Cinepassion.over-blog.com

Les Cheveux d'or (The Lodger: A Story of the London Fog)

Publié le 22 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Hitchcock (Alfred), #Thriller, #Polar, #Drame, #Cinéma muet, #Cinéma britannique

Alfred Hitchcock (1927)

Les Cheveux d'or (The Lodger: A Story of the London Fog)

"The Lodger", troisième long-métrage (abouti et en solo) de Alfred Hitchcock est de son propre aveu son premier film personnel, même s'il s'agit de l'adaptation cinématographique du roman de Marie Belloc-Lowndes "L'Etrange locataire" inspiré de Jack L'Eventreur (qui avait déjà donné lieu à une pièce de théâtre à laquelle avait assisté Hitchcock). Manifeste à lui seul de la naissance d'un génie, il constitue la matrice de tout son cinéma à venir tout en étant le réceptacle de la quintessence de l'âge d'or du cinéma muet.

Si les cinéastes de l'âge d'or d'Hollywood ont conçu tant de chefs-d'oeuvre en dépit du grand nombre de films qu'ils ont réalisés c'est que la plupart ont commencé au temps du muet, la meilleure des écoles pour apprendre le récit cinématographique par l'image. Et Alfred Hitchcock a de plus assisté au tournage de l'un des chefs-d'oeuvre s'appuyant le moins sur les intertitres: "Le Dernier des Hommes" (1925) de Murnau. "The Lodger" est ainsi un film pétri de l'influence de l'expressionnisme allemand, Murnau bien sûr ("The Lodger" est économe lui aussi en intertitres) mais aussi Fritz Lang (le thème de la foule enragée et du lynchage fait penser à "M Le Maudit") (1931). Les éclairages très contrastés et les angles de prise de vue parfois biscornus font également penser à ce style ainsi que les illustrations qui accompagnent le titre et les intertitres.

Néanmoins, à partir de ces emprunts manifestes, Alfred Hitchcock développe son propre style et des thèmes qui deviendront les leitmotiv de toute son oeuvre. Les illustrations recourent à des motifs géométriques tels que le triangle et surtout le cercle et la spirale qui reviendront comme des obsessions dans des films ultérieurs. Les gros plans sur les visages des jeunes filles sur le point d'être massacrées en train de hurler d'effroi deviendront également récurrents jusqu'à "Frenzy". Les caractéristiques de leurs cheveux (blonds et bouclés) sont soulignées par un éclairage venu du dessous qui sera réemployé par exemple pour le verre de lait de "Soupçons". Par ailleurs on voit ainsi naître sous nos yeux la femme hitchcockienne, au moins physiquement. L'alternance de plans liés au meurtre et d'intertitres en forme d'enseigne clignotante de théâtre annonçant que l'on joue ce soir "Boucles d'or" a un caractère méta, cette distanciation ironique est aussi une signature de Alfred Hitchcock. De même que la proximité pour ne pas dire la fusion entre l'amour et la mort, l'amour naissant entre le locataire et Daisy pouvant être interprété à plusieurs reprises comme l'entreprise de séduction d'un prédateur envers sa proie (la manière de filmer ses gestes lorsqu'il tient un couteau ou un tisonnier laissant penser qu'il va l'agresser). Le flic amoureux de Daisy rapproche aussi Eros et Thanatos quand il évoque dans la même phrase la corde qui attend "l'Avenger" (surnom du tueur en série) et l'anneau qu'il veut passer au doigt de Daisy, sauf qu'il lui passe en réalité quelques instants les menottes qu'il a prévu pour le locataire (geste qui en dit long sur sa jalousie et le sort qui attend Daisy si elle l'épouse.) Autre idée majeure qui traverse le cinéma de Hitchcock: la dilatation du temps lors des scènes de suspense. Ainsi le plafond de verre illustre visuellement (puisqu'il n'y a pas de son) l'angoisse grandissante des parents de Daisy vis à vis de leur locataire lorsqu'il l'entendent faire les cent pas dans sa chambre située juste au-dessus d'eux et que l'on voit le lustre trembloter. Enfin pour la première fois, Alfred Hitchcock apparaît (à deux reprises même!) dans son propre film. Il ne s'agit pas alors d'un caméo clin d'oeil comme cela sera le cas plus tard mais de pallier au manque de figurants!

