Overblog
Suivre ce blog Administration + Créer mon blog

Les Amants du Pont-Neuf

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Carax (Leos), #Drame

Leos Carax (1991)

Les Amants du Pont-Neuf

J'avais très peu de souvenirs du film de Leos Carax. Tout au plus m'était resté une voix au fort accent étranger dépeignant à Michèle (Juliette Binoche) l'enfer qui attendait les femmes sans-abri, sans doute parce que ça m'avait impressionné à l'époque. Maintenant que je l'ai revu, je considère que c'est l'un de ses plus beaux films. Le plus beau même, à égalité avec "Annette". Parce que comme le dernier film en date de Carax, "Les Amants du Pont-Neuf" est un peu fou (une "folie" qui a d'ailleurs coûté cher au réalisateur, le transformant en "cinéaste maudit" à la suite d'un tournage tumultueux digne de celui du Don Quichotte de Terry Gilliam même si Carax a pu mener son film à terme), généreux, démesuré, opératique même, d'une grande beauté visuelle dans lesquels l'amour se conjugue avec l'absolu. Il est rare de trouver dans l'art d'aujourd'hui plutôt désenchanté ce qui faisait le souffle et la beauté du romantisme du XIX° siècle, romantisme qui s'est prolongé dans le cinéma muet dont Leos Carax est un fervent admirateur. D'ailleurs l'un comme l'autre de ces deux films se sont prolongés bien après leur visionnage par l'écoute d'extraits musicaux. J'avais en effet oublié la chanson des Rita Mitsouko qui clôt le film justement intitulée "Les Amants" que je trouve personnellement superbe et qui s'accompagne d'images faisant penser à "L'Atalante" de Jean Vigo!

Cependant, contrairement à "Annette", le film ne dévoile pas tout de suite sa vraie nature. Il commence comme un documentaire naturaliste sur la vie âpre des SDF. On comprend pourquoi Alex (Denis Lavant) ne pense qu'à une chose: retourner dans sa bulle! Et sa bulle, c'est le Pont-Neuf fermé au public pour travaux mais où il a fait son nid en compagnie d'un autre SDF qui pourrait être son père, Hans (Klaus Michael Grüber). La mise en abyme continue de plus belle après deux premiers films dans lesquels Denis Lavant jouait déjà Alex, le double de Leos Carax (qui dans la réalité s'appelle Alex... Dupont). Elle se poursuivra d'ailleurs jusque dans "Holy Motors" dans lequel par un effet miroir, ce n'est plus la Samaritaine que l'on aperçoit depuis le Pont-Neuf mais le Pont-Neuf que l'on aperçoit depuis le toit de la Samaritaine.

La bulle de Alex n'a plus rien à voir avec la réalité crue des bus de nuits et autres hébergements d'urgence dans lesquels s'entassent les corps suppliciés par la misère la plus sordide. Le Pont-Neuf en dépit de son état de chantier et de la crasse propre à la vie de sans-abri reste un décor somptueux, digne d'un conte de fées (et ce d'autant plus qu'il a été reconstitué... en Camargue). Et c'est bien la recherche de la beauté lui permettant de transcender son statut de paria que recherche Alex (et à travers lui, Leos Carax) dans son huis-clos à ciel ouvert. L'arrivée de Michèle sur le pont en est la principale manifestation. Ce n'est pas seulement à cause de sa beauté délicate ou la promesse amoureuse qu'elle représente mais aussi parce qu'elle est une artiste-peintre talentueuse elle-même amoureuse de la beauté. La rencontre de ces deux éléments contraires, l'eau et le feu fait des étincelles (sublime scène du bicentenaire et non moins féérique scène de noël) jusqu'à embraser la pellicule. Seulement la vue de Michèle est si malade qu'elle ne supporte pas la lumière vive que dégage Alex lorsqu'il crache du feu (sa flamme pour elle) et ne peut portraiturer son corps burlesque rompu aux acrobaties alors même que celui-ci tente d'empêcher qu'elle puisse la retrouver, de peur qu'elle ne le quitte. Une valse-hésitation en forme d'impasse existentielle qui ne peut trouver de ligne de fuite que dans la perte, la renaissance et le recommencement.

