Cinepassion.over-blog.com

Margot va au mariage (Margot at the wedding)

Publié le 22 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Baumbach (Noah), #Comédie dramatique

Noah Baumbach (2007)

Margot va au mariage (Margot at the wedding)

"Margot va au mariage" est dans la continuité du précédent film de Noah BAUMBACH, "Les Berkman se separent" (2006). On est plongé dans le même milieu, celui de la bourgeoisie intellectuelle new-yorkaise dont Noah BAUMBACH ausculte les névroses. Là où un Woody ALLEN enrobait ses personnages de nostalgie, d'ironie ou d'humour burlesque, nous les rendant attachants, Noah BAUMBACH évacue toute forme de romantisme ou de légèreté au profit d'une mise à nu dénuée de complaisance. La présence de leurs enfants fait ressortir ce que ces comportements égocentriques et immatures ont de plus toxique et destructeur. Les parents étalent devant eux leur vie sexuelle, échecs conjugaux, liaisons, pulsions sans filtre, envahissant leur espace mental. Le climat incestuel que décrivait Camille Kouchner dans "La Familia Grande" (à quand une adaptation cinématographique?) rend le passage à l'acte d'autant plus facile à franchir comme le montre le comportement de Malcolm (Jack BLACK) envers Maisy, une adolescente qui vient faire la baby-sitter chez eux. Claude, le fils de Margot (Nicole KIDMAN) âgé de 11-12 ans est le plus malmené de tous. Sa mère le dénigre sur son hygiène, son comportement et ses capacités pour détruire son estime de lui-même. Elle lui refuse en même temps les apprentissages de base comme la natation ou les produits d'hygiène élémentaire comme le déodorant sous des prétextes fumeux. Elle l'isole également du reste de sa famille pour mieux assoir son emprise émotionnelle, la fin illustrant son incapacité à lâcher-prise. Elle pose également des diagnostics sauvages, notamment d'autisme sur les enfants des autres, sans doute pour la même raison. Comme d'autres artistes prédateurs, Margot vampirise la vie de ses proches pour en nourrir ses livres. Mais les autres adultes ne sont guère plus reluisants, que ce soit le père de Maisy, Dick (Ciaran HINDS), un pervers narcissique avec lequel Margot a une liaison ou sa soeur Pauline (Jennifer JASON LEIGH) avec laquelle Margot est sournoisement en guerre. Quant au fiancé de Pauline, Malcolm qui est un musicien sans emploi stable, il est constamment rabaissé par Margot qui le juge indigne de la famille. Sa candeur apparente cache une hypersexualisation dénuée de limites dont on voit diverses manifestations avant le dérapage de trop avec Maisy.

Voir les commentaires

L'Odyssée (The Odyssey)

Publié le 21 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Nolan (Christopher), #Péplum, #Action, #Aventure, #Fantastique, #Cinéma britannique

Christopher Nolan (2026)

"Du haut de ces pyramides, quarante siècles vous contemplent", enfin dans le cas d'Ulysse, trente-quatre siècles "seulement" puisque son épopée remonterait à l'époque mycénienne, soit au XIII° siècle avant JC. Sa mise par écrit daterait quant à elle du VIII° siècle avant JC, soit l'époque archaïque, quand l'écriture a cessé d'être seulement un outil administratif pour devenir poétique et fixer pour l'éternité des siècles de traditions orales éparses. L'époque mycénienne est celle des cités royales fortifiées dont la plus puissante, Mycènes, dirigée par Agamemnon, le "roi des rois" a donné son nom à l'époque.

