Même si "Un Secret" est l'adaptation du livre autobiographique de Philippe Grimbert, il porte la signature de Claude MILLER. Le personnage principal de l'histoire, enfant et adolescent chétif est hanté par le fantôme d'un grand frère solaire, fort, athlétique, le double en miniature du père et de la mère. Un père obsédé par le sport, désireux d'effacer les traces de sa judéité en le faisant baptiser et en francisant leur nom mais qui échoue à sculpter le corps de son fils, refusant de l'accepter tel qu'il est comme le montrent les scènes du miroir opaque et piqueté dans lequel François se regarde. Face au climat pesant dans sa famille où règnent les non-dits, il se réfugie chez la bienveillante Louise (Julie DEPARDIEU) qui rappelle tant Léone dans "L'Effrontee" (1985), laquelle est, cela ne s'invente pas, kinésithérapeute. C'est Louise qui finit d'ailleurs par lui révéler le secret, que dans son inconscient, il avait bien entendu deviné. On remarque alors que bien avant la guerre, la famille de François se divisait déjà en deux camps: celui de Maxime (Patrick BRUEL) et de Tania (Cecile de FRANCE), tous deux sportifs, faisant tout leur possible pour dissimuler leur véritable identité, Tania ayant en prime l'apparence de la parfaite athlète aryenne, blonde aux yeux bleus, sculpturale et championne de natation. De l'autre, celui de Hannah sa première femme (Ludivine SAGNIER) et de ses parents, fiers au contraire d'exhiber leur judéité et qui disparaissent dans le gouffre de l'histoire, emportant avec eux l'enfant fantasmé par Maxime. François, l'enfant réel agit comme un "retour du refoulé", l'identité maudite resurgissant brusquement à la surface. Les films de Claude MILLER sont remplis de métaphores aquatiques et l'identité secrète fait penser à son premier film "La Meilleure facon de marcher" (1976). Même si j'ai trouvé "Un Secret" inégal (le triangle amoureux est dépeint d'une manière assez convenue et le choix du noir et blanc pour le présent, assez arbitraire), c'est à l'image d'autres films de Claude MILLER une oeuvre sensible et délicate sur l'enfance et d'ailleurs devenu adulte, on découvre que François (alias Philippe Grimbert) s'occupe d'enfants autistes qu'il tente d'aider à sortir de leur propre enfermement.
On dit que la vérité sort toujours de la bouche des enfants... mais parfois bien cruellement. Parce que la petite bourgade puritaine dépeinte dans "La Rumeur" fait penser à celle de "Tout ce que le ciel permet". Aucun "écart" à la norme n'est toléré, et le mensonge accouche d'une douloureuse vérité. Le film de William Wyler s'inscrit lui-même dans un contexte compliqué. La censure du code Hays s'était suffisamment relâchée au début des années 60 pour qu'il puisse adapter de nouveau la pièce de Lillian Hellman après une première tentative en 1936, cette fois en respectant son intrigue mais pas assez pour que le mot "homosexualité" soit prononcé. Si bien que "la chose dont on ne doit pas prononcer le nom"* est murmurée à l'oreille ou bien derrière une porte derrière laquelle rien ne peut s'entendre. Si la rumeur est colportée par une petite peste manipulatrice, celle-ci n'est que le reflet du monde vicié dans lequel elle grandit. Les enfants ont des antennes et Mary est du genre à écouter aux portes. Wyler a sans doute voulu malmener l'image de l'enfant angélique du cinéma hollywoodien pour casser le miroir dans lequel il aime se regarder. Mary est mauvaise parce que remplie du mal-être qui gangrène son environnement, tout comme sa camarade Rosalie qui exprime son trouble par la kleptomanie, moyen d'emprise qu'utilise Mary pour souffler sur les braises. La rumeur prend d'autant mieux qu'avant même qu'elle se propage, de petits riens laissaient déjà entrevoir ce fameux "écart à la norme" à propos de Karen et Martha, les deux fondatrices d'une école privée ultra-select pour jeunes filles de bonne famille. Le manque d'empressement à épouser le médecin Joe Cardin pour Karen, la jalousie manifeste de Martha à l'égard de ce dernier, une fausse note à la fin d'un concert, des chamailleries entre pensionnaires en coulisse, les allusions de la tante de Martha (Miriam Hopkins) sont autant de signes évidents que quelque chose est en train de se gripper au royaume des bonnes moeurs. Bonnes