Voir les commentaires

Titane

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Ducournau (Julia), #Réalisatrices, #Horreur, #Science-fiction, #Thriller, #Drame

Julia Ducournau (2020)

Titane

Ira, ira pas? Je me suis posée la question pendant quinze jours. D'un côté un film qui traite de sujets qui m'intéressent et une réalisatrice dont le discours ému à Cannes et les tremblements incontrôlables de son bras tranchaient avec le caractère convenu des autres. De l'autre mon peu d'envie de me confronter à des scènes insoutenables. Finalement, ayant appris que ces scènes étaient brèves, prévisibles, peu nombreuses et concentrées dans la première partie, j'ai pu les gérer en fermant les yeux au moment adéquat. D'ailleurs si ces scènes sont globalement nécessaires dans le parcours du personnage d'Alexia, l'une d'entre elle (la plus longue) me semble limite superflue, comme un sacrifice fait au genre.

Quel genre d'ailleurs? Les scènes de meurtre se rattachent au slasher, celle de violence sur soi et de transformations corporelles au body horror, deux sous-genres du film d'horreur aussi bien occidental que nippon (j'ai personnellement beaucoup pensé à la saga Alien, à certains films de Brian DE PALMA et à "Akira" (1988) en plus des références citées partout à David CRONENBERG et à John CARPENTER). Il faut en passer par là pour que le film comme l'héroïne mue un peu (trop) abruptement vers une seconde partie très différente dans laquelle Alexia, sorte de cyborg qui se comporte à la fois comme une machine à tuer et un animal sauvage ne devienne Adrien, jeune homme transgenre frêle, ravagé et mutique en quête d'amour et d'acceptation. Alexia et Adrien tous deux incarnés par une impressionnante Agathe Rousselle sont en effet constitués d'un alliage d'homme, de femme et de métal*. Une fusion perturbante dont les manifestations marquent le spectateur: la plaque de titane se greffe sur le crâne, l'huile de moteur coule des orifices charnels et un enfant hybride en sort, une jeune femme utilise un long dard de métal sur ses victimes, un jeune homme danse lascivement sur un véhicule de pompiers sous les regards gênés de ses collègues et de son père adoptif. Vincent LINDON qui s'oppose en tous points au père biologique de Alexia (joué par Bertrand BONELLO) occupe en effet une position clé dans le film et il s'agit d'un choix de casting particulièrement judicieux. Car ce n'est pas tant sa quête de masse musculaire voire d'éternelle jeunesse que j'ai trouvé convaincante que le fait que son humanité ressort de façon saisissante dans un univers futuriste nocturne qui en manque cruellement. "On est responsable pour toujours de ce que l'on a apprivoisé" disait le renard dans Le Petit Prince et c'est exactement la ligne de conduite de Vincent (choix du prénom à mon avis non fortuit), prêt à recevoir tous les secrets que renferme le corps d'Adrien. Vraiment tous.

* Alliage qui sert de support réflexif à la déconstruction des stéréotypes de genre. Le lien femme-automobile au coeur de tant de publicités virilistes est par exemple un fil directeur du film de Julia DUCOURNAU sauf que si le point de départ (la scène de lap-dance dans un salon de tuning automobile) est tout à fait conforme aux pires clichés sexistes, la suite leur tord le cou, offrant aux regards masculins du film (et au spectateur) de quoi déranger cette vision caricaturale du monde.

Voir les commentaires

Happy Together

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Kar-Wai (Wong), #Drame, #Cinéma d'Asie, #Hong-Kong, #LGTB

Wong Kar-Wai (1997)

