder la transidentité est casse-gueule en soi. Cela suscite tantôt une levée de boucliers de la part des conservateurs lorsque ce thème est abordé au niveau de l'enfance (l'exemple de "Petite fille" de Sébastien Lifschitz l'a bien montré), tantôt celle de représentants de la communauté transgenre qui ne se reconnaissent pas dans les films censés parler d'eux et qui n'acceptent pas que ce soient des acteurs cisgenre qui interprètent leurs rôles. 

Après avoir vu le film, je dirai que je l'ai trouvé intéressant, esthétiquement soigné (remarquable choix de décors très picturaux: intérieurs arts nouveau et magnifiques extérieurs baignés de lumière) et bien interprété. J'ai beaucoup aimé en particulier la prestation troublante de Eddie Reymane et la sensibilité à fleur de peau qu'il exprime lorsqu'il joue Lili. Même si le film prend des libertés avec son histoire et la présente comme la première femme transgenre a avoir été opérée dans les années 30 (alors que c'est surtout la plus célèbre), il ne tourne pas qu'autour de ce personnage. Il s'agit aussi de l'analyse d'un couple. Einar et Gerda (Alicia Vikander) fonctionnent de façon très narcissique, chacun voyant en l'autre son jumeau. La révélation de la femme en Einar est tout aussi révélatrice pour lui que pour Gerda qui s'avère être une lesbienne refoulée (qui ne l'était pas dans la réalité) et qui trouve le succès comme peintre grâce à Lili au prix de la perte de son mari. Même si le registre très académique où rien ne doit trop bousculer le spectateur dans ses repères atténue la portée du film, il n'en reste pas moins tout à fait honorable.

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David Bowie: les cinq dernières années

Publié le par Rosalie210

Francis Whately (2017)

David Bowie: les cinq dernières années

Deuxième volet de la trilogie que Francis Whately a consacré à David Bowie après "David Bowie en cinq actes" (2013) et avant "David avant Bowie" (2018), "David Bowie: les cinq dernières années" (2017) se penche comme son titre l'indique sur la période allant de 2011 à 2016 c'est à dire le chant du cygne (ou plutôt du phénix) de cet immense artiste caméléon qui mourut d'un cancer le 10 janvier 2016, deux jours après avoir fêté son soixante-neuvième anniversaire. Le réalisateur fait toutefois une entorse à la chronologie en débutant le film par la dernière tournée de David Bowie en 2004 pour faire émerger un paradoxe qui innerve l'ensemble du film. A savoir que jamais David Bowie n'a paru si heureux qu'à ce moment-là alors que c'est précisément lors de cette tournée que débutent ses ennuis de santé qui le contraignirent à se retirer de la scène et à interrompre provisoirement sa carrière. Pourtant, le vieillissement, la maladie et l'approche de la mort c'est à dire le fait que son temps soit compté furent à l'origine d'un come-back fulgurant. Après dix ans de silence et dans le plus grand secret (une performance de nos jours), David Bowie réussit à sortir à la surprise générale "The Next Day" en 2013 puis "Blackstar" son testament deux jours avant sa mort ainsi qu'une comédie musicale au titre hautement significatif "Lazarus" alors même qu'il se savait condamné. Dire que David Bowie a créé jusqu'à son dernier souffle de vie est littéralement illustré par ce documentaire passionnant (comme les deux autres) que l'on soit connaisseur ou néophyte et qui mélange archives visuelles et sonores et témoignages des musiciens qui l'ont accompagné sur ses derniers projets mais aussi les réalisateurs de ses derniers clips. En effet, le documentaire revient régulièrement en arrière pour souligner la continuité dans la rupture de la carrière de David Bowie, faisant émerger par-delà les avatars et la nostalgie les thématiques récurrentes de sa personnalité et de son univers: l'androgynie et la bisexualité (fameuse idée de l'avoir apparié avec Tilda Swinton le temps d'un clip), la ville de Berlin avec le titre et le clip "Where are we now?" ou encore l'ultime retrouvaille avec l'espace et le Major Tom ou plutôt ce qu'il en reste dans "Blackstar".