moeurs selon lesquelles des femmes menant leur barque sans un homme à leur côté sont toujours quelque peu suspectes, sauf quand il s'agit de bonnes soeurs ou de vieilles filles. La facilité avec laquelle les parents se laissent convaincre d'une relation "contre-nature" entre les deux femmes laisse à penser qu'ils en étaient déjà inconsciemment convaincus. Karen et Martha passent en un clin d'oeil du statut de directrices modèle à celui de lesbiennes corruptrices de jeunes enfants avec un amalgame implicite entre homosexualité et pédocriminalité. Non seulement elles perdent leur travail, mais elles sont tellement ostracisées qu'elles ne peuvent plus sortir de chez elles et Karen perd son fiancé qui ne lui fait pas assez confiance pour rester avec elle contre vents et marées. Si William Wyler a voulu montrer dans le film les ravages qu'un mensonge peut provoquer dans la vie des personnes qui en sont les victimes, il montre aussi le visage hideux d'une certaine Amérique grégaire et bien-pensante prête à lyncher tous ceux qui ne reflètent pas son narcissisme pur et parfait. L'ombre de la chasse aux sorcières plane sur le film alors que les deux jeunes femmes sont accusées et condamnées par la communauté mais aussi par le système judiciaire. Dans un contexte aussi répressif socialement, judiciairement, moralement, une relation homosexuelle ne peut pas exister, elle est refoulée, impensée. Et lorsque Martha finit par réaliser que le mensonge recèle une part de vérité, à savoir qu'elle aime Karen ce qu'elle finit par lui avouer, elle se punit de son coming-out de la pire des manières, enfonçant le dernier clou dans le cercueil de leur tragédie commune. A la tragédie du mensonge se superpose donc celle de la vérité, un déplacement qui rend le film bien plus complexe qu'il n'y paraît. Si la prestation de Audrey Hepburn est tout en retenue, son trouble étant simplement suggéré sans que rien de son intériorité ne soit dévoilé, celle de Shirley Mac Laine est absolument remarquable, particulièrement la détresse qu'elle manifeste lorsqu'elle découvre sa véritable identité dans un monde qui ne l'accepte pas.
* Rappelons que la même année sortait au Royaume-Uni "Victim" de Basil Dearden où le mot "homosexualité" était prononcé pour la première fois.
Ce film qui sonne comme un slogan anarchiste ("Ni Dieu, ni maître") tient chaud. Il raconte comment un cabaret perdu au fond de l'Estaque devient le refuge d'une famille d'élection. Ce n'est pas exactement "Bagdad cafe" (1987) " mais il y a de cet esprit-là. La petite communauté qui se constitue sous l'égide du "Perroquet bleu" se compose de trois chômeurs de longue durée (Gerard MEYLAN, Jean-Pierre DARROUSSIN et Jacques GAMBLIN), d'une vieille strip-teaseuse qui a décidé de raccrocher les gants (Pascale ROBERTS), d'une boniche (Ariane ASCARIDE) convoitée par son patron (Alain LENGLET), d'un pré-adolescent orphelin et SDF (Farid Ziane), d'une jeune toxicomane (Laetitia PESENTI), d'un ancien légionnaire allemand (Jacques PIEILLER) et enfin de Papa Carlossa (Jacques BOUDET), un réfugié espagnol cloué sur un fauteuil roulant. Le film oscille entre deux des maîtres de Robert GUEDIGUIAN, Ken LOACH pour la défense des classes populaires et Frank CAPRA pour la fable humaniste. "Vous ne l'emporterez pas avec vous" (1938) aurait également pu être un autre titre du film, la description d'une communauté de "petites gens" soudés autour des mêmes valeurs de camaraderie et de solidarité. Celle-ci se constitue au gré des déboires des uns et des autres: Otto qui repêche Jaco tombé à la rue; José qui adopte Farid; Farid qui aime Vénus d'un amour innocent parce qu'il a encore un visage d'enfant; Papa Carlossa recueilli par Marie-Sol et Patrick avant que tous trois ne soient chassés de leur maison par la construction d'une piscine etc. Mais tout ce petit monde de marginaux utopistes n'est-il pas périmé sur les bords? La grossesse de Marie-Sol fait bien plus que fédérer le groupe et donner à chacun un rôle à jouer, elle leur donne un horizon comme le montre la dernière scène. Et j'aime beaucoup aussi celle où père et fille, passé et avenir sont réunis dans le même plan pendant que le reste de la famille chante "Ay Carmela", le chant résistant de l'Espagne antifranquiste.
