Des trois versions du roman d'Emily Brontë que j'ai vue, celle-ci est celle qui m'a le plus convaincue. Il faut dire que celle de William WYLER bien que de bonne facture était trop corsetée par le classicisme hollywoodien. Quant à celle de Peter KOSMINSKY, tout aussi propre sur elle, elle était franchement bancale. Difficile de faire passer à l'écran le bruit et la fureur du livre. D'ailleurs le dernier biopic consacré à l'autrice, "Emily" (2022) en dépit de quelques moments inspirés était d'un conformisme affligeant, contrairement au film de Andre TECHINE qui restituait l'univers âpre, austère dans lequel elle vivait et son caractère de sauvageonne (et puis Isabelle ADJANI était parfaite pour le rôle). L'adaptation de son roman par Andrea ARNOLD m'a séduit par sa radicalité et son ultra-sensorialité. On se croirait chez Jane CAMPION! Cette version taiseuse et atmosphérique qui colle à la peau de Heathcliff à la manière d'un Luc DARDENNE & Jean-Pierre DARDENNE ou d'un Jacques AUDIARD restitue la rudesse et la sauvagerie du roman à l'aide du langage de la nature. Que ce soit en plans larges ou au contraire, très serrés, le vent souffle dans la lande, la pluie s'abat en trombes, la boue colle aux vêtements, les insectes prolifèrent. Quant aux mammifères, ils subissent la violence de Heathcliff qui se venge sur eux de la maltraitance et de l'ostracisme qu'il se prend de plein fouet de la part du milieu puritain qui le rejette sans parvenir à se débarrasser de lui. Le fait d'avoir accentué son altérité en le dépeignant comme un ancien esclave métis s'avère éclairant sur les mécanismes de domination et de vengeance à l'oeuvre. Quant à Catherine, son déchirement entre sa nature indomptable (symbolisée par sa relation fusionnelle avec son âme soeur) et sa domestication à marche forcée éclaire tout autant sa mort prématurée: nul ne survit longtemps face à pareil dilemme intérieur. Onirique et puissant.
Encore un grand classique que je n'avais jamais vu et qui m'a permis de corriger un peu l'image très sombre que j'avais jusqu'ici du cinéma de Henri-Georges CLOUZOT. Le premier titre du film était d'ailleurs "Joyeux noël", non sans raison. Pourtant "Quai des orfèvres" est un film complexe qui circule (dans sa mise en scène comme dans son scénario) entre genres et milieux. C'est à la fois un polar, un film musical, un drame de la jalousie, un documentaire sur le music-hall et la PJ. Et les personnages sont du même tonneau, ils ont tous un double-fond qui leur permet d'échapper aux stéréotypes en leur donnant une profondeur attachante. Ainsi la "vamp" de music-hall jouée par Suzy DELAIR qui rend fou de jalousie son mari, joué par Bernard BLIER s'avère n'être qu'une façade pour le show et le papier glacé. "Jenny Lamour" s'appelle en réalité Marguerite Chauffournier, c'est nettement moins glamour! Et si la femme derrière l'image ne manque pas d'ambition et d'aplomb, n'hésitant pas à s'arranger avec la vérité, elle possède une innocence qui met tout cet édifice en péril. Tout comme son mari qui en se laissant happer par ses pulsions (ah cette casserole "hitchcockienne" qui déborde!!) se retrouve pris dans un engrenage cauchemardesque ayant pour moteur l'assassinat d'un producteur particulièrement libidineux (Charles DULLIN). Maurice Martineau ferait un coupable d'autant plus idéal qu'il a des intentions meurtrières, cependant le spectateur le sait d'emblée, c'est un faux coupable (encore un thème cher à Alfred HITCHCOCK) qui ment mal. Heureusement, à la 37° minute arrive l'homme de la situation qui va faire toute la lumière sur une affaire tout en clair-obscur (là on sent l'influence de Fritz LANG), alias l'inspecteur Antoine (l'impérial Louis JOUVET) avec son oeil de lynx. Je pensais que la double focale (une variante du split-screen où l'on perçoit nettement deux plans d'images dont l'une devrait être floue) était une invention du nouvel Hollywood et pourtant, ce film l'utilise à plusieurs reprises quand l'inspecteur est présent, invitant le spectateur à le percevoir comme "extra-lucide". Et l'inspecteur Antoine a un double féminin, la photographe Dora Monnier (Simone RENANT) qui veille dans l'ombre sur le couple. D'ailleurs celui-ci lui rend un hommage vibrant à la fin du film quand il lui dit qu'elle est "un type dans son genre", obtenant en retour un regard plein de reconnaissance. Comme lui, c'est une observatrice avisée de la "comédie humaine", comme lui c'est une solitaire et puis comme lui, elle n'est pas dans les clous: peu à peu, on devine son homosexualité tandis que lui élève un enfant métis ramené des colonies. Bien évidemment on devine que Antoine et Dora, tous deux photographes, l'une professionnelle et l'autre amateur sont des reflets du réalisateur.