Mais ce qui fait de "The Lodger" le premier grand film de Alfred Hitchcock n'est pas tant la mise en place de procédés, de figures ou même de thèmes fétiches que la manière dont est traité le personnage principal et ce qu'il déclenche chez les autres. Sans identité propre (il n'est connu que par son statut, celui de locataire), il apparaît comme l'intrus venu de l'extérieur qui catalyse toutes les craintes de la famille qui l'héberge. Son lynchage apparaît comme le dénouement logique de ce mécanisme bien connu de projection du monstre qui est en soi, celui du bouc-émissaire. La mise en scène est d'ailleurs extrêmement christique (l'homme est pendu par les menottes à une grille et lorsqu'on le détache, on est proche de la descente de croix). Si le jeune homme est suspect, ce n'est pas seulement une question de coïncidences malheureuses c'est aussi lié à sa différence. Fragile, efféminé, il ne peut pas voir (littéralement) les jeunes filles blondes en peinture ce qui laisse entendre, (outre qu'il pourrait être le meurtrier) qu'il est homosexuel. Cela ne semble pas arrêter Daisy qui est attirée par lui au grand dam de son soupirant flic pataud et de ses parents. Cela donne des plans troublants, en particulier celui du baiser. Hitchcock a souvent filmé ceux-ci en gros plan et ce qui ressort ici, c'est l'impression de gémellité comme s'il embrassait son miroir. On a donc une plongée dans les abysses de la sexualité trouble (thème favori de Hitchcock) qui peut faire de ce jeune homme le premier de la longue lignée des faux coupables de la filmographie hitchcockienne ou bien le père de Norman Bates*.

La modernité de "The Lodger" suscita des réactions négatives de la part des distributeurs qui n'y comprenaient rien d'autant que le réalisateur de la firme pour laquelle avait travaillé Hitchcock avait entrepris un travail de sape (dicté sans doute par la jalousie). Mais grâce au producteur qui croyait au film, celui-ci put sortir et fut un triomphe: la carrière de Alfred Hitchcock était lancée!

* Le happy-end a été imposé à Alfred Hitchcock en raison de la notoriété de Ivor Novello alors que celui-ci aurait préféré conserver une fin ouverte. Cela préfigure "Soupçons" qui a beaucoup de points communs avec "The Lodger" dont un acteur charismatique dont il fallait préserver l'image!

Voir les commentaires

Le Pouvoir du Chien (The Power of the Dog)

Publié le 21 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Campion (Jane), #Western, #Drame, #Réalisatrices, #LGBT

Jane Campion (2021)

Le Pouvoir du Chien (The Power of the Dog)

"La faiblesse est un crime" peut-on lire sur la page de couverture d'une revue intitulée "Physical culture" et peuplée de photos d'hommes nus. On est environ à la moitié du film et Peter, l'étudiant en chirurgie efféminé qui est la risée de tous les cow-boys du ranch où vit sa mère vient de découvrir la cachette -et le secret- du pire d'entre eux, Phil (Benedict Cumberbatch, interprète idéal des mâles ambigus et névrosés). Celui-ci se baigne nu non loin de là juste après avoir fait glisser sur son corps un foulard ayant appartenu à son mentor, Bronco Henry (chez Jane Campion, le sens tactile est un moyen vital d'interaction avec le monde sensible). Seul, évidemment. Sous le regard des autres, Phil a revêtu depuis longtemps le costume du mâle alpha en recouvrant son passé étudiant mais aussi son homosexualité sous une bonne couche de crasse et de rudesse pour ne pas dire de cruauté. Empoignant les testicules des animaux à castrer à pleine main, chevauchant pendant des heures, effectuant les travaux les plus durs, tout est bon pour mettre en scène sa virilité. Or on le sait, surjouer à ce point la virilité et écraser ceux qui la mettent en danger est un signe de trouble identitaire. Le frère de Phil, beaucoup plus doux et policé fait entrer la discorde au ranch lorsqu'il se marie avec Rose (Kirsten Dunst), la mère de Peter. Phil qui ne supporte pas sa présence décide de l'anéantir et il est en voie d'y réussir lorsque Peter découvre son secret. Peter et lui développent alors une relation semblable à celle qu'a vécu Phil avec Bronco Henry à ceci près que Peter n'a qu'une idée en tête: sauver sa mère des griffes du prédateur. Et pour cela il a les armes de son savoir mais aussi une dureté forgée au contact des humiliations subies. Il sait se montrer cruel et impitoyable avec les êtres vivants et vis à vis de Phil, il fait figure d'ange de la mort. Parmi les scènes les plus fortes du film, il y a celle, très sensuelle forcément où les deux hommes échangent une cigarette c'est à dire mélangent leurs fluides. Sauf que Peter a empoisonné ceux de Phil avec le cuir d'une vache malade: le plan où celui-ci le saisit à pleine main dans l'eau alors qu'il a une profonde plaie qui saigne est lourd de signification.