"La veuve Couderc" est un film très réussi. Il possède de nombreuses qualités. N'ayant pas lu l'oeuvre originale de Simenon, je ne peux juger que d'après le film. Celui-ci est une fine étude de moeurs du monde paysan des années 30 qui ne semble pas avoir beaucoup évolué depuis "La Terre" de Emile Zola. Une famille déchirée (au sens propre avec cette écluse qui passe entre les deux maisons ennemies) par une sordide histoire d'héritage. Mais aussi les regards lourds, insistants, méprisants des bonnes femmes du village sur la "veuve Couderc", "femme de mauvaise vie" qui après avoir subi en tant que servante les viols de son patron et du fils de celui-ci a renversé le rapport de forces en épousant le second dont elle est veuve et rendant le premier dépendant de ses "services". Et ce, au grand dam de sa belle-soeur (Monique CHAUMETTE) et de son mari (Boby LAPOINTE) qui se sont lancés dans une guerre d'usure pour chasser l'intruse de la maison où elle réside en face de la leur. C'est dans ce cadre délétère renforcé encore par le contexte historique de l'année 1934 (l'affaire Stavisky ternissant la République et la montée en puissance de l'extrême-droite symbolisée par des ligues nationalistes comme les croix de feu) que Pierre GRANIER-DEFERRE réussit à placer quelques belles respirations poétiques. Des péniches qui traversent silencieusement le canal comme autant d'appels vers le large, vers la liberté. Et la rencontre entre la veuve Couderc et Jean le repris de justice, entre Simone SIGNORET et Alain DELON. Parce qu'il est évident qu'entre ces deux monstres sacrés, le courant est passé. Une compréhension mutuelle entre ces deux personnages de parias qui se nourrit d'une tendresse évidente, palpable entre les deux acteurs. C'est sans doute cela qui a conduit Pierre GRANIER-DEFERRE à préserver cette complicité jusqu'au bout du récit, quitte à en changer l'issue. Il n'est pas fréquent de voir Alain DELON exprimer autant d'émotions à l'écran. La romance scandaleuse qui se noue entre les deux personnages à la différence d'âge marquée est un bras d'honneur à la société de dégénérés qui les entourent, symbolisée notamment par Félicie (Ottavia PICCOLO) qui semble avoir deux ans d'âge mental mais aussi par la montée en puissance du fascisme avec une fin qui a un petit côté "Bonnie et Clyde" (1967) avant l'heure.
"L'histoire écrite par les vainqueurs", cela vaut aussi pour les femmes, tombées dans les oubliettes de l'histoire du cinéma hollywoodien dès que celui-ci commença à transmettre par écrit la légende de son premier âge d'or autour des années 30-40. Sauf qu'il y avait eu déjà un premier âge d'or au sein des studios californiens dans les années 10 et 20. Il tenait dans un carton d'archives de la cérémonie des Oscars de ces années là. O surprise: des photos de femmes à tous les postes: réalisatrices, scénaristes, monteuses, productrices, directrices de studios. Des photos sans nom, des visages oubliés, quel que soit leur succès et leur reconnaissance de leur vivant comme Frances MARION, autrice de 300 scénarios dont beaucoup pour Mary PICKFORD et titulaire de deux Oscars ou encore Lois WEBER, à la tête du premier studio portant son nom.
La raison de cette concentration féminine dans les premières années d'existence du cinéma est très simple à comprendre. Il s'agissait alors d'une forme de divertissement expérimental auquel n'était attaché ni prestige social, ni fortune. Il était donc méprisé par les hommes et investi par les femmes. Dès que le cinéma devint un business dans l'entre-deux-guerres, surtout avec l'arrivée du parlant, les hommes prirent les commandes et renvoyèrent les femmes dans l'ombre, sauf en tant qu'actrices, seul domaine où elles pouvaient encore exercer un pouvoir leur permettant rarement d'atteindre d'autres fonctions. Le rôle des syndicats corporatistes dans cette mutation est souligné car les femmes en étaient exclues. Conséquence, alors qu'il existait une centaine de réalisatrices avant 1930, il n'y en avait plus que deux après cette date, Dorothy ARZNER et Ida LUPINO. Quant aux pionnières, elles tombèrent dans l'oubli, les soeurs Kuperberg soulignant que durant leurs études de cinéma, elles n'en avait jamais entendu parler. La transmission sélective de l'histoire de cet art comme celui des autres d'ailleurs fait que l'on met Charles CHAPLIN dans la lumière en laissant Mabel NORMAND qui l'a pourtant dirigé dans l'ombre. Et il en va de même bien entendu pour Georges MELIES et Alice GUY. Non seulement le film rend à cette pionnière du cinéma la primauté du premier film narratif de l'histoire du cinéma mais également du premier film sonore, dès 1906. Quant à Mae WEST, le film rappelle qu'elle scénarisait ses films et qu'elle avait casté pour le rôle masculin de l'un d'entre eux un parfait inconnu qui n'allait pas le rester longtemps, Cary GRANT.
