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Apocalypse Now

Publié le 2 Mai 2023 par Rosalie210

Catégories : #Coppola (Francis Ford), #Film d'histoire ou de mémoire, #Film de guerre, #Drame, #Action, #Aventure, #Hopper (Dennis)

Francis Ford Coppola (1976)

Après "L'Esprit de la ruche" (1973) il y a quelques jours qui évoquait l'imaginaire d'une petite fille face à la mort dans un contexte de dictature franquiste, "Apocalypse Now" (1976) est le deuxième film que je visionne baignant presque entièrement dans la lumière dorée des heures magiques de l'aube et du crépuscule, prolongées en nocturne par la lueur des flambeaux. Le dantesque chef-d'oeuvre que Francis Ford COPPOLA a consacré à la guerre du Vietnam est un voyage dans l'espace-temps dont la dernière demi-heure atteint des sommets de mysticisme magnifié par la renversante photographie. Le colonel Kurtz (Marlon BRANDO) et son alter ego le capitaine Willard (Martin SHEEN) sont filmés comme des idoles de sang et d'or à demi noyées dans l'obscurité. Des idoles condamnées à un crépuscule éternel. Car si le film s'ouvre et se ferme sur "The End" des Doors, il est composé comme une relecture de la tétralogie de Wagner: l'Or du Rhin, c'est le fleuve Congo de la nouvelle de Joseph Conrad "Au coeur des ténèbres" ayant servi de base scénaristique au film. C'est aussi une métaphore: "Apocalypse now" est un film-fleuve. C'est enfin le Nung, nom du fleuve vietnamien que remonte Willard et son équipage à la recherche du colonel Kurtz devenu un seigneur de la guerre vivant avec ses fidèles à la frontière du Cambodge. Pour avoir accès au fleuve, Willard doit faire appel au lieutenant-colonel Bill Kilgore (Robert DUVALL) qui lui fraie un chemin avec sa cavalerie d'hélicoptères au son de la chevauchée des Walkyries. Une séquence entrée dans la légende du cinéma d'autant que l'épique y est modéré par l'horreur et le grotesque qui souligne que Francis Ford COPPOLA n'est pas dupe des images qu'il filme en coupant court à toute héroïsation. Car personne n'a oublié la petite phrase de Kilgore regardant brûler la jungle avec satisfaction "j'aime l'odeur du napalm le matin" alors que sur son ordre deux de ses hommes surfent en terrain pas tout à fait conquis. Puis le film se mue en fleuve-movie oscillant entre séquences introspectives (la lecture des lettres de Kurtz qui "hante" l'ensemble du film bien avant qu'il ne se matérialise en chair et en os) et rencontres symboliques et oniriques qui forment autant de jalons expérimentaux dans la quête de ce nouveau Sigfried qu'est Willard. Outre des soldats abandonnés à eux-mêmes continuant absurdement le combat tels "Onoda, 10 000 nuits dans la jungle" (2021), l'une des plus saisissantes est celle des colons français qui a été rajoutée lorsque Francis Ford COPPOLA a pu remonter le film a postériori. Baignant elle aussi majoritairement dans une lumière crépusculaire, elle peut s'interpréter comme une halte au pays des revenants d'une époque révolue vivant en vase clos hors-sol, celle de l'Indochine française dont la disparition avait donné lieu à une première guerre dans laquelle les USA avaient soutenu la France. Francis Ford COPPOLA parvient ainsi à une rare osmose entre mythologie, histoire et critique: "La Charge héroïque" (1948) du lieutenant-colonel Kilgore avait elle-même de relents de conquête de l'ouest génocidaire du XIX° siècle. Et que dire de la fin avec son décor d'autel païen rempli d'offrandes sanglantes à un monstre terré dans son antre se prenant pour un Dieu et incarnant de même que la lumière en clair-obscur la dualité humaine ("qui fait l'ange fait la bête"). Monstre qui doit être sacrifié par un double adoubé sorti des eaux comme Nessie et devant lequel on se prosterne pour que l'Amérique puisse conserver la conscience claire.