Le film de Jane Campion est une déconstruction du western qui fait quelque peu penser au "Secret de Brokeback Mountain" ou si on remonte plus loin au "Reflets dans un oeil d'or" de John Huston (qui n'est pas un western mais étudie dans un milieu ultra-viril, celui de l'armée le désir refoulé du major Penderton pour le soldat Williams, lequel aime chevaucher nu dans la forêt). Offrant des scènes sublimes de grands espaces (même si son film est aussi un huis-clos étouffant), il est dommage qu'il ne soit visible que sur petit écran. Mais Netflix a eu le mérite de permettre à Jane Campion de réaliser enfin un long-métrage, 12 ans après "Bright Star" dont l'originalité par rapport aux autres est de centrer l'histoire sur des personnages masculins ou plutôt sur la féminité refoulée dans les comportements masculins toxiques plutôt que de montrer le monde par les yeux d'une femme. Et celui-ci est une réussite.

Voir les commentaires

Amnesia

Publié le 20 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Schroeder (Barbet), #Film d'histoire ou de mémoire, #Drame, #Ganz (Bruno)

Barbet Schroeder (2015)

Quarante-six ans après son premier long-métrage, More (1969), Barbet Schroeder revient à Ibiza, dans la maison de sa mère pour y dévoiler (un peu) de son histoire. "Amnesia" raconte en effet l'histoire d'une allemande qui a choisi de s'exiler à Ibiza à la fin de la guerre et de couper tous les ponts avec son pays natal, refusant notamment d'en parler la langue*. A ce reniement de ses origines s'ajoute le repli sur soi, Martha vivant en ermite c'est à dire dans la solitude et la frugalité, coupée des autres dans une sorte de bulle routinière hors du temps. Jusqu'à ce qu'un jeune homme qui pourrait être son fils débarque dans la maison voisine (qui est cependant loin d'être mitoyenne) et ne sympathise avec elle. Martha et Jo se découvrent des points communs: l'origine allemande qui les oblige à faire un travail d'introspection et à sortir de leurs croyances et certitudes mais aussi la danse et la musique qui la conduit à rejouer du violoncelle alors que son cadet DJ rêve de se produire à "L'Amnésia" (titre qui fait référence à ce club aussi bien qu'à la mémoire allemande). Si les dialogues sont parfois maladroits tant ils sont démonstratifs (comme certains passages que l'on peut juger ridicules), ils ne sont pas simplistes pour autant car il y a pas de jugement de la part du réalisateur. La stratégie de fuite et de table rase de Martha n'est ni pire ni meilleure que celle de la mère de Jo qui a consisté à laisser le passé dans l'ombre pour reconstruire le présent. Quant au grand-père (joué par Bruno Ganz), il a transformé son histoire pour la rendre supportable à ses propres yeux mais le film montre que le mensonge est aussi une stratégie de survie.

Si le film est un huis-clos à ciel ouvert très théâtral dans son dispositif, il est illuminé par les paysages, la lumière et la prestation remarquable de Marthe Keller (l'inoubliable Fedora de Billy Wilder) qui obtient un rôle de femme mystérieuse et désirable à 70 ans.** Car la désaffiliation de son personnage brouille les repères générationnels. La relation avec Jo est ambigüe, entre amitié et séduction amoureuse mais lorsqu'elle finit par lui dire non, elle se transforme en relation filiale et Martha réintègre alors un arbre généalogique: c'est le sens des premières et des dernières images.

* Langue maternelle de la mère de Barbet Schroeder, celle-ci ne lui a pourtant pas été transmise.

** J'ai pensé à "Harold et Maude" et ce d'autant plus que Maude et Martha sont des dames âgées dont la situation de marginalité est liée dans les deux cas aux traumatismes du nazisme même si elles se situent à l'opposé l'une de l'autre (Maude parmi les victimes et Martha dans le clan des bourreaux).