Il faut quand même souligner que depuis 10 ans et la sortie du film, la situation a tout de même évolué, tant en ce qui concerne la place des femmes dans le cinéma hollywoodien de nos jours que dans la transmission de leur héritage, même s'il reste du chemin à parcourir. Aux côtés de Kathryn BIGELOW, il y a maintenant Chloe ZHAO et Jane CAMPION (la pionnière des prix!) sans parler du prix du scénario remis à Justine TRIET alors que les pionnières sortent de l'ombre, une à une.
"Amal, un esprit libre" est enfin un film scolaire à la hauteur des enjeux, un film engagé et courageux qui ne prend pas de gants et va jusqu'au bout de la logique délétère de la radicalisation islamiste, à la manière d'un Yves BOISSET (fin comprise). Un sujet inflammable instrumentalisé par les logiques partisanes auquel n'échappe pas le film, pris dans des polémiques qui obscurcissent son propos alors qu'il est relativement peu distribué en France. Cette frilosité s'apparente au "pas de vagues" qui a longtemps sévi à l'éducation nationale avant que les assassinats de Samuel Paty et Dominique Bernard ne révèlent une réalité dépassant la fiction.
"Amal, un esprit libre" qui comme les autres films récents sur le sujet repose sur une spirale de violence sous les regards apeurés de la communauté éducative (trop simplifiée, une fois de plus) m'a fait quelque peu penser à "Vol au-dessus d'un nid de coucou" (1975). Il dépeint en effet une lutte d'influence entre l'obscurantisme et les lumières au sein d'une micro-société, métaphore de la société dans son ensemble. La micro-société dépeinte n'est pas seulement la salle de classe ni même seulement l'école, c'est un quartier de Bruxelles à forte composante musulmane. Le prof de religion (matière obligatoire en Belgique qui ne le sera plus à la rentrée 2024), converti de fraîche date au salafisme est un as de la tartufferie, un véritable Janus qui présente bien pour mieux assoir son pouvoir dans l'ombre. Face à lui, une passionaria de la défense des libertés, Amal, musulmane mais laïque. Pour défendre une élève harcelée par ses camarades pour son apparence puis son orientation sexuelle, elle se lance dans une contre-offensive maladroite en leur faisant lire les poèmes d'un écrivain musulman bisexuel. L'enfer est pavé de bonnes intentions et elle met ainsi le doigt dans un engrenage infernal. Même si on peut juger que le propos manque de nuances, on ne peut qu'être touché par le feu intérieur qui consume Amal, interprété avec fougue par Lubna AZABAL. Porte-parole du réalisateur, lui-même belgo-marocain, elle fait ressentir ce qu'a d'insupportable la pression islamiste exercée sur les musulmans modérés ou laïcs ainsi que le fait d'être amalgamé à eux, le reste de la société préférant détourner les yeux et les abandonner à leur sort. "Amal, un esprit libre" est le cri d'un homme en colère et cette sincérité fait du bien.