Christopher NOLAN et c'est à souligner offre une immersion visuelle qui respecte les connaissances archéologiques sur la période. Ainsi le palais d'Ulysse à Ithaque a un aspect mycénien, celui d'une puissante acropole perchée et fortifiée. Alors que Agamemnon, le chef de la coalition achéenne est représenté dominant tous les autres comme une figure tyrannique, écrasante et inhumaine. Plus dure sera sa chute lors de son retour où Christopher NOLAN établit un pont entre l'épopée d'Homère (VIII° siècle avant JC) et la tragédie de l'Orestie d'Eschyle écrite au temps de la démocratie athénienne (V° siècle avant JC) en développant son destin funeste et celui de sa famille. Le sacrifice d'Iphigénie est d'ailleurs le premier "flash" traumatique du film qui en contient bien d'autres. Ulysse (Matt DAMON) n'est plus en effet le "héros aux mille ruses" que l'on admire pour son génie tactique. C'est, passé au miroir de nos préoccupations contemporaines un homme hanté par la violence infligée, un traumatisé de guerre qui tente de trouver la paix par l'oubli dans les fleurs de lotus généreusement dispensées par Calypso (Charlize THERON) qui retient Ulysse sur son île pendant des années moins par passion amoureuse comme dans le poème d'origine que sous l'emprise du syndrome de Florence Nightingale. La culpabilité est centrale chez l'Ulysse de Nolan, que ce soit au travers des souvenirs de la prise de Troie qui reviennent là aussi par flashs et par la vision d'une Athéna ( ZENDAYA) qui a pris les traits d'une jeune troyenne décapitée ou par le sacrifice de Sinon (Elliot PAGE), le jeune soldat grec évoqué par l'Enéide de Virgile qui feint d'avoir été abandonné par les siens pour convaincre les troyens d'introduire le cheval dans leur ville en prétendant qu'il s'agit d'une offrande d'Athéna. Par conséquent, Sinon s'invite aux Enfers aux côtés des autres personnages de la mythologie.

Cependant si les principaux épisodes de l'Odyssée sont retranscrits fidèlement et avec souffle, notamment le comportement odieux des prétendants menés par Antinoüs (Robert PATTINSON) et la vengeance d'Ulysse, il manque quelques figures marquantes comme celle de Nausicaa et surtout les interventions divines qui jouent un rôle clé dans la réconciliation collective finale. Cela renvoie à notre société sans transcendance où le sens civique s'est perdu au profit de la seule réussite individuelle. Cet enfermement dans les oeillères idéologiques de notre présent est tout ce qui sépare un Christopher NOLAN d'un Hayao MIYAZAKI.

Ce syndrome désigne habituellement une situation où un soignant développe des sentiments amoureux ou un attachement passionnel pour son patient vulnérable.

Voir les commentaires

Disco Dancer

Publié le 20 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Bollywood, #Comédie musicale, #Cinéma d'Asie, #Cinéma indien

Babbar Subhash (1982)

Le disco à la sauce Bollywood, une recette que j'avais découverte dans un numéro de Blow Up récent consacré à ce style musical en relation avec l'exposition "Disco, I'm coming out" de la cité de la Musique. Arte a visiblement voulu offrir sa trouvaille en intégralité au public dans le cadre de son "summer of disco" du 28 juin au 9 août 2026.

"Disco Dancer" qui a été un succès dans nombre de pays à sa sortie en 1982 se distingue surtout par sa bande son composée par Bappi Lahiri. Il a importé des standards disco occidentaux de l'époque et il les a revisités à la sauce indienne. Arte a mis en avant dans "Blow Up" "Auva, Auva", transposition indienne synthé-pop de "Video killed the radio star" des Buggles mais on en découvre d'autres comme "Jimmy Aja" qui reprend la structure rythmique et mélodique du tube disco français "T'es OK" de Ottawan. Le titre phare "I'm a disco dancer" est lui-même une hybridation entre des choeurs occidentalisés et une orchestration traditionnelle indienne. Une démarche qui rappelle celle de la période yé-yé en France où les standards américains étaient massivement importés et francisés pour être interprétés par les idoles de l'époque comme Richard Anthony ou Johnny Hallyday. Sheila a même étendu cette appropriation dans les années 70 au disco avec son groupe, les B. Devotion, donnant à la France nombre de tubes disco flanqués d'une esthétique futuriste et d'un groupe afro-américain.