Voir les commentaires

Madres Paralelas

Publié le 19 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Almodovar (Pedro), #Drame, #Cinéma espagnol, #LGBT

Pedro Almodovar (2021)

S'il fallait résumer d'une seule phrase le dernier film de Pedro Almodovar, ce serait celle-ci: les femmes sont à la fois les dépositaires du passé et celles qui garantissent l'avenir. Et cela vaut aussi bien à l'échelle de la généalogie familiale qu'à celle de l'histoire d'un pays. Pedro Almodovar n'établit pas seulement en effet un parallèle entre deux mères d'âge différent dont les bébés ont été échangés à la naissance (intrigue téléphonée qu'on a déjà vu dans plusieurs films). Il va beaucoup plus loin en montrant comment les cicatrices non refermées du franquisme pèsent sur des descendants étrangement absents. En effet ce qui frappe dans ce film, c'est la quasi absence des hommes: disparus au cours de la guerre civile, ils semblent ne pas avoir véritablement réapparus, sinon sur des photos. Le film s'ouvre d'ailleurs sur un shooting photo durant lequel Janis (Penelope Cruz, charismatique comme dans tous les films qu'elle a tourné avec Pedro Almodovar) mitraille Arturo l'historien qui devient également le père de son bébé. Elle exprime ainsi son désir (on remarque au passage l'inversion des rôles genrés dans ce type de situation par rapport à la norme, cela mériterait d'ailleurs une rétrospective) mais aussi le fait qu'il est voué comme l'arrière-grand-père qu'elle recherche à disparaître parce qu'il est marié mais peut-être et surtout parce qu'il ne se reconnaît pas dans le bébé (et pour cause!). Janis l'efface alors de sa vie et décide de garder le secret lorsqu'elle découvre qu'elle n'est pas la mère biologique de l'enfant qu'elle élève. Cependant elle ne peut y parvenir durablement. Car tout le film est construit ainsi comme un relevé d'indices, de traces permettant de reconstituer une lignée mise à mal. Même si ça lui fait mal, Janis ne peut pas d'un côté chercher à faire la lumière et de l'autre, la fuir. Et on voit bien les dysfonctionnements que provoque son silence vis à vis d'Arturo qui l'aide à clarifier son passé et qui donc a un rôle à jouer dans son avenir, vis à vis d'Ana, l'autre mère qui ne sait pas quelle place occuper (amie, nounou, amante) sans parler de l'enfant biologique de Janis, quasiment mort-né. Les parallèles que tissent Pedro Almodovar lient ainsi inextricablement passé et futur et passent par le ventre des femmes mais aussi par leur rôle de gardiennes d'une mémoire longtemps occultée et enfin exhumée*.

* Le film fait référence à la loi sur la mémoire historique de 2007 qui n'allait pas assez loin dans l'engagement du gouvernement en faveur de la réparation des torts faits aux victimes du franquisme par souci de ménager une société encore très divisée sur la question. Ainsi la recherche et l'ouverture des fosses communes dans lesquelles 130 mille personnes ont été ensevelies dépendait des associations privées et les subventions publiques ont été coupées quand la droite est repassée au pouvoir. Une nouvelle loi dite de la mémoire démocratique est en projet pour le début de l'année 2022. Elle condamne sans ambiguïté le coup d'Etat de 1936 et débloque les subventions publiques pour cartographier et ouvrir les 3000 fosses communes du pays ainsi que pour identifier les corps en constituant une banque ADN. Mais elle suscite une forte résistance de la droite et de l'extrême-droite.

Voir les commentaires

Le Masque de cuir/L'Arène (The Ring)

Publié le 18 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Hitchcock (Alfred), #Drame, #Thriller, #Cinéma muet, #Cinéma britannique

Alfred Hitchcock (1927)