Happy Together

Qui connaît un peu le cinéma de WONG Kar-Wai sait que le titre de son film ne peut être qu'une antiphrase. C'est l'impossibilité de la relation amoureuse qui est explorée dans "Happy Together", film qui joue admirablement tel l'accordéon argentin sur une alternance entre grands espaces dans lesquels les liens se dissolvent et à l'inverse la promiscuité étouffante du huis-clos d'un appartement délabré. "Ni avec toi ni sans toi" est la devise qui semble guider les agissements de Ho (Leslie CHEUNG) et de Fai (Tony LEUNG Chiu Wai), couple gay composé de deux caractères antinomiques qui ne cessent de se retrouver et de se déchirer. "Happy Together" fonctionne comme une danse de tango entre les deux pôles opposés de la planète, Hong-Kong et Buenos Aires. Pourtant, l'aspect le plus réussi du film ne réside pas dans la dramatisation mais dans l'exploration de l'intimité de ce couple au travers de gestes banals du quotidien criants de vérité qui m'ont fait penser à certains passages de "Mala Noche" (1985). L'ébauche de relation entre Fai et Chang (Chen CHANG) fondée sur le non-dit, les rencontres manquées mais aussi le rêve d'un ailleurs m'a fait penser au film le plus connu de WONG Kar-Wai, "In the Mood for Love" (2000) sans parler d'une esthétique très semblable. Néanmoins en dépit de son prix de la mise en scène à Cannes, j'ai trouvé qu'il y avait quelques longueurs dans "Happy Together" et que le fait que WONG Kar-Wai travaille sans scénario préétabli s'y faisait davantage ressentir.

Voir les commentaires

Tamara Drewe

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Frears (Stephen), #Comédie dramatique, #Cinéma britannique

Stephen Frears (2009)

Tamara Drewe

Mais que peut-il bien se passer lorsqu'une bombe sexuelle revient dans son village natal et tombe sur une bande de frustrés? Non ce n'est pas un scénario champêtre de "Supergrave" (2007) bien qu'ils ne pensent tous qu'à "ça". Sauf que, convenances british oblige, les pensionnaires et hôtes du cottage de "Far from the madding crowd" (nom tiré du roman de Thomas Hardy jouant sur l'idée d'une paisible retraite rurale dédiée à la création littéraire et allusion au roman graphique de Posy Simmonds dont le film est l'adaptation qui s'inspire lui-même du roman du célèbre écrivain) ne sont pas du genre à mettre cartes sur table. Mais plutôt à faire croire que la seule motivation qui les anime c'est la création, a cup of tea et les gâteaux de leur hôtesse, Beth (Tamsin GREIG) qui est comme il se doit un cordon bleu. C'est donc un festival de "médisances, fourberies, tromperies et cie" façon vaudeville satirique avec une galerie de personnages dont certains sont savoureux. En tête de liste, je mettrai l'époux de Beth, Nicholas (surnommé "Nico-nnard") Hardiment (Roger ALLAM), propriétaire du cottage et écrivain de romans policiers à succès imbu de sa personne (pourtant peu attrayante) et gagné par le démon de midi lequel finit par prendre le visage de la sexy Tamara (Gemma ARTERTON), ex-vilain petit canard changé en cygne depuis qu'elle s'est fait refaire le nez à Londres. Un petit détail qui lui vaut les surnoms peu flatteurs de "plastique" et "Cyrano" auprès de la petite peste qu'est Jody (Jessica BARDEN), lycéenne désoeuvrée qui passe son temps avec sa copine à lire les magazines people, médire, espionner et semer la zizanie. Elle aussi a le feu aux fesses mais l'objet de son désir se trouve être le type qui sort avec Tamara, le musicien Ben (Dominic COOPER) de passage dans la région avec son groupe. Enfin il y a les losers en quête de revanche amoureux de Beth ou de Tamara observant en retrait cet étalage de libido, le bedonnant et dégarni écrivain Glen (Bill CAMP) qui souffre d'une panne d'inspiration et le larbin bellâtre Andy (Luke EVANS).

J'en suis à mon troisième visionnage en 10 ans de ce film irrésistiblement drôle, sorte de jeu de massacre jubilatoire égratignant entre autre le marketing littéraire et le monde des médias. Une version comique de "Loin de la foule déchaînée" de Thomas Hardy dans lequel une femme à la tête d'un domaine faisait tourner la tête à trois hommes d'âge et de condition différente (un autre propriétaire terrien, un valet et un soldat, ce dernier étant remplacé par la rock star dans le film de Stephen FREARS)

Voir les commentaires

Rouge

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Bentoumi (Farid), #Drame, #Thriller

Farid Bentoumi (2020)