Vu dans une version restaurée en noir et blanc, le résultat est si bluffant qu'on a l'impression que le film a été réalisé hier. Il existe aussi dans une version colorisée tout aussi saisissante. On voit des enfants munis d'épuisettes pêcher des crevettes dans un chenal sur une plage d'Angleterre sous l'oeil attentif de leurs parents. Comme une sorte de "Mort a Venise" (1971) documentaire, les enfants peuvent se mouvoir avec naturel, les filles portant leurs jupes relevées, les garçons, des shorts ou des pantalons courts et tous ou presque étant pieds et jambes nus, à l'inverse des parents, habillés de pied en cap. La diagonale choisie pour le cadre du tableau animé permet de voir au loin. C'est le chef opérateur de Louis LUMIERE, Alexandre PROMIO qui a réalisé le film. Une merveille.
Bien que le livre de David Grann, "La Note américaine" ne puisse pas totalement, faute d'archives, documenter la totalité des faits relatifs aux meurtres des Osage dans l'entre-deux-guerres parallèlement à la naissance du FBI, son enquête exhume un pan sordide du passé des USA. Rien que le choix de porter à l'écran un tel livre montre s'il en était encore besoin l'engagement de Martin SCORSESE d'écrire cinématographiquement une autre histoire de l'Amérique que celle, officielle des vainqueurs.
"Killers of the flower moon" est pourtant quelque peu différent d'autres grandes fresques de sa filmographie. Son traitement est classique, voire académique (mais certainement pas télévisuel comme j'ai pu le lire, rien que par sa durée, il n'entrerait pas dans la case du téléfilm!) et c'est à l'évidence un choix délibéré. Il faut donc chercher autre part les audaces stylistiques auxquelles le réalisateur nous a habituées, audaces mises au service de l'histoire. Encore que la petite musique ironique de la fin qui tourne en dérision le verdict du procès n'est pas sans rappeler la première bataille de "Gangs of New York" (2002) transformée en pugilat grotesque. Il y a d'abord le choix du personnage principal, Ernest Burkhart (Leonardo DiCAPRIO) qui est tout à fait atypique. L'acteur ne devait pas à l'origine incarner ce personnage mais plutôt l'enquêteur du FBI (un rôle purement fonctionnel) et il a bien fait de changer de rôle. Car cet Ernest est pour le moins dérangeant en tant que figure majeure du déni. Il incarne une Amérique que celle-ci ne veut pas voir et lui-même d'ailleurs refuse de se voir tel qu'il est et ce, jusqu'à la fin du film. Il se dépeint comme un américain type, bon mari et bon père dont les actions ont été guidées par le souci de protéger sa famille. Son pire aveuglement concerne sa femme qu'il croit sincèrement aimer alors que ses actes visent à la détruire, elle et sa famille. Car en réalité, il est guidé par sa cupidité et sa soumission à son oncle, William Hale (Robert De NIRO) qui est le cerveau du complot visant à éliminer les Osage pour prendre leurs richesses. Car le deuxième choix fort du film réside dans la centralité de ce personnage de grand manipulateur au sourire affable et dans la description du système mafieux et meurtrier qu'il a mis en place, rendu possible par l'écoeurante mise sous tutelle du peuple Osage, victime des préjugés racistes des dirigeants des USA. Si la justice fédérale n'en était qu'à ses balbutiements, en revanche pour envoyer des administrateurs gérer l'argent et les biens de ce peuple indien déplacé qui découvre que dans la réserve qu'on leur a attribuée l'or noir coule à flots, le gouvernement n'a pas perdu de temps. Comme dans "La Perle" de John Steinbeck, la richesse des Osage est en même temps une malédiction qui attire sur eux la convoitise et la haine dans un système dominé par les blancs et où les dés sont donc pipés dès le départ. Ceci étant, c'est parce qu'ils sont riches que les Osage peuvent tout de même agir jusqu'au sommet de l'Etat et qu'une enquête finit par voir le jour. Enquête qui révèle le plan diabolique de William Hale, comparable à celui de Mme de Villefort dans "Le Comte de Monte-Cristo" qui empoisonne un à un les membres de sa famille par alliance pour que l'héritage finisse entre les mains de son clan. Enfin, le troisième choix fort s'appelle Lily GLADSTONE. Le secret le mieux gardé du cinéma de Kelly REICHARDT a tapé dans l'oeil de Martin SCORSESE qui lui confie le rôle de Mollie, l'épouse d'Ernest qui voit mourir un par un les membres de sa famille avant d'être empoisonnée à petit feu. Le fait que les Oscar aient boudé le film et raté une occasion historique de couronner une actrice d'origine indigène est révélateur du déplaisir que celui-ci suscite et donc, que Martin SCORSESE a visé juste.
