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La Planète sauvage

Publié le 2 Mars 2018 par Rosalie210

Catégories : #Animation, #Science-fiction, #Film expérimental, #Laloux (René)

René Laloux (1973)

"La planète sauvage" est le fruit de trois créateurs visionnaires, Stephen Wul (auteur du roman dont est tiré le film), René Laloux (réalisateur) et Roland Topor (scénariste et animateur). A l'époque, il faisait figure d'OVNI cinématographique car il bousculait les catégories préétablies. Il s'agissait en effet de l'un des premiers films d'animation pour adulte (bien que Laloux ait toujours dit que c'étaient les enfants qui avaient le mieux compris son film). Il était également précurseur en tant que film d'animation de science-fiction alors que l'alliance des deux genres était jugée jusque là trop space pour le public.

"La planète sauvage" est un conte philosophique qui renverse le rapport qu'entretient l'homme à son environnement et suscite ainsi la réflexion. Le voilà réduit à la taille d'un insecte, traqué et exterminé comme un nuisible ou bien instrumentalisé comme un objet ou un animal de compagnie par des êtres qui se pensent supérieurs. Une supériorité fondée sur la taille et sur la technologie mais à qui il manque un élément fondamental: l'empathie. Autrement dit, les Draags sont des colosses aux pieds d'argile ce que confirmera la fin du film lorsque les Oms se seront appropriés leur savoir. Ce scénario est d'une telle intelligence et d'une telle pertinence que l'on peut y projeter aussi bien le colonialisme, l'esclavagisme, la shoah, la guerre froide (contexte de la réalisation du film) ou encore la question écologique.

Le film est également marquant par la richesse de son esthétique. L'animation se compose de dessins découpés en phases ce qui donne à la palette graphique une richesse de nuances impossible à rendre avec des cellulos. Et puis il y a l'imaginaire surréaliste de Roland Topor dont le style psychédélique fait penser à celui de Terry Gilliam à l'époque des Monty Pythons.

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Alice

Publié le 1 Mars 2018 par Rosalie210

Catégories : #Allen (Woody), #Comédie dramatique, #Fantastique

Woody Allen (1990)

L'héroïne du film s'appelle Alice et sa sœur s'appelle Dorothy. Quelle entrée en matière! Il n'est pas difficile de comprendre que l'on va se promener dans ce film quelque part entre le pays des merveilles et le pays d'Oz. Pas au sens littéral du terme mais les herbes magiques du docteur Yang permettent à Alice une surprenante (et parfois jubilatoire) traversée du miroir.

Cette bourgeoise BCBG insatisfaite en dépit de son train de vie fastueux (montré avec force détails satiriques qui préfigurent "Match Point") voit son corps se révolter sous la forme d'un mal de dos chronique et de rêves d'adultère. Elle ose alors pousser la porte du bouge mal famé où officie l'omniscient docteur et c'est le début d'une aventure que seul le cinéma rend possible (d'où l'absence de Woody Allen à l'écran: c'est lui le docteur Yang! Et "Alice" préfigure de nombreux films où la magie joue un rôle important "Le Sortilège du Scorpion de Jade", "Scoop", "Magic in the Moonlight" etc.)

Qui n'a jamais rêvé de voir ses inhibitions tomber pour pouvoir réaliser ses désirs? Se rendre invisible pour savoir ce que l'on dit de soi ou surprendre son mari en flagrant délit d'infidélité? Revivre des moments heureux du passé avec les gens que l'on a aimé? S'envoler au-dessus de la ville avec le fantôme de son premier mari? Rencontrer sa muse pour réaliser ses aspirations artistiques? Mia Farrow s'en donne à cœur joie dans plusieurs registres, passant de la catho coincée à la nymphomane en un clin d'œil, le tout avec cette sensibilité qui donnent aux films de Woody Allen de cette époque leur aura particulière.