"La Loi de Téhéran", grosse claque cinématographique de 2021 méritait bien un making-of retraçant sa genèse. Et de fait, le documentaire de Pierre-Olivier FRANCOIS qui s'inscrit dans la collection "Un film et son époque" est particulièrement fouillé. Il faut dire que la conseillère artistique du film est Asal Bagheri, enseignante-chercheuse et spécialiste du cinéma iranien dont j'ai pu apprécier la qualité des interventions lors d'une conférence consacrée à la censure dans le cinéma iranien. Elle intervient à plusieurs reprises dans le documentaire, tout comme Saeed ROUSTAEE, Payman MAADI et d'autres membres de l'équipe du film. Le documentaire, qui rappelle l'importance du cinéma en Iran, y compris depuis la révolution islamique de 1979 souligne la singularité de "La Loi de Téhéran" au sein de la production cinématographique nationale. En effet, à l'inverse du film d'auteur intimiste d'un Abbas KIAROSTAMI ou Asghar FARHADI fait pour concourir à Cannes, "La Loi de Téhéran" s'apparente à un blockbuster et reprend nombre de codes du cinéma américain grand public. Il a d'ailleurs été adoubé par William FRIEDKIN comme une sorte de "French Connection" (1971) iranien. C'est sans doute l'une des clés de son succès international. Mais il fait également un triomphe en Iran, de par son traitement réaliste et humain du fléau de la drogue gangrenant la société des Mollahs. Le documentaire fait d'ailleurs le point sur l'importance du trafic et de la consommation dans le pays qui partage une frontière avec l'Afghanistan, principal producteur mondial d'opium et d'héroïne. Le film dans lequel ont tourné de véritables drogués fait la lumière sur un phénomène ne cessant de prendre de l'ampleur en dépit de la répression du régime qui condamne à mort trafiquants et consommateurs en possession de plus de 30 grammes de drogue. C'est pourquoi le flic intègre joué par Payman MAADI ne peut tirer aucune gloire de ses succès. Quant au trafiquant, joué par Navid MOHAMMADZADEH qui a connu avec ce film une notoriété internationale méritée, il accède à une profondeur qui en fait un authentique personnage tragique.
"Gangs of New York" est un grand film, traversé par des fulgurances de mise en scène comme on n'en voit pas si souvent. C'est le "Naissance d'une nation" de Martin SCORSESE qui offre un contrechamp à la vision sudiste et raciste que donnait D.W. GRIFFITH de la guerre de Sécession et qui complète celle qu'en donne les westerns. D'ailleurs le film a été qualifié, non sans raison de western urbain. Même si l'histoire de vengeance racontée dans le film est très classique dans son déroulement, elle s'inscrit toujours dans une histoire qui la dépasse et c'est cette profondeur de champ qui est passionnante. Ainsi la guerre de territoire entre les gangs qui ouvre et ferme le film recouvre des visions opposées de l'Amérique en train de se construire. Celle-ci est dominée par les autoproclamés "native americans" ce qui est une imposture car les seuls véritables autochtones sont les indiens, absents du film. Par "native", il faut comprendre WASP (white anglo-saxons protestants), les descendants des premiers migrants arrivés sur le sol des USA au XVII° siècle avec le Mayflower et qui constituent encore aujourd'hui l'élite des USA. Ces élites, on les voit bien dans le film à travers la famille Schermerhorn qui vit sur la cinquième avenue ou encore William "Boss" Tweed (Jim BROADBENT), un homme politique influent et corrompu. Dans le contexte de la guerre de Sécession qui est aussi une guerre de civilisation entre le Nord urbain et industriel et le Sud rural agricole et esclavagiste, ces élites recrutent à tour de bras de la chair à canon venue d'Europe. Dans un plan-séquence virtuose génial qui rappelle combien il vénère le cinéma muet et en maîtrise le langage, Martin SCORSESE montre les migrants sortir du bateau pour remonter aussitôt dans un autre après avoir revêtu l'uniforme de l'Union avant qu'une grue ne descende les cercueils innombrables de ceux qui sont tombés au champ d'honneur.
Mais les WASP ont aussi leur lot de laissés-pour-compte, "petits blancs" pauvres qui n'ont que leurs origines pour se valoriser au détriment des autres vivant avec eux dans la fange des bas quartiers de Manhattan*. On comprend mieux le terme "natif" et la haine pugnace que Bill le Boucher (Daniel DAY-LEWIS) et les siens vouent aux migrants de fraîche date et aux non-WASP, tout particulièrement les irlandais qualifiés de "mangeurs de pommes de terre" (comme les "macaronis" italiens chez nous à la même époque). C'est parmi eux que se dresse le gang rival, celui des "Dead Rabbits" dont le chef est le père Vallon (Liam NEESON) que son fils Amsterdam (Leonardo DiCAPRIO) a décidé de venger en s'attaquant à son meurtrier, Bill le boucher devenu un puissant roi de la pègre qui a ses entrées chez les flics et les politiciens, le Boss Tweed en tête.
Martin SCORSESE dresse ainsi un tableau éloquent des fractures ethniques et sociales qui ont servi de fondation à une nation qui s'est érigée dans la violence. En effet les solutions pacifiques sont systématiquement torpillées au profit d'affrontement meurtriers entre gangs rivaux et d'émeutes violemment réprimées des pauvres contre les riches face à l'iniquité de la conscription, émeutes également à caractère raciste, les petits blancs utilisant les noirs comme boucs-émissaires. Les cinq plans finaux, absolument magistraux décrivent l'effacement progressif des traces de ce passé sauvage et sanglant au premier plan pendant que Manhattan revêt peu à peu au second plan son visage contemporain de forêt de buildings de verre et d'acier.