Une curiosité que cet "Alice au pays des merveilles" adapté pour la deuxième fois en version sonore (la première version muette connue date de 1903 et la première version parlante de 1931) par Norman Z. McLEOD, un habitué du cinéma surréaliste puisqu'il a réalisé deux films des Marx Brothers à l'époque où ils travaillaient pour la Paramount, "Monnaie de singe" (1931) et "Plumes de cheval" (1932). Cette version se distingue par son faste et son nombre élevé de stars au mètre carré, même si elles sont méconnaissables sous leur costume. La Paramount en avait fait un argument publicitaire avec un générique de trois minutes prenant la peine de montrer chacune d'elle avec le rôle correspondant qui s'est retourné contre elle car le film a été un échec. Les spectateurs n'ont pas apprécié de ne pouvoir reconnaître Gary COOPER, Cary GRANT ou encore W.C. FIELDS, même si on entend distinctement leur voix. Autre bémol, le film fusionne les deux livres de Lewis Carroll, "Alice au pays des merveilles" et "Alice de l'autre côté du miroir" ce qui encombre particulièrement le début de l'histoire. Enfin, le style du film qui se compose de petits tableaux juxtaposés les uns aux autres a vieilli. Mais il n'en reste pas moins qu'il est très fidèle à l'oeuvre d'origine et bénéficie d'un travail conséquent sur les décors, les costumes et les maquillages, travail qui a été une évidente source d'inspiration pour Walt DISNEY. Il contient d'ailleurs une séquence animée très réussie dans le style de l'époque, repris récemment dans le jeu vidéo "Cuphead".
Même si "Un Secret" est l'adaptation du livre autobiographique de Philippe Grimbert, il porte la signature de Claude MILLER. Le personnage principal de l'histoire, enfant et adolescent chétif est hanté par le fantôme d'un grand frère solaire, fort, athlétique, le double en miniature du père et de la mère. Un père obsédé par le sport, désireux d'effacer les traces de sa judéité en le faisant baptiser et en francisant leur nom mais qui échoue à sculpter le corps de son fils, refusant de l'accepter tel qu'il est comme le montrent les scènes du miroir opaque et piqueté dans lequel François se regarde. Face au climat pesant dans sa famille où règnent les non-dits, il se réfugie chez la bienveillante Louise (Julie DEPARDIEU) qui rappelle tant Léone dans "L'Effrontee" (1985), laquelle est, cela ne s'invente pas, kinésithérapeute. C'est Louise qui finit d'ailleurs par lui révéler le secret, que dans son inconscient, il avait bien entendu deviné. On remarque alors que bien avant la guerre, la famille de François se divisait déjà en deux camps: celui de Maxime (Patrick BRUEL) et de Tania (Cecile de FRANCE), tous deux sportifs, faisant tout leur possible pour dissimuler leur véritable identité, Tania ayant en prime l'apparence de la parfaite athlète aryenne, blonde aux yeux bleus, sculpturale et championne de natation. De l'autre, celui de Hannah sa première femme (Ludivine SAGNIER) et de ses parents, fiers au contraire d'exhiber leur judéité et qui disparaissent dans le gouffre de l'histoire, emportant avec eux l'enfant fantasmé par Maxime. François, l'enfant réel agit comme un "retour du refoulé", l'identité maudite resurgissant brusquement à la surface. Les films de Claude MILLER sont remplis de métaphores aquatiques et l'identité secrète fait penser à son premier film "La Meilleure facon de marcher" (1976). Même si j'ai trouvé "Un Secret" inégal (le triangle amoureux est dépeint d'une manière assez convenue et le choix du noir et blanc pour le présent, assez arbitraire), c'est à l'image d'autres films de Claude MILLER une oeuvre sensible et délicate sur l'enfance et d'ailleurs devenu adulte, on découvre que François (alias Philippe Grimbert) s'occupe d'enfants autistes qu'il tente d'aider à sortir de leur propre enfermement.