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Le joueur d'échecs (Geri's game)

Publié le 28 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Studios Pixar, #Animation, #Court-métrage

Jan Pinkava (1997)

"Le Joueur d'échecs" réalisé en 1997 soit deux ans après le premier "Toy Story" est un moment décisif dans l'histoire des studios Pixar. Ceux-ci avaient abandonné les courts-métrages pour se consacrer au format long et à des projets publicitaires. La décision de relancer un programme de formats courts est liée à la nécessité de donner un nouvel élan aux créations Pixar en mettant le pied à l'étrier à de jeunes talents et en améliorant la technique de l'animation numérique.

C'est ainsi que Jan Pinkava se voit confier la réalisation du "Joueur d'échec" avec une seule contrainte mais de taille: la présence d'un personnage humain qui est alors le point faible de l'animation 3D et dont le studio veut améliorer le rendu. Jan Pinkava va faire bien plus que cela, il va donner une identité forte au studio en choisissant d'animer un vieil homme en lutte contre le temps qui passe symbolisé par un autre lui-même plus jeune et plus dynamique à qui il va pourtant damner le pion. Jan Pinkava s'est inspiré de son propre grand-père passionné d'échecs mais le choix d'un vieillard est également lié aux fait qu'il est plus facile de l'animer qu'un jeune homme. Physiquement, Geri n'est autre que réparateur de jouets de "Toy Story 2" et sa gestuelle préfigure celle de Karl, le héros de "Là-Haut". Son combat de 4 minutes dans un paysage d'automne contre la solitude, la vieillesse et la mort est un morceau de bravoure magistral, d'ailleurs couronné de plusieurs prix. Le tout dans un univers très français, une musique de bal musette et un jardin qui n'est pas sans rappeller celui des Tuileries. Un petit air de "Ratatouille" en somme...

Enfin le court-métrage contient des clins d'oeil qui deviendront récurrents chez Pixar, notamment la boîte à cigare contenant les échecs qui porte l'inscription suivante "Courts métrages artisanaux Pixar réalisés à Pont Richmond" (localité californienne où se trouvaient les studios à l'époque).

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Mary Poppins

Publié le 27 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Studios Disney, #Animation, #Film musical, #Fantastique, #Stevenson (Robert)

Robert Stevenson (1964)

Mary Poppins, c'est le film perché de Disney. Toutes les œuvres dans lesquelles il s'est impliqué le sont, mais celle-ci l'est autant au sens littéral qu'au sens figuré. Mary vit dans les nuages, les voisins des Banks ont reconstitué un navire de guerre sur le toit et s'y croient tellement qu'ils tirent régulièrement au canon. L'oncle Albert en pleine crise de fou rire invite Mary, Bert et les enfants à prendre le thé au niveau du plafond (une allusion à la fête de non-anniversaire de "Alice au pays des merveilles"). Ces derniers se promènent sur les toits, Mary joue les derviches tourneur au-dessus des cheminées pendant que Bert et ses copains font un ballet acrobatique aérien. Et cette folie est contagieuse. La banque (allégorie de l'enfer) essaye bien de s'en prémunir en chassant l'employeur de Mary mais c'est l'inverse qui se produit: M. Banks est à son tour touché par le grain de folie qui s'est répandu dans sa maison, le doyen s'envole au plafond pour y mourir de rire et ses associés jouent au cerf-volant avec les enfants.

Bien entendu cet énorme délire est habilement enveloppé dans un enrobage de convenances. A l'image de Mary d'ailleurs qui commence toujours par s'offusquer quand on lui demande de pratiquer la magie avant d'en remettre une couche (de cirage noir après être passée par la cheminée). Mais quand on la compare aux autres nounous, il n'est pas difficile de voir en quoi elle est anticonformiste. Jeune, jolie, les yeux pétillants, des éléments de fantaisie dans sa tenue qui font très "hippie chic" (les fleurs sur son chapeau, son écharpe tricotée, son parapluie qui parle et lui sert aussi d'engin volant) et de la magie dans son sac sans fond (qui a vraisemblablement inspiré celui d'Hermione dans le tome 7 de Harry Potter), elle a tout pour venir secouer le train-train du foyer Banks. Lequel n'est pas très joyeux. Le père est affairé et coincé, la mère est égocentrique et distraite, aucun n'est disponible pour s'occuper des enfants.