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David Bowie en cinq actes

Publié le par Rosalie210

Francis Whately (2013)

David Bowie en cinq actes

Ayant beaucoup aimé "David avant Bowie", j'ai eu envie de voir les autres documentaires que Francis Whately a consacré à l'artiste et tout d'abord en guise d'entrée en matière "David Bowie en cinq actes" qui constitue en soixante minutes un tour d'horizon des années les plus connues de sa carrière de 1971 à 1983. Les cinq actes en question constituent en fait cinq moments clés durant lesquels il change d'identité personnelle comme professionnelle: la période glam rock liée à son personnage androgyne et extra-terrestre Ziggy Stardust, la période soul américaine à Los Angeles durant laquelle il réalise les albums "Young American" et "Station to station" et s'abîme plus que jamais dans la drogue sous les traits du Thin White Duke (il est alors plus pâle et émacié que jamais), la période berlinoise électronique et son apothéose avec l'album "Heroes", l'album romantique moderne "Scary Monsters" et enfin son virage commercial avec Let's Dance, China Girl et Fame qui transforme l'artiste expérimental underground en icone pop mainstream. Outre le montage d'images visuelles et sonores rares, l'aspect que j'ai trouvé le plus intéressant, ce sont les témoignages de ses musiciens qui expliquent la genèse des chansons. Notamment Rick Wikeman qui démontre de façon très claire l'originalité de "Life on mars" en montrant qu'une version lambda aurait été monocorde alors que la version Bowie ne cesse d'aller crescendo grâce à des notes charnières qui servent de tremplin à la mélodie. Ce passage me paraît être une parfaite métaphore musicale de l'artiste lui-même.

Les critiques de l'époque qui reprochaient au réalisateur de ne pas évoquer les débuts ni la fin de carrière du chanteur ne savaient pas que ce documentaire servirait de maillon central à une trilogie avec "David avant Bowie" (2019) pour ses années de galère dans les années soixante et début des années soixante dix et "David Bowie, les cinq dernières années" (2016) pour sa fin de carrière.

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David avant Bowie

Publié le par Rosalie210

Francis Whately (2019)

David avant Bowie

Pour faire un grand documentaire (ou un grand film de fiction) sur un ou une personnalité il faut au moins deux ingrédients. Tout d'abord il faut que la personnalité en question soit taillée pour le costume ce qui n'est pas toujours le cas loin s'en faut. Ensuite il faut un réalisateur inspiré. Les deux sont réunis ici et le résultat est passionnant. Francis Wathely est en effet un spécialiste des documentaires musicaux et celui-ci est déjà son troisième sur David Bowie après "David Bowie en cinq actes" (2013) et "David Bowie- Les Cinq dernières années" (2017). En effet que raconte David avant Bowie sinon la longue et compliquée genèse d'une étoile dans les années soixante et le début des années soixante-dix? Déjà ce qui est remarquable, c'est qu'un documentaire mette ainsi l'accent sur les échecs qui ont forgé la star David Bowie. 11 ans de galère, 9 groupes différents et des dizaines de "flops" commerciaux qui auraient pu en décourager plus d'un. Mais on mesure la personnalité exceptionnelle qu'était David Bowie au fait qu'aucun d'entre eux ne l'a mis par terre. Chacun lui a permis de rebondir en explorant de nouvelles voies (poésie, mime) jusqu'à ce qu'enfin il en trouve une qui rencontre aussi le public. Et encore, cela s'est fait en deux temps puisque le succès de "Space Oddity" en 1969 est resté celui d'un single et qu'il a fallu "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", son cinquième album en 1973 pour assoir définitivement sa carrière. On comprend alors d'où vient son art de se réinventer sans cesse sans pourtant jamais se perdre puisque même une fois parvenu au sommet, David Bowie refuse de capitaliser sur la même formule en tuant son personnage pour mieux renaître ailleurs sous une autre forme tel un phénix. Jalonné de témoignages précis de ceux qui l'ont côtoyé de près durant ses années de formation (bien que méconnus du grand public, on peut constater que David Bowie ne collaborait pas ou ne sortait pas avec n'importe qui), d'images d'archives visuelles et sonores où on entend la voix de la star faire ses propres commentaires, on comprend aussi que la quête identitaire de Bowie était liée à un profond désir de transplantation. Il ne se reconnaissait pas du tout dans le milieu sans âme dans lequel il avait grandi et il s'est donc cherché ailleurs. Dans tous les ailleurs possibles et imaginables, propulsé puis mis sur orbite par une époque effervescente propice aux expérimentations et excentricités en tous genres.