Sans ses fulgurances sonores, le film serait irregardable aujourd'hui tant il est prisonnier de la lourdeur des codes narratifs et du kitsch visuel bollywoodien. Ceci étant c'est justement le contraste entre le mélodrame familial larmoyant et l'exubérance joyeuse des chorégraphies disco sous les boules à facettes qui a contribué à rendre le film culte. Adil/Jimmy qui revient à Mumbai pour se venger de l'homme d'affaires véreux responsable de l'emprisonnement et de la mort de sa mère a même un petit avant-goût de Assane Diop/Lupin. Le spectacle, l'artifice et la ruse deviennent des armes redoutables contre l'ennemi de classe. La subversion est dans les deux cas externe par l'adhésion des foules et interne par la séduction de la fille en sous-marin.

Voir les commentaires

Le Héros de Berlin (Der Held vom Bahnhof FriedrichstraBe)

Publié le 19 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Becker (Wolfgang), #Comédie dramatique, #Cinéma allemand

Wolfgang Becker (2024)

Le Héros de Berlin (Der Held vom Bahnhof FriedrichstraBe)

"Le Héros de Berlin" est le film testamentaire de Wolfgang BECKER, mondialement connu pour "Goodbye Lenin" (2001) et disparu en décembre 2024. "Le Héros de Berlin" reprend nombre d'ingrédients de son hit international: la référence à l'histoire est-allemande, le mensonge uchronique, Daniel BRUHL, révélé par "Goodbye Lenin" (2001) dans un hilarant caméo. La différence majeure réside cependant dans le fait que Micha (Charly HUBNER), à l'inverse d'Alex n'est pas l'auteur du mensonge qui transforme une simple erreur d'aiguillage lorsqu'il était un jeune cheminot en acte héroïque. Il devient le complice du journaliste (Leon ULLRICH) qui invente ce récit fictionnel de passage à l'ouest pour faire un scoop à l'occasion de la commémoration des 30 ans de la chute du mur de Berlin. Micha se laisse séduire par cette réalité alternative parce qu'elle le dépeint sous un jour flatteur alors qu'il s'agit en réalité d'un looser bedonnant qui a toujours subi sa vie. Gérant d'un vidéoclub en faillite, Micha est appâté par l'argent mais aussi par le succès et l'attention des médias: il passe à la TV, devient le sujet d'une biographie, la tête d'affiche d'une campagne publicitaire, doit prononcer un discours au Bundestag etc. Le problème est que l'ampleur de l'engouement finit par le dépasser alors même qu'il entame une idylle avec Paula, une procureure qui 30 ans plus tôt faisait partie des 127 passagers du train passés à l'ouest grâce au prétendu "acte héroïque" de Micha.

Il aurait fallu cependant un tempo plus enlevé pour que la satire soit véritablement mordante. Tel quel, le film ronronne, voire se traîne. L'état dans lequel le réalisateur l'a réalisé et le fait qu'il n'a d'ailleurs pas eu le temps de tout à fait le terminer lui-même explique sans doute ce gros problème de manque de rythme.

Voir les commentaires

Ocean's Eleven

Publié le 18 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Soderbergh (Steven), #Thriller, #Action, #Comédie policière

Steven Soderbergh (2001)

Je n'avais jamais vu "Ocean's Eleven" parce que ce n'est pas vraiment ma tasse de thé. Le film de casse que j'aime est celui qui se termine mal comme "L'Ultime Razzia" (1956), "Quand la ville dort" (1949) ou "Melodie en sous-sol" (1963). Pas pour des raisons morales ("le crime ne paie pas") mais par l'introduction du grain de sable qui vient gripper la machine dans des mécanismes qui pensaient l'avoir évacué. Un antidote à l'hubris humaine en quelque sorte. Or "Ocean's Eleven" se situe dans un registre beaucoup plus superficiel et clinquant dans la lignée de "Les Specialistes" (1985). Les personnages, à l'image des super héros forment une équipe invincible dotée de pouvoirs quasi surnaturels. Le casse devient un défi ludique et le plan se déroule sans accrocs. Le décor chic et toc, celui de Las Vegas fait beaucoup aussi pour cette transformation du tragique en glamour, du hasard à l'attraction où tout glisse comme sur des roulettes, de la chute au trophée, du loser au winner. Pourtant le film de Steven SODERBERGH est un remake, celui de "L'Inconnu de Las Vegas" (1960) qui certes mettait en valeur un effet bande avec le Rat Pack* mais n'échappait pas pour autant à la fatalité. "Ocean's Eleven" devient quant à lui un divertissement de luxe tout à fait approprié à Las Vegas, un numéro d'illusionnisme hors-pair, un miroir narcissique au service de la célébration de la toute-puissance du braqueur et de ses prouesses. Un dispositif parfaitement calibré pour faire briller la surface réfléchissante des stars hollywoodiennes, George CLOONEY, Brad PITT, Matt DAMON, Andy GARCIA ou encore Julia ROBERTS.