On dit que la vérité sort toujours de la bouche des enfants... mais parfois bien cruellement. Parce que la petite bourgade puritaine dépeinte dans "La Rumeur" fait penser à celle de "Tout ce que le ciel permet". Aucun "écart" à la norme n'est toléré, et le mensonge accouche d'une douloureuse vérité. Le film de William Wyler s'inscrit lui-même dans un contexte compliqué. La censure du code Hays s'était suffisamment relâchée au début des années 60 pour qu'il puisse adapter de nouveau la pièce de Lillian Hellman après une première tentative en 1936, cette fois en respectant son intrigue mais pas assez pour que le mot "homosexualité" soit prononcé. Si bien que "la chose dont on ne doit pas prononcer le nom"* est murmurée à l'oreille ou bien derrière une porte derrière laquelle rien ne peut s'entendre. Si la rumeur est colportée par une petite peste manipulatrice, celle-ci n'est que le reflet du monde vicié dans lequel elle grandit. Les enfants ont des antennes et Mary est du genre à écouter aux portes. Wyler a sans doute voulu malmener l'image de l'enfant angélique du cinéma hollywoodien pour casser le miroir dans lequel il aime se regarder. Mary est mauvaise parce que remplie du mal-être qui gangrène son environnement, tout comme sa camarade Rosalie qui exprime son trouble par la kleptomanie, moyen d'emprise qu'utilise Mary pour souffler sur les braises. La rumeur prend d'autant mieux qu'avant même qu'elle se propage, de petits riens laissaient déjà entrevoir ce fameux "écart à la norme" à propos de Karen et Martha, les deux fondatrices d'une école privée ultra-select pour jeunes filles de bonne famille. Le manque d'empressement à épouser le médecin Joe Cardin pour Karen, la jalousie manifeste de Martha à l'égard de ce dernier, une fausse note à la fin d'un concert, des chamailleries entre pensionnaires en coulisse, les allusions de la tante de Martha (Miriam Hopkins) sont autant de signes évidents que quelque chose est en train de se gripper au royaume des bonnes moeurs. Bonnes moeurs selon lesquelles des femmes menant leur barque sans un homme à leur côté sont toujours quelque peu suspectes, sauf quand il s'agit de bonnes soeurs ou de vieilles filles. La facilité avec laquelle les parents se laissent convaincre d'une relation "contre-nature" entre les deux femmes laisse à penser qu'ils en étaient déjà inconsciemment convaincus. Karen et Martha passent en un clin d'oeil du statut de directrices modèle à celui de lesbiennes corruptrices de jeunes enfants avec un amalgame implicite entre homosexualité et pédocriminalité. Non seulement elles perdent leur travail, mais elles sont tellement ostracisées qu'elles ne peuvent plus sortir de chez elles et Karen perd son fiancé qui ne lui fait pas assez confiance pour rester avec elle contre vents et marées. Si William Wyler a voulu montrer dans le film les ravages qu'un mensonge peut provoquer dans la vie des personnes qui en sont les victimes, il montre aussi le visage hideux d'une certaine Amérique grégaire et bien-pensante prête à lyncher tous ceux qui ne reflètent pas son narcissisme pur et parfait. L'ombre de la chasse aux sorcières plane sur le film alors que les deux jeunes femmes sont accusées et condamnées par la communauté mais aussi par le système judiciaire. Dans un contexte aussi répressif socialement, judiciairement, moralement, une relation homosexuelle ne peut pas exister, elle est refoulée, impensée. Et lorsque Martha finit par réaliser que le mensonge recèle une part de vérité, à savoir qu'elle aime Karen ce qu'elle finit par lui avouer, elle se punit de son coming-out de la pire des manières, enfonçant le dernier clou dans le cercueil de leur tragédie commune. A la tragédie du mensonge se superpose donc celle de la vérité, un déplacement qui rend le film bien plus complexe qu'il n'y paraît. Si la prestation de Audrey Hepburn est tout en retenue, son trouble étant simplement suggéré sans que rien de son intériorité ne soit dévoilé, celle de Shirley Mac Laine est absolument remarquable, particulièrement la détresse qu'elle manifeste lorsqu'elle découvre sa véritable identité dans un monde qui ne l'accepte pas.