Comme tous les Disney de la grande époque, le film est novateur ici par sa technique mélangeant les prises de vues réelles et le dessin animé pour les séquences dans le monde enchanté. L'auteure des livres, Pamela L. Travers refusait ce mélange (comme le raconte le film "Dans l'ombre de Mary" sorti en 2013) mais Disney sut habilement l'amadouer. Robert Zemeckis a rendu un hommage direct à la séquence des pingouins dans "Qui veut la peau de Roger Rabbit" qui s'inscrit dans cette filiation technique. Et puis il y a Julie Andrews, comédienne, chanteuse et danseuse accomplie qui illumine de tout son charme le film. Un film qui lui permit de prendre une belle revanche car jugée pas assez connue elle avait été écartée de l'adaptation cinématographique de "My Fair Lady" qu'elle interprétait pourtant au théâtre.

Enfin ce film permet de voir Jane Darwell (Ma Joad des "Raisins de la colère" de John Ford) dans son dernier rôle, celui de l'émouvante dame aux oiseaux.

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Et les mistrals gagnants

Publié le 27 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Documentaire, #Réalisatrices

Anne-Dauphine Julliand (2016)

Ce film m'a fait penser à la série documentaire de 2006 "L'hôpital des enfants" dans laquelle Gilles de Maistre s'immergeait dans le quotidien du personnel soignant et des patients de l'hôpital Robert Debré. La série de Gilles De Maistre alternait les séquences dans les services de soins aux enfants malades et celles dans la maternité. Qui pouvaient également être éprouvantes (accouchements difficiles, bébés prématurés ou morts-nés...) Le film en partie à cause de la différence de format est resserré sur cinq enfants, tous atteints de maladies graves. On les suit à l'hôpital Robert Debré mais aussi chez eux. Cela permet de constater qu'ils viennent de milieux très différents mais qu'ils ont beaucoup en commun. Ce sont les héros d'un film qui se place juste à leur hauteur.

Et ils ont beaucoup à nous dire. Non seulement ils sont plus matures que les enfants de leur âge mais ils sont bien plus courageux que la plupart des adultes qui fuient devant la maladie et la mort. Plus courageux, plus altruistes, plus philosophes, bref de meilleures personnes. Il y a Imad qui souffre entre autre d'insuffisance rénale et a dû quitter l'Algérie pour se faire soigner en France. Tugdual qui souffre d'un cancer. Ambre qui souffre de problèmes cardiaques et pulmonaires et doit porter sur elle une pompe reliée à son cœur et cachée dans un sac à dos. Charles, atteint d'une maladie génétique de la peau qui la rend très fragile et doit porter d'importants pansements sur une grande partie du corps. Et enfin Camille qui a un cancer.

On suit chacun d'eux dans son parcours de soin mais aussi dans sa vie d'enfant. Celle-ci est perturbée par la maladie (aucun ne peut suivre une scolarité normale par exemple) mais chacun parvient à préserver l'essentiel, ce qui rend la vie digne d'être vécue. Ambre est passionnée de théâtre et adore porter des robes de princesse, Tugdual qui vit à la campagne fait du piano et se ressource en jardinant, Imad rêve d'être pompier, Charles s'est trouvé un copain plus fragile moralement que lui et qu'il soutient (la partie de dobble où il le laisse gagner témoigne de cette solidarité enfantine), enfin Camille passionné de foot a cette phrase prémonitoire "Quand je serai mort, je ne serai plus malade."

Dans un tel contexte la chanson de Renaud prend un relief particulier, surtout la fin "Il faut aimer la vie/Et l'aimer même si/Le temps est assassin et emporte avec lui le rire des enfants/Et les mistrals gagnants."