* Dans les années 60, The Rat Pack était une bande de copains artistes cools et impertinents, qui se produisait sur toutes les scènes américaines. Mais, leur fief restait Las Vegas. Parmi eux on retrouvait Frank Sinatra, le chef de bande, Dean Martin, Sammy Davis Jr, Peter Lawford, Joey Bishop, Humphrey Bogart, Lauren Bacall... Leurs concerts étaient émaillés de sketchs, de prises de paroles improvisées chaque fois plus drôles en fonction de leur état et leur humeur. Leur slogan, selon la légende, une fois de plus était "Avoir 3 verres d’avance sur le monde entier" et cela se voyait parfois sur scène. Cette bande de copains talentueux, fêtards, flambeurs fut aussi tolérante avant l’heure, dans une Amérique raciste, en refusant, par exemple, de descendre dans les hôtels de Las Vegas qui n’accueillaient pas les Noirs. La légende voudrait d'ailleurs que ce soit Lauren Bacall qui les baptisa ainsi, un soir ou plutôt un petit matin, alors qu’ils rentraient tous ensemble de soirée, la mine plutôt fatiguée. L’actrice leur aurait lancé, en les voyant : "vous avez des mines de rats" ! Rien n’est confirmé et d’autres explications existent. Mais, celle-ci reste la plus drôle.

Voir les commentaires

Rebuilding

Publié le 17 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Drame

Max Walker-Silverman (2025)

Un film humaniste aux images renversantes de beauté qui se situe dans le sillage d'un "Nomadland" (2019). Comme dans le film de Chloe ZHAO, on suit un personnage qui a tout perdu suite à une catastrophe, non pas économique cette fois mais "naturelle" sachant que les incendies qui frappent aujourd'hui les USA comme le reste du monde sont en grande partie causés par le réchauffement climatique d'origine humaine. Les USA étant dépourvus de filets de sécurité, le moindre pépin entraîne le dévissage immédiat jusqu'au fond de l'abîme. C'est l'expérience vécue par Dusty (Josh O'CONNOR) qui voit durant tout le film ses espérances de nouveau départ douchées par la réalité. Il est donc contraint de l'installer dans un "no man's land" peuplé de mobile homes avec d'autres naufragés de la vie et d'accepter un emploi éloigné de ses aspirations. Mais à son insu et presque malgré lui, un autre chemin de résilience se dessine, grâce à sa fille Callie-Rose qu'il doit garder en alternance avec son ex-femme ce qui l'empêche de s'éloigner comme il le voudrait ainsi que grâce à ses compagnons d'infortune avec lesquels il finit par tisser des liens bon gré mal gré. Il n'y a pas tant de films que ça qui montrent que quelque chose de positif peut jaillir de la frustration, de la contrainte et de l'échec. Dusty est montré comme piégé dans une vie précaire qu'il n'a pas choisie, tentant de s'en extraire en vain tout en ne se rendant compte qu'à la fin de la valeur de ce qui s'est reconstruit spontanément dans les ruines. Il prend conscience aussi qu'il existe une autre façon, non plus matérielle mais symbolique de faire fructifier la terre brûlée qu'il possède encore et qui ne portera à nouveau des fruits que dans 10 ou 15 ans. Toutes ces qualités, tant esthétiques que philosophiques compensent la lenteur contemplative de la narration qui peut parfois rebuter.