* Rappelons que la même année sortait au Royaume-Uni "Victim" de Basil Dearden où le mot "homosexualité" était prononcé pour la première fois.
Ce film qui sonne comme un slogan anarchiste ("Ni Dieu, ni maître") tient chaud. Il raconte comment un cabaret perdu au fond de l'Estaque devient le refuge d'une famille d'élection. Ce n'est pas exactement "Bagdad cafe" (1987) " mais il y a de cet esprit-là. La petite communauté qui se constitue sous l'égide du "Perroquet bleu" se compose de trois chômeurs de longue durée (Gerard MEYLAN, Jean-Pierre DARROUSSIN et Jacques GAMBLIN), d'une vieille strip-teaseuse qui a décidé de raccrocher les gants (Pascale ROBERTS), d'une boniche (Ariane ASCARIDE) convoitée par son patron (Alain LENGLET), d'un pré-adolescent orphelin et SDF (Farid Ziane), d'une jeune toxicomane (Laetitia PESENTI), d'un ancien légionnaire allemand (Jacques PIEILLER) et enfin de Papa Carlossa (Jacques BOUDET), un réfugié espagnol cloué sur un fauteuil roulant. Le film oscille entre deux des maîtres de Robert GUEDIGUIAN, Ken LOACH pour la défense des classes populaires et Frank CAPRA pour la fable humaniste. "Vous ne l'emporterez pas avec vous" (1938) aurait également pu être un autre titre du film, la description d'une communauté de "petites gens" soudés autour des mêmes valeurs de camaraderie et de solidarité. Celle-ci se constitue au gré des déboires des uns et des autres: Otto qui repêche Jaco tombé à la rue; José qui adopte Farid; Farid qui aime Vénus d'un amour innocent parce qu'il a encore un visage d'enfant; Papa Carlossa recueilli par Marie-Sol et Patrick avant que tous trois ne soient chassés de leur maison par la construction d'une piscine etc. Mais tout ce petit monde de marginaux utopistes n'est-il pas périmé sur les bords? La grossesse de Marie-Sol fait bien plus que fédérer le groupe et donner à chacun un rôle à jouer, elle leur donne un horizon comme le montre la dernière scène. Et j'aime beaucoup aussi celle où père et fille, passé et avenir sont réunis dans le même plan pendant que le reste de la famille chante "Ay Carmela", le chant résistant de l'Espagne antifranquiste.
"La veuve Couderc" est un film très réussi. Il possède de nombreuses qualités. N'ayant pas lu l'oeuvre originale de Simenon, je ne peux juger que d'après le film. Celui-ci est une fine étude de moeurs du monde paysan des années 30 qui ne semble pas avoir beaucoup évolué depuis "La Terre" de Emile Zola. Une famille déchirée (au sens propre avec cette écluse qui passe entre les deux maisons ennemies) par une sordide histoire d'héritage. Mais aussi les regards lourds, insistants, méprisants des bonnes femmes du village sur la "veuve Couderc", "femme de mauvaise vie" qui après avoir subi en tant que servante les viols de son patron et du fils de celui-ci a renversé le rapport de forces en épousant le second dont elle est veuve et rendant le premier dépendant de ses "services". Et ce, au grand dam de sa belle-soeur (Monique CHAUMETTE) et de son mari (Boby LAPOINTE) qui se sont lancés dans une guerre d'usure pour chasser l'intruse de la maison où elle réside en face de la leur. C'est dans ce cadre délétère renforcé encore par le contexte historique de l'année 1934 (l'affaire Stavisky ternissant la République et la montée en puissance de l'extrême-droite symbolisée par des ligues nationalistes comme les croix de feu) que Pierre GRANIER-DEFERRE réussit à placer quelques belles respirations poétiques. Des péniches qui traversent silencieusement le canal comme autant d'appels vers le large, vers la liberté. Et la rencontre entre la veuve Couderc et Jean le repris de justice, entre Simone SIGNORET et Alain DELON. Parce qu'il est évident qu'entre ces deux monstres sacrés, le courant est passé. Une compréhension mutuelle entre ces deux personnages de parias qui se nourrit d'une tendresse évidente, palpable entre les deux acteurs. C'est sans doute cela qui a conduit Pierre GRANIER-DEFERRE à préserver cette complicité jusqu'au bout du récit, quitte à en changer l'issue. Il n'est pas fréquent de voir Alain DELON exprimer autant d'émotions à l'écran. La romance scandaleuse qui se noue entre les deux personnages à la différence d'âge marquée est un bras d'honneur à la société de dégénérés qui les entourent, symbolisée notamment par Félicie (Ottavia PICCOLO) qui semble avoir deux ans d'âge mental mais aussi par la montée en puissance du fascisme avec une fin qui a un petit côté "Bonnie et Clyde" (1967) avant l'heure.