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BlacKkKlansman - J'ai infiltré le Ku Klux Klan (BlacKkKlansman)

Publié le par Rosalie210

Spike Lee (2016)

BlacKkKlansman - J'ai infiltré le Ku Klux Klan (BlacKkKlansman)

Cela faisait des lustres que je n'avais pas vu un film de Spike LEE. En effet il était très actif lors de ma première grande période cinéphilique au début des années 90 car il rencontrait alors beaucoup de succès. Puis il a disparu des radars avec des films plus confidentiels ou qui ont été des flops commerciaux avant de faire un fracassant comeback avec son réjouissant pamphlet contre le poison du suprémacisme blanc qui hier comme aujourd'hui gangrène les USA. C'est avec beaucoup d'intelligence que Spike LEE relie le passé à travers une histoire vraie située dans les années 70 militantes impeccablement reconstituées et un présent encore gangrené par la haine raciale ravivée lors du mandat de Donald Trump. En effet le sujet étant assez lourd comme ça, il choisit une voie carrément jubilatoire, celle d'une comédie policière fondée sur des faits réels dans laquelle Ron Stallworth un policier noir (John David WASHINGTON, fils de Denzel WASHINGTON qui s'avère excellent) va infiltrer par téléphone interposé le Ku Klux Klan autant pour se payer leurs têtes encagoulés de crétins décérébrés que pour neutraliser le danger qu'ils représentent. Pour mener à bien sa mission, il se trouve une doublure en la personne d'un collègue, Flip Zimmerman (Adam DRIVER) qui endosse son identité quand il doit les rencontrer en présentiel (comme on dirait aujourd'hui) tout en cachant ses origines juives, sujettes à une haine presque aussi viscérale que celle qui touche les afro-américains. Le duo fonctionne à merveille et à travers lui, c'est Spike LEE qui infiltre l'histoire américaine dans ce qu'elle a de plus nauséabond ainsi que les représentations des noirs dans le cinéma US avec notamment un grand morceau de bravoure: la réappropriation de "Naissance d'une Nation" (1915) de D.W. GRIFFITH dont il reprend les techniques pour souligner qu'il s'agit non du film fondateur de la nation américaine qu'il prétend être (sans parler de son encombrant statut de film matriciel de la grammaire cinématographique) mais bien d'un appel à la guerre civile, celle qui sous Donald Trump a couvé lors des émeutes de Charlottesville et des mouvements "Black Lives Matter".

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Judy

Publié le par Rosalie210

Rupert Goold (2018)

Judy

Il y a eu au début des années 2000 la mode des fictions biographiques sur des auteurs de grands classiques dont on savait peu de choses et qui ont été (platement) réinventés à l'aune de leurs oeuvres les plus populaires, ou du moins ce qu'en avait retenu le cinéma hollywoodien à savoir les plus grandes facilités. Puis est arrivé la mode des biopics, une autre forme de recyclage, beaucoup plus vaste car le catalogue des célébrités à traiter est sans fin. Comme pour les franchises ou les remakes de classiques, le biopic est une recette au succès prévisible sinon toujours assuré et à la recette sinon immuable, du moins assez standardisée. Celle de "Judy" ne déroge pas à la règle. On pouvait espérer un traitement plus fouillé et moins insipide concernant une "huge star maison" voire une réflexion du système sur les ambivalences monstrueuses qu'il a engendré. En se focalisant sur la dernière année de la vie de Judy Garland, morte prématurément usée à 47 ans on voit surtout les aspects les plus pénibles (et misérabilistes) de sa vie, la déchéance, l'instabilité, les addictions multiples, les dérèglements de l'alimentation et du sommeil, la souffrance, le tout expliqué à l'aide de petits flashbacks par le dressage subi à la MGM dans son adolescence. Cette image de Garland-victime est au-delà de la simplification. Elle ne s'accorde ni avec la star de cinéma ni avec la bête de scène qu'elle a été. Si le rapport de Garland avec l'oralité avait été creusé davantage, on aurait vu qu'elle était tout autant vampire que vampirisée. Il faut dire que Renée ZELLWEGER en dépit de sa bouche rougie pour l'occasion n'a pas un charisme suffisant pour porter l'aura écrasante d'une telle star et que tout ce qui l'entoure est survolé voire parfois biaisé comme souvent dans les biopics.

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