Voir les commentaires

Backrooms

Publié le 16 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Science-fiction, #Horreur

Kane Parsons (2026)

Un scénario pour le moins confus autour de deux personnages, une psychanalyste, Mary Kline (Renate REINSVE) et l'un de ses patients à la tête d'un magasin de meubles, Clark (Chiwetel EJIOFOR) qui se retrouvent tous deux aspirés dans une dimension parallèle de l'autre côté du mur du sous-sol de ce même magasin. Le véritable intérêt du film réside dans l'exploration de cet univers parallèle profondément angoissant qui rappelle à notre bon souvenir le labyrinthe de "Shining" (1980), les loges de "Twin Peaks - Les Sept derniers jours de Laura Palmer" (1992), le Tesseract de "Interstellar" (2013) ou encore les salles de "Cube" (1997). "Backrooms" est un film-cerveau, un cauchemar psychologique qui reflète l'inconscient de ceux qui les traversent. L'immersion sensorielle est totale avec ces espaces liminaires à la fois gigantesques et confinés qui se succèdent à l'infini. Bruits anxiogènes, absence de fenêtres, néons qui grésillent et couleurs criardes à dominante jaune moutarde et parfois rouge ou bleu, visions surréalistes de meubles agglutinés ou bien qui se noient dans les moquettes, de panneaux STOP, d'escaliers suspendus dans le vide comme dans les dessins de Escher, de piscines aux eaux sombres faites pour nous engloutir. On est à la fois fascinés par l'inventivité constante de ces lieux qui revêtent par moments le caractère d'installations contemporaines ou de tableaux surréalistes à la Dali ou à la Magritte et effrayés par leur aspect anxiogène et claustrophobique sans parler des entités étranges voire mortelles qu'ils abritent. Maintenant reste à intégrer cette légende urbaine du web nourrie par l'imagination collective des internautes à un scénario plus solidement charpenté pour libérer toute sa puissance de frappe.

Voir les commentaires

New-York 1997 (Escape from New-York)

Publié le 14 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Carpenter (John), #Action, #Science-fiction, #Thriller

John Carpenter (1981)

"New-York 1997" est un film qui en dépit de quelques effets spéciaux datés a gardé un vrai pouvoir d'envoûtement. C'est en grande partie lié à la vision de Manhattan transformée en jungle urbaine nocturne enfermée entre de hauts murs. On se surprend à arpenter comme le héros des lieux emblématiques désaffectés ou reconvertis, des rues désertes jonchées de débris et de carcasses d'automobiles alors que les rares véhicules en fonctionnement s'avèrent customisés d'une manière étonnante qui rappelle toutes proportions gardées une autre dystopie post-apocalyptique de cette époque "Mad Max" (1979). Comme George MILLER, John CARPENTER puise dans les codes du western (et dans ses figures emblématiques: Lee VAN CLEEF, Ernest BORGNINE, Harry Dean STANTON) pour dépeindre un monde sans foi ni loi où la criminalité a grimpé de 400%. A défaut de la résoudre, elle est contenue dans une prison à ciel ouvert: l'île de Manhattan. C'est sur ce terrain de "jeu" que vient s'écraser l'avion du président après avoir été détourné. John CARPENTER tire à boulets rouges sur les institutions, cyniques et déconnectées. Le président (Donald PLEASENCE) s'avère être une pitoyable carpette entre les mains des gangs, indigne de surcroît des individus qui s'allient pour le sauver en y laissant leur vie. Comme ceux-ci appartiennent au rebut de la société, il ne manifeste aucune reconnaissance pour leur sacrifice ce qui lui vaut un bras d'honneur symbolique de la part de Snake Plissken (Kurt RUSSELL), double vengeur du réalisateur et lonesome cowboy de cette dystopie urbaine. Snake tout comme Max n'est pas devenu un personnage culte par hasard. Icône visuelle avec son bandeau de vétéran sur l'oeil et son tatouage de serpent sur l'abdomen, Snake est un revenant ("je te croyais mort" lui disent à peu près tous les personnages qu'il rencontre) dont la présence, froide et détachée plane de manière quasi spectrale sur cette Amérique cauchemardesque qu'il juge et condamne avant de repartir se tapir dans l'ombre.