Rouge

Après "Gagarine" (2020) en juin, je viens d'assister à ma deuxième avant-première d'un film qui était sélectionné pour l'édition du festival de Cannes annulée en 2020. "Rouge", le deuxième film de Farid BENTOUMI est un thriller écologique prenant qui se situe dans la lignée de "Erin Brockovich, seule contre tous" (2000) et du plus récent "Dark Waters" (2019). L'originalité du film se situe dans le conflit générationnel entre un père (Sami BOUAJILA) et sa fille (Zita HANROT) tous deux employés d'une usine chimique qui malmène l'homme et l'environnement mais qui est protégée par les élus et les employés eux-mêmes au nom de la sacro-sainte préservation de l'emploi. Le film est donc une étude passionnante de ce que le système peut produire d'aliénation au travers de la servitude volontaire de ses bons petits soldats du capitalisme, véritable chair à canon qui sacrifie sa santé et dissimule la vérité par peur du chômage et du déclassement social.* Une logique portée à l'extrême par Slimane, leader syndical qui occupe la place du majordome: chef des larbins au service des puissants, il protège ses troupes avec une logique mafieuse (omerta, loyauté) dont il n'a pas conscience. Cette conscience qui lui manque est porté par sa fille Nour (qui signifie "Lumière") qui incarne la jeune génération qui ne veut plus se taire. Au clivage générationnel s'ajoute aussi un clivage de genre: les lanceuses d'alerte sont des femmes plus sensibles que les hommes aux enjeux sanitaires et environnementaux (la journaliste incarnée par Céline SALLETTE est d'ailleurs enceinte). Dans un entretien du milieu des années 60, l'acteur Michel SIMON déplorait les ravages écologiques des 30 Glorieuses et soulignait que ceux-ci n'auraient pas été aussi graves si les femmes, mieux reliées à la nature que les hommes n'avaient pas été réduites au silence. Et bien en 2020 alors que "notre maison brûle", ce sont elles dont on entend la voix dans le film. Mais comme celui-ci fonctionne à plusieurs échelles, il ne manque pas aussi de souligner combien il est difficile de s'opposer aux siens, même si c'est pour les sauver. La crise de la famille patriarcale est en effet un autre thème majeur du film, sans manichéisme car Slimane s'avère être un père digne d'être aimé. La fin est même presque trop belle mais porteuse d'espoir.

* C'est pourquoi quand certains évoquent la liberté de disposer de notre propre corps, j'ai juste envie de rire face à cette énorme mascarade. Les ouvriers contaminés du film valent bien les soldats et les populations d'outre-mer irradiées au nom de la grandeur de la France et tant d'autres scandales sanitaires qui révèlent que les inégalités de classe sont toujours aussi vivaces (la différence d'espérance de vie entre cadre et ouvrier est d'ailleurs évoquée dans le film).

Voir les commentaires

Marriage Story

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Baumbach (Noah), #Drame

Noah Baumbach (2019)

Marriage Story

C'est le "Blow up" que Laetitia MASSON a consacré à Adam DRIVER qui m'a donné envie de voir "Marriage Story". Car non seulement Adam DRIVER est capable d'humaniser n'importe quel salaud mais il est capable de faire en sorte qu'une femme ressente de l'empathie pour lui. Ce qui montre à quel point Noah BAUMBACH a eu du nez en l'engageant. Car dans cette chronique d'un divorce à l'américaine qui fait penser à la fois à "Kramer contre Kramer" (1979) et à "Annie Hall" (1977) (non seulement "Marriage Story" en reprend les enjeux, notamment au niveau géographique, le couple se déchirant entre New-York et Los Angeles mais on y retrouve dans des seconds rôles quelques acteurs fétiches du cinéaste comme Alan ALDA et Wallace SHAWN) il n'y a qu'une seule chose qui ressort: le sentiment d'un immense gâchis humain. Le patriarcat qui dans une vision superficielle semble contenter les hommes en leur donnant le pouvoir les broie au final autant qu'il broie les femmes. Ceux-ci ne voient pas que ce déséquilibre initial est le ver dans le fruit qui mine lentement mais sûrement tout bonheur durable, la rancoeur s'accumulant jusqu'à finir par tout détruire. Car ce sont les femmes qui demandent majoritairement la séparation, lassées de ce jeu de dupes qui relègue leurs besoins, désirs, aspirations au second plan au profit de ceux du conjoint qui ne se rend même pas compte du fait que ce qu'il croit être un désir commun n'est que le sien, le milieu du spectacle servant de miroir grossissant. De plus, au travers de l'avocate jouée par Laura DERN, l'inégalité de traitement entre l'image que doit donner le père qui a le droit d'être imparfait et la mère qui doit jouer le rôle de la vierge Marie car on ne lui pardonne aucune faiblesse est bien souligné. Le film, d'une grande finesse d'écriture et soutenu par une interprétation remarquable offre une vision si nuancée des personnages et est si près d'eux et de leurs émotions qu'on ne peut que compatir à leur situation et éprouver du dégoût pour les soubassements peu reluisants de l'institution du mariage occidental.