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Harry dans tous ses états (Deconstructing Harry)

Publié le 26 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Allen (Woody), #Comédie dramatique, #Fantastique

Woody Allen (1997)

Harry dans tous ses états (Deconstructing Harry)

C'est l'un des films les plus déconstruits de Woody Allen, le titre en VO s'intitule d'ailleurs "Deconstructing Harry" (en référence également au courant philosophique du déconstructionnisme qui traque les significations sous-jacentes des textes, à l'insu de leur propre auteur). Le montage est haché avec des jump-cuts très fréquents. Le générique donne le ton. Sur fond noir comme tous les Allen mais entrecoupé d'une séquence (Judy Davis sortant furieuse d'un taxi) qui se répète 4 fois! La narration éclatée est elliptique et digressive et on navigue sans arrêt entre deux niveaux de fiction: celle du personnage principal, Harry et celle des personnages et histoires qu'il réinvente à partir de sa vie. Parfois il s'agit d'un copier-collé des événements vécus (on les voit donc deux fois avec des acteurs différents). Parfois il s'agit de la traduction de ses fantasmes qui les font évoluer vers le fantastique (l'apparition de la grande faucheuse comme dans le "Septième sceau" de Bergman, la séquence en enfer.) Tout cela étant aussi une mise en abyme de la personnalité du réalisateur (qui joue Harry, évidemment): son rapport à la création, aux femmes, au judaïsme, à la mort. La narration déstructurée et le personnage en panne se rapprochent de "8 1/2" de Fellini mais avec un fil directeur sorti tout droit des "Fraises sauvages" d'Ingmar Bergman (le voyage pour recevoir un hommage).

En dépit de ses qualités, le film, trop nihiliste et trop sec ne fait pas partie de mes préférés de Woody Allen. On a l'impression que la sophistication du récit lui sert surtout à déverser sa détestation du genre humain. Toutes les femmes y sont hystériques, déloyales ou vénales. Lui-même se dépeint sous les contours d'un personnage médiocre qui ne sait pas ce qu'il veut et sème la pagaille sur son passage. C'est d'ailleurs pour faire le point qu'Harry tente de transformer sa vie en création. Sauf qu'il a du mal à y parvenir comme le montre son personnage-acteur "flou" (joué par Robin Williams). Lui-même étant un personnage de fiction, il devient flou à son tour jusqu'à ce que la pute au grand coeur (bonjour les clichés) ne le ramène sur terre.

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Maris et femmes (Husbands and Wives)

Publié le 25 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Allen (Woody), #Drame, #Pollack (Sydney)

Woody Allen (1992)

Les films de Woody Allen sont tellement proches de lui qu'il est devenu courant de les interpréter à l'aune des rebondissements de sa vie privée compliquée (comme les critiques de son dernier opus "Wonder Wheel" le montrent).

"Maris et femmes" est de ce point de vue un cas d'école. C'est en effet le dernier film qu'il a tourné avec Mia Farrow, juste avant qu'ils ne se séparent. En effet pendant le tournage, elle a découvert la liaison qu'il entretenait avec sa fille adoptive Soon Yi et a eu bien du mal à terminer le film. Or justement, "Maris et femmes" est un film sur la crise du couple où l'effet de mise en abyme joue à plein. L'annonce de la séparation de leurs amis Sally (Judy Davis) et Jack (Sydney Pollack) déstabilise profondément le couple formé par Judy (Mia Farrow) et Gabe (Woody Allen) qui se croyaient à l'abri. La tourmente conjugale est soulignée par une mise en scène hachée novatrice à l'époque avec un tournage caméra à l'épaule et de nombreux jump-cuts. On remarque également que pour la première fois, Mia Farrow n'est pas magnifiée mais enlaidie. Son personnage porte des vêtements informes, ses cheveux sont coupés courts, son visage est livide et elle pratique derrière sa fragilité de façade le mensonge et la manipulation pour parvenir à ses fins.