Sur le fond, "L'Arène" est archi-classique. Son titre en VO "The Ring" annonce d'ailleurs la couleur: il y sera question de boxe et d'adultère autour d'un classique triangle amoureux: Nellie, la femme (Lilian Hall-Davis)*, Jack, le mari (un boxeur amateur qui va gravir les échelons joué par Carl Brisson) et Bob, l'amant (un champion de boxe joué par Ian Hunter). Sur la forme en revanche, le film muet de Alfred Hitchcock (le premier dont il a signé le scénario) est bouillonnant d'idées et offre déjà de grands morceaux de bravoure. A commencer par celui du début dans une fête foraine qui est assez virtuose de par son caractère immersif et offre en prime un aspect documentaire. On y voit en effet le goût de l'époque pour l'exhibition des monstres de foire ainsi que des jeux d'adresse consistant à faire tomber cul par dessus tête un homme noir, exutoire aux pulsions racistes de l'époque**. Alfred Hitchcock filme d'ailleurs le regard complice du policier censé éviter les abus (jets d'oeufs) avant qu'il ne soit "rappelé à l'ordre". Puis une mise en scène particulièrement inventive introduit le trio et instaure d'emblée un rapport de forces favorable à Bob qui rompt l'illusion du boxeur invincible sur laquelle reposait l'attraction de "One-Round Jack" en l'aplatissant en deux rounds. Et pour illustrer l'emprise qu'il a désormais sur le couple, Alfred Hitchcock a l'idée (déjà!) des inserts sur un objet symbolique: un bracelet égyptien en forme de serpent qu'il offre à Nellie. Le gros plan lors du mariage où le bracelet glisse du bras vers l'avant-bras juste au moment où Jack lui met l'anneau au doigt est particulièrement significatif (une alliance contre une autre alliance). Mais la métaphore court tout au long du film, de la récupération de l'objet tombé à l'eau par Jack qui accepte l'intrusion de Bob dans leur vie parce qu'il lui a promis d'être un tremplin pour sa carrière jusqu'au moment où il l'arrache du bras de sa femme quand il comprend que celle-ci le trompe avec Bob avant que Nellie n'abandonne l'objet quand elle se détache de lui pour retourner auprès de Jack. Autre élément imparable d'efficacité visuelle: le nom de One-Round Jack qui grossit et monte sur les affiches au fur et à mesure qu'il progresse dans sa carrière. Enfin le combat final est d'une grande lisibilité et aussi d'une grande puissance grâce notamment au montage et à la variété des angles de prise de vue (larges, serrés et même subjectifs). "L'Arène" n'est certainement pas un film majeur de Alfred Hitchcock mais il permet de comprendre en quoi le cinéma muet lui a permis de devenir un grand cinéaste du parlant.

* Lilian Hall Davis a joué dans deux films muets avec Alfred Hitchcock mais bien qu'anglaise, elle a également plusieurs fois tourné dans des films français, italiens ou allemands (dont "La Proie du vent" de René Clair que j'ai beaucoup aimé). Sa carrière s'arrêta avec l'avènement du parlant et elle sombra dans la dépression avant de se suicider en 1933. Carl Brisson qui joue son mari dans "L'Arène" et qui avant de devenir acteur était réellement boxeur fit partie de ceux qui fleurirent sa tombe. Lui aussi a tourné deux fois pour Hitchcock au temps du muet.

** Dans "Olli Mäki" qui date de 2016 mais dont l'action se situe en 1962, on voit une scène de fête foraine très semblable consistant à lancer des balles contre le support fragile sur lequel des femmes ont pris place jusqu'à ce que celui-ci cède et que les femmes tombent à l'eau.

Voir les commentaires

Les Beaux Gosses

Publié le 17 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Sattouf (Riad), #Comédie dramatique, #Teen-movie, #Satrapi (Marjane), #Sfar (Joann), #Lvovsky (Noémie)

Riad Sattouf (2008)

"Les Beaux Gosses" ce n'est pas "De Nuremberg à Nuremberg" mais "De la BD à la BD". Le film, sorti en 2009 est la libre adaptation par Riad Sattouf de deux de ses bandes dessinées consacrées à la jeunesse, "Le manuel du puceau" (2003) et "Retour au collège" (2005). En 2021 paraît le premier tome de la série "Le jeune acteur" qui revient sur l'histoire du premier film de Riad Sattouf mais pour se focaliser cette fois sur Vincent Lacoste dont c'était le premier rôle au cinéma. Sattouf y explique notamment comment il lui a fallu faire un casting sauvage dans les collèges pour y dénicher un adolescent aux prises avec les ravages biologiques de la puberté et non une belle image léchée très éloignée de "l'âge ingrat" telle qu'il voulait le représenter à l'écran. Un adolescent ordinaire plutôt timide et complexé qui n'avait jamais rêvé d'être acteur et qui n'était pas spécialement doué au départ. Mais qui a appris très vite le métier (en travaillant...) avec le résultat qu'on connaît: un vilain petit canard devenu depuis un beau cygne ^^.