Voir les commentaires

Mauvais sang

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Carax (Leos), #Drame, #Polar, #Film expérimental

Leos Carax (1986)

Mauvais sang

Poème cinématographique non identifié, "Mauvais sang" est le film le plus culte de Leos CARAX. Les références s'y côtoient pêle-mêle (Arthur Rimbaud, les films noirs américains, "Scarface" (1931) en tête, la nouvelle vague française, Jean-Luc GODARD et Jean-Pierre MELVILLE avec un Serge REGGIANI qui plane physiquement et vocalement sur le film d'ailleurs il travaille dans un aérodrome ^^, Jean COCTEAU, Louise BROOKS, Charles CHAPLIN, Louis-Ferdinand Céline, Ingmar BERGMAN dans son volet expérimental etc.) pour composer une symphonie eighties d'un romantisme aussi sombre que flamboyant. Le mauvais sang évoque le sida, plaie de la décennie qui est évoqué de façon métaphorique pour frapper de plein fouet une jeunesse éprise d'une liberté hors de sa portée. On ne compte plus les courses vers quelque impossible ailleurs, celle de Denis LAVANT sur "Modern Love" de David BOWIE étant passé à la postérité (et ce passage porte aussi la marque de son époque, celle du vidéo-clip qui faisait alors concurrence au cinéma avant que cette opposition ne soit dépassée comme le montre la présence de Mylène FARMER au jury de Cannes en 2021). Course à pied mais aussi en voiture et à moto (ce qui préfigure "Annette" (2021) et son amour dangereux). Mais la mort est au bout du chemin, le piège se referme comme de nombreux plans le suggèrent (la toile d'araignée du parachute, les rayons laser protégeant l'antidote au virus) et c'est un autre texte et un autre clip qui s'impose à moi, postérieur de cinq ans à "Mauvais sang" mais qui préfigure aussi "Holy Motors" (2012), celui de "Osez Joséphine" Alain BASHUNG et son parolier-poète, Jean Fauque. Car si la mort est au bout du chemin, la flamme de la jeunesse et sa quête d'absolu s'incarne à travers l'amour fou mais impossible de Alex le prestidigitateur ventriloque pour Anna (Juliette BINOCHE à l'aube de sa carrière) sous la coupe d'un truand qui pourrait être son père mais qui est aussi un avatar du père d'Alex (joué par Michel PICCOLI) tandis qu'une autre jeune fille s'épuise à courir après Alex (Julie DELPY). Respectivement âgés en 1986 de 25, 22 et 17 ans, Denis LAVANT, Juliette BINOCHE et Julie DELPY font hennir les chevaux du plaisir sans pour autant s'opposer à la nuit.

Voir les commentaires

Mulholland Drive

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Lynch (David), #Thriller, #Drame, #Film expérimental

David Lynch (2001)

Mulholland Drive

En revoyant "Mulholland Drive" je me suis dit qu'il faudrait un jour parler du "bleu Lynch" exactement de la même façon dont on parle du "bleu Klein". Comme nombre d'autres cinéastes, David LYNCH est aussi peintre et coloriste et la couleur occupe une place déterminante dans ses récits, spécifiquement les couleurs primaires, bleu, jaune et rouge. Si un film comme "Blue Velvet" (1985) annonçait la couleur si j'ose dire en tapissant littéralement le décor, dans "Mulholland Drive", le bleu n'apparaît que par touches mais la symbolique est la même, sauf que le terrier du lapin d'Alice n'est plus le conduit d'une oreille nécrosée mais une boîte bleue ne s'ouvrant qu'avec une clé de même couleur et aspirant la caméra dans les ténèbres. De l'autre côté du miroir, une autre clé, d'un modèle différent mais de la même couleur apparaît. Clé, serrure, rideau, velours, boîte (dont l'intérieur ressemble à une scène miniature), tunnel et même la perruque bleue du dernier plan, tout cela renvoie à la fois à l'inconscient, à la sexualité féminine et au monde du spectacle, les trois thèmes inextricablement entrelacés de "Mulholland Drive".