Woody Allen se donne évidemment le beau rôle dans cette histoire. Il apparaît comme une victime de Judy et suscite l'admiration de Rain (Charlotte Lewis), une très belle étudiante qui rêve d'avoir une relation avec lui. On ne compte plus le nombre de films où Woody Allen (ou ses clones) entretiennent une relation amoureuse avec une jeune fille, la relation prof-étudiante en étant une des variantes (on la retrouve dans "L'Homme Irrationnel"). Quant à Jack, autre avatar d'Allen, il se ressource dans les bras d'une jeune fille inculte (thème central de "Wathever works"). Evidemment la différence majeure avec la réalité réside dans le fait que ces relations asymétriques ne sont pas incestueuses. Néanmoins on peut remarquer que dans le film, une des raisons profondes de la séparation du couple Judy/Gabe est le refus de ce dernier d'avoir un enfant avec elle, celle-ci étant déjà mère d'une précédente union. Un reflet troublant de la réalité puisque le couple Farrow/Allen s'est révélé stérile, leur seul enfant prétendument biologique étant probablement celui de Frank Sinatra, son précédent mari.

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Dracula (Bram Stoker's Dracula)

Publié le 24 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Coppola (Francis Ford), #Drame, #Fantastique, #Horreur, #Thriller

Francis Ford Coppola (1992)

Un film est inséparable du contexte dans lequel il a été réalisé. L'adaptation du "Dracula" de Bram Stoker par Francis Ford Coppola, aussi déroutante que fascinante a la force d'une évidence. Se déroulant en 1897, date de la sortie du livre, elle lui est extrêmement fidèle narrativement tout en exacerbant la dimension romantique et sexuelle du mythe vampirique. Le sexe et la mort y sont d'autant plus inextricablement liés que l'époque s'y prête. Les maladies vénériennes du XIX° couvrent l'angoisse de l'épidémie de sida qui fait rage au début des années 1990 lorsque sort le film. D'où l'importance donnée aux maladies du sang, à la contamination et aux plans anachroniques montrant des globules.

Mais le film n'a rien de clinique, bien au contraire, il se singularise par sa mise en scène digne d'un opéra baroque, surchargée d'effets somptueux parfois à la limite du kitsch. Nombre d'entre eux proviennent du cinéma muet auquel Coppola rend un hommage appuyé au détour d'une scène qui montre la projection des vues Lumière. Mais c'est surtout à l'expressionnisme qu'il se réfère. L'ombre démesurée du comte qui se meut de façon autonome rappelle le film de Murnau, de même que le plan menaçant du navire qui contient le mal dans ses flancs, prêt à se répandre. Les ornements et superpositions rappellent quant à eux la mise en scène de Peter Greenaway ainsi que les costumes extravagants.

Toute cette flamboyance est mise au service du thème de la passion qui est centrale dans le film. La scène inaugurale en ombres chinoises montre le chevalier Vlad tournant le dos à la passion religieuse et guerrière des chrétiens trucidant les Ottomans et se damnant par amour pour son épouse Elisabetha qui en se suicidant a été excommuniée. La passion amoureuse a fait de lui un vampire condamné à aspirer l'énergie vitale des vivants pour l'éternité. C'est pourquoi seule une réincarnation de son épouse défunte peut briser la malédiction en l'aidant à mourir en paix. Et à la différence de Murnau (où elle se sacrifie) et de Stoker (où elle est agressée), Mina tombe passionnément amoureuse de Dracula et réciproquement. C'est cette dimension qui m'a particulièrement marquée. Ce n'est pas pour rien que l'on dit de quelqu'un qui tombe amoureux qu'il est "mordu". En effet quel contraste entre la fiancée prude de Jonathan Harker (dont la fadeur est liée également à l'interprétation peu expressive de Keanu Reeves) et l'amante enflammée et luxurieuse de Dracula, semblable à ses maîtresses vampires. Winona Ryder nous offre là l'un de ses plus beaux rôles. Il en est de même pour Gary Oldman, lui aussi tout en dualités et métamorphoses. Vieux papy cynique et desséché, singe en rut, rats, ombre et vapeur, toutes ces apparences soulignent son inhumanité. Mais en retrouvant son amour perdu, il devient un jeune dandy au charme envoûtant dont la délicatesse et la mélancolie touchent au coeur.