C'est ce souci de réalisme ainsi que le ton sarcastique qui l'accompagne qui fait de "Les Beaux Gosses" un teen-movie savoureux* et non son intrigue (un récit d'apprentissage à base de "pelles" et de "râteaux"). En effet dès les premières images, on est dans le vif du sujet, au plus près de visages gras et boutonneux s'embrassant goulûment, bref on sait qu'on va parler de choses très organiques et pas forcément ragoûtantes. De fait les premiers émois amoureux et sexuels de Hervé (Vincent Lacoste) s'inscrivent dans un corps disgracieux et gauche, affublé d'un petit rire niais (et bagué évidemment) devant les situations gênantes qu'il vit avec sa première copine, Aurore: la technique du baiser qu'il faut perfectionner, l'éjaculation précoce et puis les détails concrets du corps de l'autre qui peuvent faire peur voire dégoûter (des pieds sales par exemple). Ladite Aurore n'est pas elle-même plus à l'aise. On comprend à demi-mot que son attirance pour Hervé est liée au manque d'assurance de celui-ci (parce que justement c'est rassurant) et elle refuse ses caresses dès qu'elles deviennent plus poussées. Evidemment comme si cela n'était pas déjà assez compliqué comme ça, Camel (Anthony Sonigo) le copain de Hervé collant, obsédé et si possible encore plus frustré ne fait rien pour arranger les choses et ne cesse de s'incruster. De même que la mère de Hervé divorcée, collante, obsédée et si possible encore plus frustrée (Noémie Lvovsky). Bref, Hervé a la lose qui lui colle aux baskets et le comique jaillit évidemment du décalage entre les efforts qu'il fait pour donner l'apparence qu'il contrôle la situation et une réalité qui ne cesse de lui échapper.

En dépit de son caractère très ancré dans la réalité hormonale des adolescents, le film de Riad Sattouf a aussi quelques liens avec la BD. De nombreux amis bédéastes célèbres y font des apparitions clin-d'oeil (de Marjane Satrapi à Joann Sfar). Les personnages ont une dégaine facilement transposable dans l'univers de la BD (dont une tenue vestimentaire faite pour leur coller à la peau). Une des raisons qui a poussé Riad Sattouf à choisir Vincent Lacoste était justement le fait qu'il semblait sortir d'une planche de ses BD (et comme je le disais au début il a fini par devenir un personnage de BD). Enfin le générique est traité à la manière d'une série de vignettes de BD ce qui accentue la drôlerie des chutes humoristiques.

* Evidemment on pense aux films américains spécialisés dans le genre et notamment à "American Pie", la masturbation étant une des principales activités de "Les Beaux Gosses" ^^.

Voir les commentaires

After life (Wandafuru raifu)

Publié le 16 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Kore-Eda (Hirokazu), #Drame, #Fantastique, #Cinéma d'Asie, #Cinéma japonais

Hirokazu Kore-Eda (1998)

Très beau film que ce deuxième long-métrage de Hirokazu Kore-Eda (après "Maborosi") qui m'a moins rappelé "Le Ciel peut attendre" de Ernst Lubitsch que "Le Testament d'Orphée" de Jean Cocteau. C'est sans doute une question de décorum et de sens poétique. Les deux films ont pour cadre un bâtiment vétuste dans un no man's land austère qui rappelle les écoles d'autrefois ou les bureaux administratifs. De plus les défunts en transit vers l'au-delà sont accueillis dans ces limbes par de drôles d'émissaires aux allures de fonctionnaires qui les soumettent à un interrogatoire. Celui-ci est le support d'une belle mise en abyme du travail de cinéaste qui consiste à capturer des instants de vie afin de les fixer pour l'éternité ou bien de les reconstituer. En effet les défunts doivent choisir dans leur passé leur plus beau souvenir ce qui s'apparente à un travail scénaristique. Celui-ci sera ensuite mis en scène sur un plateau de tournage et le film obtenu sera projeté en salle, permettant à son auteur de partir dans l'au-delà avec pour seul souvenir de sa vie terrestre, celui qu'il aura choisi. Ceux qui ont perdu la mémoire ou qui hésitent peuvent revoir des morceaux choisis de leur vie sur autant de cassettes vidéos que d'années vécues (alors que les souvenirs reconstitués sont eux filmés sur pellicule et mis en bobine) mais ils n'ont que trois jours pour se décider, sous peine de rester coincé dans les limbes et de devoir accueillir à leur tour les défunts. Le cycle doit en effet être terminé en une semaine afin de pouvoir recommencer le lundi suivant avec de nouveaux morts et le film est scandé par le rythme des journées qui s'égrènent du lundi au dimanche.