* Ce sont leurs descendants qui votent aujourd'hui Trump.
Je ne sais pas si c'est intentionnel, mais le point de départ de "Si on s'aimait" m'a fait penser à la première partie de la pièce "Oh les beaux jours" de Samuel Beckett. Soit une femme vieillissante qui tombe dans un trou et se retrouve coincée sous son plancher, seul le haut de son corps émergent du sol. Soit une métaphore assez limpide de la situation de cette sexagénaire séparée de son mari dont la seule perspective se résume à attendre la mort. Helga n'est pas à proprement parler isolée mais au cours du film, sa solitude est mise en évidence par les coups de fils de sa fille qui n'a pas le temps d'aller la voir, par ses amies superficielles et surtout par la scène du concert où elle se rend avec son homme de ménage faute d'avoir trouvé quelqu'un d'autre pour l'accompagner avant de fondre en larmes à la vue de son ex-mari venu avec sa nouvelle compagne. Cet homme de ménage qui surgit à l'improviste pour un remplacement a tout de la pièce ronde à introduire dans un univers carré: il est étranger et ne parle pas l'allemand (et Helga ne parle pas anglais ce qui rend leur communication difficile), il est moins âgé qu'elle et surtout, il brouille les repères du patriarcat puisque Helga le domine socialement. Toutes proportions gardées car Ryszard n'est pas jeune, n'est pas un apollon et n'a rien d'exotique, leur relation fait penser à celles que certaines riches occidentales esseulées s'offrent avec de jeunes hommes issus de pays pauvres. La question de l'argent et celle du regard social constituent des entraves au moins aussi importantes que la barrière de la langue. Comme dans le modèle du genre, "Tout ce que le ciel permet" (1955) mais sur le mode de la comédie. Comment faire exister cette histoire dans un monde qui n'est pas adapté pour elle, sinon en faisant les réajustements qui s'imposent, à commencer par déménager. Mais Helga fait moins qu'elle ne laisse faire, les faux-semblants tombants tout seuls comme des fruits mûrs. Un grand ménage de printemps parfaitement salutaire!
"Club Zéro" m'a fait penser par le milieu friqué et mortifère dépeint et son style froid, distancié, épuré et satirique au seul film de Ruben OSTLUND que j'ai vu, "Snow Therapy" (2014). Les questions soulevées sont pourtant pertinentes mais la manière dont elles sont traitées interroge. En effet ce n'est pas parce que Miss Novak (Mia WASIKOWSKA) est une gourou sectaire que Jessica HAUSNER doit coller à ce point à sa vision du monde dénuée de vie et d'affect. Tel quel, c'est le film qui est dénué de vie et d'affect, montrant une bande de jeunes embrigadés par leur prof, laquelle après une première phase d'hameçonnage autour de la "nutrition consciente" et de toutes les questions légitimes relatives à l'écologie ou de la santé que l'on peut se poser autour tombe le masque et leur propose de ne plus manger du tout. Malgré le maquillage verdâtre censé montrer les dégâts du jeûne prolongé, on peine à croire une seule seconde que ces adolescents sont véritablement anorexiques et il en va de même pour leur prof dont on ne sait rien, au-delà de sa logorrhée verbale, même pas comment elle mange lorsqu'elle ne se met plus en scène. Parce que la duplicité du personnage ne fait guère de doute mais la satire est paresseuse, se réduisant à une tisane commercialisée avec sa bobine sur l'emballage. Bref, le film est désincarné, abstrait et superficiel, n'utilisant le sujet que comme un prétexte à de pathétiques provocations et à un esthétisme léché, évitant soigneusement de se confronter à la maladie et à la mort en jouant la carte du conte moral. Les parents dépassés tout comme le personnel de l'établissement sont des éléments du décor parfaitement assortis à leurs intérieurs design ou cosy mais on est pas chez Jacques DEMY, hélas. "Club zéro", oui, zéro émotions.
"Etre critique, ce n'est pas donner son avis, c'est se construire comme sujet travers les films que l'on voit" (Emmanuel Burdeau)
"La cinéphilie est moins un rapport au cinéma qu'un rapport au monde à travers le cinéma" (Serge Daney)
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