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Shock corridor

Publié le 29 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Fuller (Samuel), #Drame, #Thriller

Samuel Fuller (1963)

C'est par le biais de Wim WENDERS que j'ai découvert Samuel FULLER. Il a fait une apparition en effet dans "L'Ami américain" (1977) avec d'autres cinéastes à qui Wenders souhaitait rendre hommage. Mais il n'est pas le seul à admirer Samuel Fuller. C'est le cas également de Jean-Luc GODARD (qui lui faisait faire déjà un caméo dans "Pierrot le fou") (1965), Quentin TARANTINO ou Jim JARMUSCH. Pourtant l'oeuvre de Samuel FULLER reste assez méconnue en France et donne également lieu à des malentendus. Ainsi "Shock Corridor" ne doit pas être pris au pied de la lettre. Ce n'est pas un documentaire sur l'asile psychiatrique, sinon Samuel Fuller n'aurait pas engagé Stanley CORTEZ, le chef opérateur de "La Nuit du chasseur" (1955) pour donner au film une ambiance expressionniste proche d'un film d'horreur en milieu clinique. Un choc des contraires en noir et blanc particulièrement brutal qui fait des étincelles, les aliénés non mis à l'isolement se retrouvant dans un long couloir rectiligne surnommé "La rue". Comme "Vol au-dessus d'un nid de coucou" (1975), il s'agit d'établir à travers la plongée dans ce microcosme d'exclus infiltré par un imposteur la critique d'un système politique et/ou social. Ce dernier est un individu cynique qui joue la comédie pour tirer un gain de son internement sans réaliser qu'il vend ainsi son esprit au diable. Ce n'est pas par hasard que l'URSS faisait interner ses dissidents afin de les briser. "Shock Corridor" qui se présente sous la forme d'une enquête journalistique (le premier métier de Samuel Fuller) sur un meurtre non résolu à l'intérieur de l'asile est une assez saisissante radiographie des maux de l'Amérique. Les trois témoins du meurtre représentent ainsi respectivement la guerre, le racisme et la bombe nucléaire (le film date de 1963, l'année suivant la crise des missiles à Cuba). Quant au journaliste, il est le parfait rejeton du système, un ambitieux aux dents longues qui préfère écouter sa hiérarchie dans l'espoir d'être primé plutôt que sa fiancée qui est la seule à comprendre d'emblée qu'il n'y survivra pas. De fait, son évolution fait froid dans le dos, depuis le moment où il est mordu par des nymphomanes (scène qui rappelle la mise à mort de Sébastian dans "Soudain l'été dernier" (1959), le sexe se muant en appétit carnassier et vampirique) jusqu'au moment où il lutte contre un mutisme qui menace de l'emmurer en lui-même avant qu'un final diluvien de vienne emporter sa raison. Le film aujourd'hui encore suscite le malaise de par ses scènes-chocs, notamment tout le passage autour du deuxième témoin, un afro-américain si aliéné par le discours suprémaciste qu'il se prend pour un membre du Ku Klux Klan.

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Promenade avec l'amour et la mort (A Walk with love and death)

Publié le 27 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Huston (John), #Film d'histoire ou de mémoire, #Drame, #Film de guerre

John Huston (1969)

Promenade avec l'amour et la mort (A Walk with love and death)

Le XIV° siècle en 1968, il fallait y penser! Les points communs entre la guerre de 100 ans et le soulèvement de la jeunesse occidentale contre les institutions ne semblent pas évident au premier abord. Pourtant John HUSTON entremêle les deux événements historiques (le Moyen-Age du film, la révolution de 1968 contemporaine du tournage) avec bonheur. Aux antipodes de la reconstitution historique spectaculaire et héroïque, il choisit d'adapter l'oeuvre de Hans Koningsberger avec une certaine humilité. Il parvient à rendre ces événements lointains intemporels et donc proches de nous. Pour cela, il fait le double choix du réalisme (comme Bertrand TAVERNIER) et de l'épure (comme Ingmar BERGMAN), le film se déroulant pour l'essentiel dans des paysages naturels (forêt, dunes) ou dans des décors dépouillés de châteaux et d'abbaye. Et il se concentre sur un aspect méconnu de la guerre de 100 ans et beaucoup plus important et structurant dans l'histoire de la France que ceux qui sont mis en avant dans les films consacrés à cette période: la guerre civile qui oppose les nobles aux paysans révoltés. En réalité cette guerre de castes a commencé dès la mise en place de l'ordre féodal vers l'an mille et s'est poursuivie par intermittences jusqu'à la Révolution française huit siècles plus tard (et même un peu plus tard comme le raconte Eugène le Roy dans "Jacquou le Croquant" qui se déroule sous la Restauration). La guerre de 100 ans étant une période de chaos, elle a entraîné la résurgence des actes de jacquerie contre les châteaux, férocement réprimés par les nobles et condamnés par l'Eglise. John HUSTON qui fait une brève apparition dans le film joue un noble "Robin des bois" qui soutient la paysannerie et accable particulièrement le puritanisme religieux, faisant ainsi le lien avec mai 1968. C'est en effet dans ce contexte troublé que deux jeunes gens déracinés, Heron de Foix et Claudia de Saint-Jean errent à la recherche d'un lieu où ils seraient libres de s'aimer en paix. Mais la violence rattrape partout le couple "love and peace" au point que leur désir de s'échapper par la mer apparaît de plus en plus comme une chimère. Il y a une parenté très frappante entre la dramaturgie de ce film et celle de "The African Queen" (1951) à savoir un rapprochement amoureux entre deux êtres a priori éloignés jetés dans un "trip movie" sur l'eau ou sur les chemins en pleine nature et en pleine guerre et ce jusqu'au final à savoir un mariage improvisé dans une situation désespérée. Ce sont les premiers pas à l'écran de Anjelica HUSTON alors âgée de 16 ans et dont la beauté singulière m'a fait penser à celle de Alana HAIM, l'interprète de Alana Kane dans "Licorice Pizza" (2021). Amusant quand on sait que son partenaire à l'écran, Assaf Dayan est le fils d'un héros de guerre israélien qui a préféré comme son personnage choisir la vie de bohème. John HUSTON aura eu ainsi la particularité d'avoir dirigé au cours de sa carrière son père, Walter HUSTON et sa fille, Anjelica HUSTON.