Voir les commentaires

Vincent doit mourir

Publié le 13 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Thriller, #Fantastique, #Comédie dramatique

Stéphan Castang (2022)

Film hybride qui mélange d'un côté les codes de la série B cheap (les "figurants-zombie" mécaniques, certaines incohérences et grosses ficelles du scénario qui se contente de poser un climat anxiogène sans creuser plus loin) et de l'autre la belle performance de Karim LEKLOU qui comme dans "Le Roman de Jim" (2023) transcende le matériau filmique par son humanité. Je pourrais reprendre la dialogue final de "The Truman Show" (1998): "alors rien n'était vrai? Toi tu étais vrai". Dommage que le flou artistique qui règne sur les agressions par le regard empêche de construire un univers totalement convaincant. La violence est aléatoire, dépolitisée, sans racines et finalement inoffensive pour le spectateur. L'histoire d'amour entre Vincent et Margaux (Vimala PONS) qui fait bifurquer le récit vers la comédie romantique se combine mal avec le survival paranoïaque. Certes leur relation est "contaminée" par l'agressivité ambiante mais reste suffisamment "mignonne" pour offrir un refuge qui contredit ce que le film tente de nous montrer: le délitement irréversible du lien social. "Vincent doit mourir" sabote ainsi en cours de route sa proposition forte au profit d'une romance mainstream "nous contre le reste du monde" ce qui est beaucoup plus vendeur et rassurant.

Voir les commentaires

In Waves

Publié le 12 Juillet 2026 par Rosalie210

Catégories : #Animation, #Drame

Phuong Mai Nguyen (2026)

La France est une plaque tournante incontournable du cinéma d'animation mondial. Elle est bien connue pour accueillir des talents venus du monde entier qu'elle finance via le CNC et forme dans ses écoles d'excellence comme les Gobelins et La Poudrière où a étudié la réalisatrice de "In Waves" d'origine vietnamienne Phuong MAI NGUYEN. Parmi les grandes réussites de cet écosystème, on peut citer "Persepolis" (2007), "La Tortue rouge" (2016) en co-production avec les studios Ghibli ou encore "Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau" (2022).

"In Waves" est l'adaptation d'une bande dessinée autobiographique de AJ Dungo publiée chez Casterman en 2019. Celui-ci y raconte son amour pour Kristen, une jeune surfeuse californienne qui l'initie à ce sport avant d'être frappée par un cancer des os qui finit par l'emporter. Les vagues du titre ne se réfèrent pas qu'à la passion commune d'AJ et Kristen pour le surf, elles prennent une coloration mémorielle en reliant passé et présent, vie et mort et surtout émotionnelle, AJ étant en proie à des vagues de douleur ou de désespoir face à perte de celle qu'il aimait. Les vagues symbolisent aussi les hauts et les bas de la vie et la structure même du film adopte une narration par vagues qui déferlent sur le récit. C'est particulièrement flagrant lorsque la pratique spirituelle ancestrale du surf pratiqué par les autochtones hawaïens "déborde" sur l'histoire d'AJ lorsqu'il apprend que Kristen doit être opérée: l'émotion le submerge comme les vagues submergent la plage où se tiennent les hawaïens. Récit initiatique et récit de deuil, "In Waves" a aussi la qualité de faire admirablement ressortir l'environnement et l'origine des personnages. Il capture l'atmosphère de Los Angeles (où se pratique le surf et d'où sont originaires les personnages) et de New-York (où AJ vient présenter ses dessins) ainsi que leurs origines bigarrées, latino et asiatiques, à l'image d'un sport à qui AJ et la réalisatrices rendent ses véritables racines et sa dimension sacrée.

Voir les commentaires

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article