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La Forme de l'Eau (The Shape of Water)

Publié le 23 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Del Toro (Guillermo), #Fantastique, #Thriller, #Drame, #Horreur

Guillermo del Toro (2017)

"La Forme de l'Eau" mérite sa réputation par sa richesse narrative et formelle nourrie de multiples références sans que pour autant le film n'y perde en originalité et en personnalité. La filiation avec "Le Labyrinthe de Pan", l'œuvre phare de Guillermo Del Toro est très forte. Le fantastique et l'atmosphère onirique de conte servent dans les deux cas à protéger une innocente de la brutalité de la guerre et de ses suites (espagnole dans "Le Labyrinthe de Pan", froide dans "La Forme de l'Eau"). Celle-ci est incarnée à chaque fois par un ogre terrifiant, incarnation la plus brutale du mâle alpha tueur et tortionnaire. Dans les deux cas aussi, l'eau enveloppe et protège comme à l'intérieur d'un ventre maternel (de manière littérale dans "La Forme de l'Eau", symbolique dans "Le Labyrinthe de Pan" où l'héroïne s'appelle Ofelia) alors que le corps des ogres est mutilé (les doigts putrescents de Strickland équivalent à la joue entaillée de Vidal avec l'élément liquide en plus). Ces différents niveaux de réalité sont représentés spatialement de façon verticale (surface/monde souterrain dans "Le Labyrinthe de Pan", premier étage où flottent en apesanteur Elisa et son voisin/cinéma au rez-de-chaussée qui nourrit l'imaginaire/laboratoire bunkerisé qui contient les forces obscures qui nourrissent l'imaginaire en surface).

"La Forme de l'Eau" bien que se situant dans les années 50-60 au temps de la guerre froide nous parle d'une guerre bien actuelle. Guillermo Del Toro est d'origine mexicaine et son film est traversé par la barda. Il s'offre la jouissance (et nous la offre) de la revanche des opprimés sur l'oppresseur. D'un côté les minorités ethniques latinos et noire, les handicapés, les homosexuels, les femmes et même un espion soviétique déserteur réunis sous la bannière du dieu "freak" homme-poisson. De l'autre le mâle wasp, incarnation aux USA du blanc dominateur qui affirme que dieu est humain et a un visage proche du sien. Celui qui tue, torture, harcèle, humilie mais qui incarne en surface l'american way of life bien propre sur lui avec sa maison, sa femme, ses enfants et sa Cadillac. C'est par l'objet de sa puissance phallique et destructrice qu'il nous est présenté, la première rencontre avec Elisa se fait dans les toilettes lorsqu'il pose son gourdin-taser sur le lavabo (principe masculin contre principe féminin). Sa bouche carnassière concassant des bonbons est aussi un leitmotiv marquant. C'est aussi toute sa faiblesse qui nous est montrée lorsqu'il s'avère incapable de concevoir qu'il s'est fait rouler dans la farine par ces femmes de ménage qu'il méprise. Son incapacité à sonder le mystère et la grandeur de l'autre lui est fatal.

Jean-Pierre Jeunet a récemment accusé Guillermo Del Toro d'avoir copié des séquences entières de "Délicatessen" dans "La Forme de l'Eau". Les ressemblances sautent en effet aux yeux. Le visuel de "La Forme de l'Eau" en tons bleu-vert-jaune comme à l'intérieur d'un aquarium et l'esthétique rétro rappellent "Délicatessen", du moins chez Elisa et son voisin. La scène où leurs pieds dansent en rythme avec la TV alors qu'ils sont assis sur le canapé existe à l'identique dans "Délicatessen" de même que celle de l'inondation de la salle de bain pour se créer une bulle d'amour avec l'âtre aimé face à l'hostilité du monde extérieur. Mais outre qu'il devrait être flatté d'être une source d'inspiration, lui-même n'est pas parti de rien comme le disait un article du magazine Utopia consacré à "Délicatessen" et daté de 1991 "C'est tout pompé sur l'immense Brazil! Mais c'est bien pompé, ça c'est sûr!". Guillermo Del Toro était d'ailleurs le premier à rappeler tout ce que lui et Jeunet devaient à Terry Gilliam, l'initiateur de cette esthétique rétro-futuriste et de ce ton à la fois romantique, onirique et joyeusement désespéré.