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L'Esprit de la ruche (El Espíritu de la colmena)

Publié le 25 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Erice (Victor), #Drame, #Fantastique, #Cinéma espagnol

Victor Erice (1973)

L'Esprit de la ruche (El Espíritu de la colmena)

"L'Esprit de la ruche", premier film de Víctor ERICE se présente comme un conte avec l'expression "Il était une fois" renvoyant à un espace-temps indéterminé symbolisé par une magnifique et surréelle lumière dorée comme le miel passant à travers une porte dont les motifs ressemblent à ceux des alvéoles d'une ruche. S'y ajoute un autre motif récurrent des contes, la forêt, son champignon vénéneux et ses monstres, plus précisément celui qui se promène dans l'imagination d'Ana (Ana TORRENT dont c'était le premier film et qui était déjà magnétique avec ses immenses yeux noirs inquiets) depuis qu'elle a vu lors d'une projection dans son village le "Frankenstein" (1931) de James WHALE. A travers les interrogations qui la hantent et qui tournent autour de la mort (celle de la petite fille et celle du monstre), Ana tente de comprendre le monde qui l'entoure et qui apparaît étrangement dévitalisé. Car le film inscrit cette atmosphère de conte au coeur du réel, le "il était une fois" inscrit sur un dessin d'enfant à la fin du générique étant immédiatement suivi d'une prise de vue réelle et de la mention "quelque part en Castille vers 1940". Ce plan situé en extérieur se caractérise par une lumière grisâtre opposée à la lumière dorée "magique" des plans d'intérieur et tous ceux qui se situent sur un plan réaliste dans le film ont la même tonalité grise, vide et misérable à l'image des façades lépreuses des maisons du village et des bâtiments alentours, perdus au milieu d'un désert. Un instantané de l'Espagne franquiste de 1940 et qui l'était encore en 1973, date de sortie du film: un monde de solitude, de silence et de mort. La famille d'Ana est éclatée, chacun de ses membres monologuant en murmurant dans son coin. Le père qui est apiculteur rumine ses pensées sur les abeilles, la mère écrit des lettres à un mystérieux interlocuteur et la grande soeur Isabel invente des mises en scène macabres dans la lignée de "Harold et Maude" (1971) quand elle ne tente pas d'étrangler son chat. L'intérieur de la maison qui est plongé dans le noir peut d'ailleurs faire penser à un mausolée dont la porte dorée serait le vitrail menant au monde imaginaire (entre pays d'Oz et pays des merveilles). Quant aux abeilles et à la ruche que l'on trouve à l'extérieur comme à l'intérieur de la maison, on peut les voir comme une métaphore de la société laborieuse uniformisée et automatisée vivant sous cloche ou comme une manifestation divine (d'où provient la lumière dorée), la "route de briques jaunes". Pourtant ce n'est pas un monde féérique qui attend l'enfant mais un homme blessé échappé d'un train (vraisemblablement un anti-franquiste) à qui elle tend la main comme le faisait la petite fille vis à vis de la créature de Frankenstein. Ana découvre ainsi que l'horreur ne vient pas de lui mais de la société dans laquelle elle vit. On pense aux grands films américains sur l'imaginaire enfantin face au mal ("Du silence et des ombres" (1962), "La Nuit du chasseur") (1955) et on ressent très fortement la filiation avec le film de Guillermo DEL TORO, "Le Labyrinthe de Pan" (2006).