Cependant le film de Hirokazu Kore-Eda est avant tout humaniste et cette réflexion sur la mort est aussi une réflexion sur la vie. On constate d'abord le primat des sens dans les souvenirs comme l'a si bien immortalisé Proust dans sa recherche du temps perdu: la vue (une couleur vive, la forme des nuages), le toucher (la sensation de la brise sur la peau), le goût (les boulettes de riz) ou encore l'ouïe (le bruit d'un tram, une chanson) sont déterminants. Ensuite le cheminement des défunts renvoie ceux qui n'ont pas réussi à partir à leurs propres interrogations sur la mort (c'est à dire en réalité sur le sens de leur propre vie), leur permettant éventuellement d'avancer dans la connaissance d'eux-mêmes et donc de franchir le pas. Mais tous les choix sont possibles et également respectables. Certains ont d'excellentes raisons de rester dans l'entre-deux des limbes. Par exemple Satoru (joué par Susumu Terajima, pilier des films de Takeshi Kitano) explique qu'il ne partira définitivement que lorsque sa fille sera adulte, afin de l'accompagner même s'il ne peut la rencontrer que le jour des morts. On remarque à ce propos la similitude des croyances sur les connexions entre vivants et morts dans nombre de sociétés traditionnelles puisque cet argument est à la base du film "Coco" de Lee Unkrich pour les studios Pixar qui s'appuie sur la culture mexicaine*. "After life" aboutit d'ailleurs au même résultat qui est d'apprivoiser (et de dédramatiser) la mort, de la rendre plus douce et de la considérer non comme en rupture mais comme en continuité avec la vie, le début d'une nouvelle aventure plutôt que la fin de tout.

* On peut également penser à la saga Harry Potter où les morts restent très présents sous différentes formes dans la vie des vivants et où il existe également un monde de limbes, celui des fantômes.

Voir les commentaires

Marie-Francine

Publié le 15 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Lemercier (Valérie), #Comédie dramatique, #Réalisatrices

Valérie Lemercier (2017)

"Marie-Francine" n'est peut-être pas la comédie du siècle mais elle se situe un cran au-dessus de la moyenne hexagonale. Son premier atout: sa charge satirique basée sur une justesse d'observation des inégalités (sociales, sexuelles, générationnelles) qui traversent la société française vues à travers un microcosme familial élargi. Son deuxième atout: le soin particulier apporté aux seconds rôles qui donnent toute sa saveur à ce microcosme. Les parents de Marie-Francine se taillent la part du lion en ce domaine. Hélène VINCENT et Philippe LAUDENBACH sont désopilants en grands bourgeois du XVI° aussi hypocrites que remplis de petites manies. A travers eux, on ressent comme rarement dans le cinéma français la réalité de la captation du patrimoine par les seniors au détriment de leurs enfants beaucoup plus précaires. Car l'autre coup de griffe bien senti de Valérie LEMERCIER s'adresse à l'institution du mariage bourgeois et au-delà à la domination du patriarcat. Alors que le mari de Marie-Francine (Denis PODALYDÈS) la largue d'une manière particulièrement indélicate pour une femme plus jeune, c'est elle qui se retrouve à payer les pots cassés tandis que seule sa mère subit des commérages sur ses relations extra-conjugales (considérées comme normales lorsqu'il s'agit du père).

Alors effectivement, on peut considérer que l'ajout d'une intrigue romantique dans un but évident de rééquilibrage est maladroit. Elle ne s'élève pas à la hauteur de la comédie satirique et il y a même des moments où l'on sent un peu trop les ficelles, néanmoins Patrick TIMSIT est charmant en "prince charmant" de la cuisine roborative et bien secondé (lui aussi) par Nadège BEAUSSON-DIAGNE et pas seulement aux fourneaux!

Voir les commentaires

Olli Mäki (Hymyilevä Mies)

Publié le 14 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Kuosmanen (Juho), #Biographie, #Cinéma finlandais

Juho Kuosmanen (2016)

Ca donne quoi, un film de boxe non américano-centré? Et bien un film où la place de la boxe est décentrée justement. C'est le joli pas de côté qu'effectue pour son premier film le réalisateur finlandais Juho KUOSMANEN. C'est en effet avec beaucoup de tendresse pour son personnage (inspiré du véritable Olli Mäki, premier finlandais à avoir boxé en championnat du monde en 1962) et une bonne dose de distance salutaire vis à vis du sport-business et des valeurs qu'il véhicule qu'il nous raconte cette "anti success story". Ou plus exactement qu'il superpose deux récits. Celui véhiculé par les médias, les autorités et l'entraîneur qui instrumentalisent Olli Mäki, que ce soit pour l'argent qu'il peut rapporter, pour vivre une gloire par procuration ou pour des objectifs nationalistes au travers du sport-spectacle. Et celui de Olli Mäki dont la personnalité va complètement à l'encontre de tout ce cirque et des enjeux qui l'accompagnent. Olli Mäki aime boxer et a les qualités athlétiques et techniques requises pour le haut niveau mais il lui manque l'adhésion au sport-business*. C'est au contraire un homme simple, rêveur, contemplatif et amoureux dont le désir véritable est qu'on le laisse vivre en paix. Sa résistance passive à toutes les pressions et sollicitations dont il fait l'objet s'accompagne pour reprendre le slogan d'ATTAC de la vision d'un autre monde possible: le sien, amoureux et poétique (car toutes les scènes où il se régénère seul dans la nature sont extrêmement belles). Lorsque sa voiture tombe en panne au début du film, sa réaction est éloquente. Au lieu de la faire réparer, il prend une bicyclette pour se déplacer avec la fille qu'il aime juchée dessus. Soit la trajectoire inverse de Gianni dans "Nous nous sommes tant aimés" (1974) qui largue bicyclette et fiancée pauvre pour se vendre à la bourgeoisie. Bref "Olli Mäki" sous ses allures de film modeste tient un discours politique très engagé qui fait tout son intérêt.