"Mulholland Drive" pousse cependant plus loin que nombre de films de David LYNCH sa logique de dédoublement tout en rendant quasiment impossible de distinguer ce qui relève du rêve, du jeu ou de la réalité, sauf lorsque le jeu est mis en abyme sur une scène, qu'elle soit matérialisée par un plateau de cinéma, une scène de théâtre ou le bureau d'un producteur. David LYNCH va même jusqu'à révéler au cours d'une séquence que ce que le spectateur prend pour la réalité n'est qu'une répétition en vue d'une audition. Il n'a besoin pour cela que d'élargir le cadre afin que l'on puisse apercevoir le texte entre les mains des actrices, révélant ainsi au spectateur les ficelles de cet art d'illusionniste qu'est le cinéma. Mais par-delà son caractère assumé de méta-film qui explique en partie son aura auprès de la critique cinéphile professionnelle qui adore le cinéma quand il se prend lui-même pour sujet (il suffit de voir la place privilégiée dans les classements qu'occupent "Le Mépris" (1963) ou "Vertigo") (1958), le film opère un brouillage des identités tel entre Betty (Naomi WATTS révélée par le rôle) et Rita (Laura Elena HARRING) qui de l'autre côté du miroir se nomment respectivement Diane et Camilla qu'il suggère dans le fond qu'elles sont parfaitement interchangeables. L'amnésie est une belle métaphore pour suggérer l'absence d'identité propre des actrices hollywoodiennes, contraintes si elles veulent réussir de se laisser modeler par tout un monde de décideurs uniformément masculin qui s'agite en arrière-plan du film (réalisateur, producteur hommes de main mafieux etc.) La référence à l'actrice Rita HAYWORTH rousse dans "Gilda" (1946) qui devint ensuite blonde aux cheveux courts pour son mari réalisateur dans "La Dame de Shanghai" (1947) est explicite, de même que la brune qui se change en blonde se réfère sans le dire à "Vertigo" (1958) lui aussi fondé sur le mythe de Pygmalion. Cette inégalité entre les hommes qui tirent les ficelles dans l'ombre et des femmes starifiées au premier plan mais instrumentalisées rejaillit sur les relations qu'elles ont entre elles. Relation que l'on croit longtemps complice voire fusionnelle alors que le jeu de pouvoir inhérent à leur féroce mise en concurrence par les hommes transforme cet amour narcissique en haine meurtrière. L'envers du rêve hollywoodien symbolisé par une Betty au sourire béat et aux yeux émerveillés devient alors le cauchemar d'une Diane dépressive, alcoolique et rongée par la souffrance jusqu'aux portes de la folie et du suicide.

Voir les commentaires

Boy Meets Girl

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Carax (Leos), #Drame

Leos Carax (1984)

Boy Meets Girl

Naissance d'un auteur de 24 ans: Leos CARAX avec ce premier film traversé de fulgurances poétiques et de trous d'air comme le seront les suivants, la jeunesse en prime, sous le signe de la lune plutôt que du lion* bien "que l'on soit de la balance ou du lion, on s'en balance, on est des lions" pour reprendre la citation que l'on entend dans le film extraite de la chanson "Vingt ans" de Léo FERRÉ. Errance nocturne décalée dans Paris d'un jeune homme qui ressemble à Leos CARAX comme un frère (normal, il s'appelle Denis LAVANT et a presque le même âge, 23 ans). Il faut dire qu'il a une conception toute personnelle de "la carte du tendre", dissimulant sous un cadre un tracé de la ville de Paris où sont localisés les faits saillants de sa vie en forme de parcours spatio-temporel depuis sa naissance: la bohème, l'art, l'amour et la mort y occupent une place privilégiée de même que la Seine et le Pont-Neuf. Mais il ne se passe pas grand-chose dans ce film quelque peu irréel où l'intérêt est ailleurs: dans la manière de jouer sur le sens des mots et des expressions. "Payer un café" est par exemple interprété au sens littéral comme le font les personnes atteintes de troubles du spectre autistique. "Peureux" y résonne comme "heureux". On y "caresse l'idée de caresser" et on préfère "revivre ses rêves" que les réaliser. On s'y espionne "comme un étranger, comme un corps étranger" tant il est vrai que l'ancrage parisien dissimule le fait de ne pas se sentir de ce monde "Essaye encore, terrien!" est le mantra qui scande la fin du film, braqué vers la lune et les étoiles, figurées au travers du clignotement d'un jeu de flipper ou bien dans l'émission pour enfants "Bonne nuit les petits" projetée à un parterre de bébés (et oui, l'association enfance et rêve spatial est présente dès ce film et on voit bien la filiation avec "Annette" (2021) de même qu'avec David BOWIE l'extra-terrestre au coeur d'une des séquences les plus mémorables de "Mauvais sang") (1986).