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Nosferatu le vampire (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

Publié le 22 Février 2018 par Rosalie210

Catégories : #Murnau (Friedrich Wilhelm), #Cinéma muet, #Fantastique, #Horreur, #Cinéma allemand

Friedrich Wilhelm Murnau (1922)

Nosferatu le vampire (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

Toute vie commence dans le sang qui accompagne la naissance et lorsque la mort est violente, elle se termine aussi dans le sang. Le sang symbolise à la fois la vie et la mort, le bien et le mal, la pureté et la souillure, le sacrement et le crime, il réunit dans une union étrange tous les contraires. Le sang est comme la couleur rouge, ambivalent : rouge clair, il est la vie, la force, le jour, l’action, la libération, rouge sombre, il prend le visage de la mort, du mystère, de la nuit, de la passion et de l’oppression.

Le plus puissant des mythes lié au sang est celui du vampire. Son origine remonte à la nuit des temps mais ses caractéristiques modernes ont été fixées par le livre de Bram Stoker, "Dracula" paru en 1897. Celui-ci ajoute en effet à toutes les ambivalences liées au sang celle de l'espèce, thème alors central dans la (pseudo)science du XIX°. Dracula est en effet mi-bête assoiffée de globules rouges, mi-aristocrate au "sang bleu". Et le film de Murnau, jalon essentiel de l'histoire du cinéma en est l'une des illustrations les plus fidèles même si pour une question de droits les noms et les lieux ont été changés. Quoique dans la version française en noir et blanc, les noms et lieux d'origine ont été depuis rétablis (sauf que l'épouse de Jonathan s'appelle Nina et non Mina).

La version de Murnau de 1922 n'est pas la première de l'histoire du cinéma mais c'est la plus ancienne qui a été conservée. Elle a tellement marqué les esprits que "Nosferatu" est devenu aussi célèbre que "Dracula" et a eu droit à un remake spécifique par Werner Herzog en 1979. Ce mot désigne en ancien slave "celui qui apporte la peste" (le terme de vampire serait lui apparu au XVIII° en Serbie et signifie chauve-souris, d'où l'équivalence fréquente avec cet animal). Car le vampire de par son pouvoir de contamination est celui qui propage la maladie, surtout lorsque celle-ci empoisonnait le sang (la peste bubonique débouchait sur une septicémie dans la plupart des cas). C'est ce qui conduira à la réactivation du mythe au temps du sida avec le "Dracula" de Francis Ford Coppola, très proche de Stoker et de Murnau. Et ce d'autant mieux que le vampire symbolise aussi bien la mort que le désir sexuel, la morsure étant un déplacement de l'acte sexuel lorsque celui-ci ne peut être montré directement. Chez Murnau qui était homosexuel, ce thème est sous-jacent mais bien présent étant donné que son vampire se repaît surtout de sang frais masculin (notamment celui des marins).

En distordant la réalité par un jeu d'ombres et de lumière, des accélérations et des ralentis quasi hypnotiques, des images positives et négatives, des filtres jaunes et bleus (dans la version allemande), Murnau nous immerge dans ce festival d'ambivalences. Son film appartient au courant expressionniste et exprime le surnaturel mais il a aussi quelque chose de naturaliste. Il est claustrophobique lorsqu'il nous enferme dans le manoir du comte ou sur le bateau (convoyeur bien connu de la peste). Et en même temps, il s'ouvre sur des horizons plus large et même dans une dimension cosmique. Les règnes animaux et végétaux ressentent l'approche du mal et le reproduisent. Le comte symbolise les ténèbres mais il est tué par la lumière symbolisée par Nina-Ellen, l'épouse de Jonathan-Hutter qui se sacrifie pour établir l'équilibre du monde menacé par les forces obscures. Murnau comme le reste de la société allemande a été traumatisé par l'hémorragie de sang jeune et vigoureux provoquée par la première guerre mondiale alors qu'une nouvelle peste se profilait, le parti nazi ayant été fondé en 1920 soit deux ans avant la sortie du film.

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