"L'histoire écrite par les vainqueurs", cela vaut aussi pour les femmes, tombées dans les oubliettes de l'histoire du cinéma hollywoodien dès que celui-ci commença à transmettre par écrit la légende de son premier âge d'or autour des années 30-40. Sauf qu'il y avait eu déjà un premier âge d'or au sein des studios californiens dans les années 10 et 20. Il tenait dans un carton d'archives de la cérémonie des Oscars de ces années là. O surprise: des photos de femmes à tous les postes: réalisatrices, scénaristes, monteuses, productrices, directrices de studios. Des photos sans nom, des visages oubliés, quel que soit leur succès et leur reconnaissance de leur vivant comme Frances MARION, autrice de 300 scénarios dont beaucoup pour Mary PICKFORD et titulaire de deux Oscars ou encore Lois WEBER, à la tête du premier studio portant son nom.
La raison de cette concentration féminine dans les premières années d'existence du cinéma est très simple à comprendre. Il s'agissait alors d'une forme de divertissement expérimental auquel n'était attaché ni prestige social, ni fortune. Il était donc méprisé par les hommes et investi par les femmes. Dès que le cinéma devint un business dans l'entre-deux-guerres, surtout avec l'arrivée du parlant, les hommes prirent les commandes et renvoyèrent les femmes dans l'ombre, sauf en tant qu'actrices, seul domaine où elles pouvaient encore exercer un pouvoir leur permettant rarement d'atteindre d'autres fonctions. Le rôle des syndicats corporatistes dans cette mutation est souligné car les femmes en étaient exclues. Conséquence, alors qu'il existait une centaine de réalisatrices avant 1930, il n'y en avait plus que deux après cette date, Dorothy ARZNER et Ida LUPINO. Quant aux pionnières, elles tombèrent dans l'oubli, les soeurs Kuperberg soulignant que durant leurs études de cinéma, elles n'en avait jamais entendu parler. La transmission sélective de l'histoire de cet art comme celui des autres d'ailleurs fait que l'on met Charles CHAPLIN dans la lumière en laissant Mabel NORMAND qui l'a pourtant dirigé dans l'ombre. Et il en va de même bien entendu pour Georges MELIES et Alice GUY. Non seulement le film rend à cette pionnière du cinéma la primauté du premier film narratif de l'histoire du cinéma mais également du premier film sonore, dès 1906. Quant à Mae WEST, le film rappelle qu'elle scénarisait ses films et qu'elle avait casté pour le rôle masculin de l'un d'entre eux un parfait inconnu qui n'allait pas le rester longtemps, Cary GRANT.
Il faut quand même souligner que depuis 10 ans et la sortie du film, la situation a tout de même évolué, tant en ce qui concerne la place des femmes dans le cinéma hollywoodien de nos jours que dans la transmission de leur héritage, même s'il reste du chemin à parcourir. Aux côtés de Kathryn BIGELOW, il y a maintenant Chloe ZHAO et Jane CAMPION (la pionnière des prix!) sans parler du prix du scénario remis à Justine TRIET alors que les pionnières sortent de l'ombre, une à une.
"Etre critique, ce n'est pas donner son avis, c'est se construire comme sujet travers les films que l'on voit" (Emmanuel Burdeau)
"La cinéphilie est moins un rapport au cinéma qu'un rapport au monde à travers le cinéma" (Serge Daney)
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