* Fabien Ollier, auteur de plusieurs livres sur l'aliénation sportive contemporaine et directeur de la publication militante "Quel Sport?" qui critique la domination idéologique du capitalisme sur l'institution sportive définit ainsi le sport-système: "système institutionnalisé de pratiques compétitives à dominante physique réglementées universellement, qui a pour finalité l’émergence du champion, du record, de l’exploit grâce à la mesure normalisée, à la comparaison permanente et à la confrontation mondialisée d’individus typifiés (femmes entre elles, hommes entre eux, non-valides entre eux, vieux entre eux, etc.), hiérarchisés (premier, deuxième, troisième, etc.) et conditionnés (« valeurs », « lois », méthodes, techniques). Ce système unifié qui n’est en rien réductible à la somme des pratiques sportives qu’il diffuse, repose sur une bureaucratie (des permanents, des technocrates, des gestionnaires, des managers, des « experts », etc.), des capitaux importants (fonds d’investissement, partenariats commerciaux, sponsors, caisses noires, etc.) et des techniques de propagande (spectacles, publicité, exhibitions, mythes, bavardages, commérages, etc.). Soit exactement ce que rejette Olli Mäki dont on ressent le malaise dès qu'il s'agit de faire des photos publicitaires ou le décalage avec le discours attendu dès qu'il participe à une conférence de presse et ce malgré les efforts de son entraîneur pour qu'il rentre dans la norme.

Voir les commentaires

Meurtre (Murder!)

Publié le 13 Décembre 2021 par Rosalie210

Catégories : #Hitchcock (Alfred), #Polar, #Thriller, #Drame, #Cinéma britannique

Alfred Hitchcock (1930)

Troisième film parlant de Alfred HITCHCOCK, "Meurtre" souffre d'une sérieuse baisse de rythme (et d'inspiration) en son milieu. Le début et la fin sont en revanche assez remarquables au niveau de la mise en scène et des thèmes traités. Car ce n'est pas un simple "whodunit" mais une réflexion sur l'interaction entre l'art et la vie, les apparences et la réalité. Le monde est filmé comme un théâtre ("Meurtre" est déjà un méta-film!) dans lequel s'agite une troupe de comédiens mêlés à une affaire de meurtre avec une coupable idéale (thème obsessionnel de Hitchcock). On pense beaucoup à "Douze hommes en colère" (1957) lors de la scène de délibérations des jurés. Sauf qu'il s'agit de son miroir inversé: la majorité triomphe de la minorité avec une puissance de persuasion suggérée par les cadrages et le montage qui mettent la pression sur celui qui ose penser différemment du troupeau. Homme qui se retrouve ensuite face à sa conscience lorsqu'il se regarde dans un vrai miroir en écoutant l'ouverture de "Tristan et Isolde" de Wagner. Pour élucider le mystère du véritable meurtrier, Sir John doit en effet traverser le miroir grâce aux artifices de son métier dans un va-et-vient entre vrai et faux qui fait penser à "Jeu dangereux" (1942). Sans surprise, la sexualité est au coeur du comportement du meurtrier qui tente non de cacher qu'il est métis (comme cela est dit) mais homosexuel (ce qui est suggéré visuellement mais ne peut être dit ouvertement). Par ailleurs, le film est encore marqué par le style expressionniste de l'époque du muet. La scène d'ouverture fondée sur un travelling dans une ruelle sombre au décor semblant fait de carton-pâte ou bien celle dans laquelle on voit l'ombre de la potence grandir sur le mur de la prison au fur et à mesure que les heures s'égrènent sont remarquables.

Voir les commentaires

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article

Partager cet article