* "Le Signe du Lion" (1959), premier long-métrage de Éric ROHMER décrit l'errance dans un Paris brûlant et déserté en plein mois d'août d'un musicien américain privé de ressources. Même si les critiques considèrent que "Boy meets girl" est placé sous le signe de Jean-Luc GODARD, je le trouve personnellement très rohmérien parce que Rohmer est un cinéaste de l'errance (dommage que comme tant d'autres cinéastes, on lui ait collé une étiquette qui dissimule la richesse de ses films).

Voir les commentaires

Anomalisa

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Animation, #Comédie dramatique

Charlie Kaufman et Duke Johnson (2015)

Anomalisa

Ah là là mais que ce film est déprimant, froid et misogyne! Au moins dans "Lost in translation" (2004) qui possède une trame proche, la fraîcheur et l'énergie du personnage féminin joué par Scarlett JOHANSSON, la drôlerie et la tendresse désabusée du personnage masculin interprété par Billy MURRAY qui lorgnait du côté de Charles CHAPLIN équilibrait le récit, les rapports entre les personnages, apportait du piment. Mais "Anomalisa" baigne dans une tonalité monocorde, celle de la grisaille soulignée par la voix identique de tous les personnages à l'exception du héros, Michael Stone qui pourtant leur ressemble et de Lisa qui finit par leur ressembler. Cette convention-intention brouille bien plus le récit qu'elle ne le clarifie d'ailleurs car dans un premier temps, j'ai cru que Michael Stone aimait les trans. Ceci étant, ça aurait été original au moins. Mais Stone représente au contraire le mâle occidental bourgeois hétérosexuel en crise tout ce qu'il y a de plus plan-plan et Lisa est une cible idéale. Tous deux sont des êtres que la solitude accable et qui donc ont besoin de s'illusionner sur leur rencontre, rencontre balisée de bout en bout par la soumission de l'une qui semble passer son temps à s'excuser d'exister et le comportement de séducteur (très) fatigué du second qui prend et puis jette, une fois obtenu l'objet de son désir qui en perd alors tout intérêt. Inutile de dire que l'empathie pour des personnages aussi médiocres est limitée. Par ailleurs, le choix de raconter cette histoire somme toute d'une grande banalité en animation stop-motion me laisse perplexe. Je ne vois pas la plue-value qu'elle apporte. Il n'y a pas besoin de cette technique pour dépeindre un monde robotisé et uniformisé dans lequel un col blanc occidental riche et célèbre but so so unhappy cherche une aventure entre deux avions. Elle rend l'atmosphère encore plus cafardeuse et déshumanisée. C'est triste de voir que l'animation pour adulte doit pour trouver sa légitimité et son public singer les films live qui se prennent au sérieux: on y fait donc une gueule d'enterrement et on y baise le plus platement du monde alors que dans ce domaine, il y aurait tant de territoires à explorer. Et je ne pense pas tant au kamasutra en disant cela qu'à ce que l'imagination peut produire pendant l'acte. Pedro ALMODÓVAR en donne une petite idée dans "L'Amant qui rétrécit" (le film muet inséré dans "Parle avec elle") (2002) qui n'est pas un film d'animation mais qui utilise des trucages permettant de vivre cette expérience d'une autre façon qu'illustrative. Charlie KAUFMAN me déçoit beaucoup, il avait montré une toute autre envergure dans "Eternal sunshine of the spotless mind" (2004). Peut-être est-il davantage fait pour être scénariste que réalisateur.

Voir les commentaires

1 2 3 > >>