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Coeurs brûlés (Morocco)

Publié le 19 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Von Sternberg (Josef), #Drame, #Aventure

Josef Von Sternberg (1930)

"Fuis-moi, je te suis, suis-moi, je te fuis". C'est sur ce mouvement d'attraction et de répulsion qu'est bâti l'atmosphérique "Morocco" au titre français tout aussi évocateur de moments torrides, "Coeurs brûlés". Deuxième film de Josef von STERNBERG avec Marlene DIETRICH après "L'Ange bleu" (1930), c'est aussi leur premier film hollywoodien, tourné dans un Maroc de pacotille reconstitué dans les studios de la Paramount. Mais comme pour "Pépé le Moko" (1937) " tourné dans une Casbah reconstituée à Paris ou Casablanca" (1942) qui a été tourné entre les studios de la Warner et un aérodrome de Los Angeles, la magie opère. Il faut dire que les spectateurs de l'époque étaient bien peu nombreux à avoir réellement voyagé, se contentant de reconstitutions exotiques comme l'exposition coloniale de Paris en 1931. Moment d'anthologie quand Marlene DIETRICH, chanteuse de cabaret (cosmopolite comme il se doit) apparaît habillée en smoking et chapeau haut-de-forme, suscitant la fascination érotique des hommes aussi bien que des femmes de l'assistance et n'hésitant pas à les provoquer, jusqu'à ce qui est considéré comme l'un des premiers baisers lesbiens de l'histoire du cinéma (on est encore dans la période pré-code). Parmi eux, un beau légionnaire en sueur (Gary COOPER, dans un contre-emploi de séducteur désinvolte) au sourire ravageur et toujours flanqué d'une ou plusieurs indigènes dans ses bras ou sur ses genoux. Un bourreau des coeurs qui tape dans l'oeil de Amy Jolly (le personnage joué par Marlène Dietrich) puisque sous prétexte de lui vendre des pommes (on notera la référence au fruit défendu bon à croquer ^^), elle en profite pour lui glisser la clé de sa chambre. Le tout sous l'oeil déjà résigné mais conquis du riche La Bessière (Adolphe MENJOU). Amy Jolly n'est pas insensible à ses attentions mais éprouve en dépit de ses dénégations de femme qui a déjà trop vécu (de déceptions amoureuses) une passion pour Tom Brown digne de la chanson d'Édith PIAF d'autant que lui-même est du genre à porter sur son coeur le tatouage "personne" (même s'il en grave un autre dans le bois percé de la flèche de Cupidon avec le nom d'Amy Jolly, pas question de renoncer à sa liberté). Logique que tout cela se termine dans le "sable chaud" du désert du Sahara (en réalité de la Californie) lors d'une scène onirique hallucinante de beauté.

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La Conférence (Die Wannsee Konferenz)

Publié le 18 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Film d'histoire ou de mémoire, #Drame, #Film de guerre, #Cinéma allemand

Matti Geschonneck (2023)

"La Conférence" fait référence à la conférence de Wannsee qui réunit en janvier 1942 une quinzaine de dignitaires nazis dans le but de planifier et systématiser le génocide des juifs d'Europe. Celui-ci avait en effet déjà commencé à l'est à la suite de l'invasion de l'URSS le 22 juin 1941. A la date de la conférence, 500 mille juifs avaient déjà péri, essentiellement par balles. Deux téléfilms ont été déjà consacré à cet événement, une production austro-allemande en 1984 sous la direction de Heinz SCHIRK et une autre en 2001 pour la BBC "Conspiration" (2001) avec des acteurs britanniques (dont Kenneth BRANAGH et Colin FIRTH). Mais il s'agit de la première adaptation pour le cinéma. Un huis-clos tourné dans la villa où eut lieu la véritable conférence, en temps quasi-réel (elle dura 1h48 soit la durée totale du film). Aucune fioriture: le film colle le plus possible aux faits, tels qu'on les connaît par le procès-verbal de 15 pages qui fut rédigé à cette occasion par la secrétaire d'Eichmann et distribué en trente exemplaires. Aucune musique ne vient s'immiscer dans le film ni avant, ni pendant, ni après. C'est austère, rigoureux, un peu compliqué à suivre pour le néophyte qui a peu d'éléments auxquels se raccrocher étant donné que la majorité des hommes présents ce jour-là étaient des seconds couteaux dont les noms sont inconnus du grand public. Mais cela n'en illustre que mieux les rouages bureaucratiques de la machine de mort nazie. Ce qui ressort en effet de leurs échanges durant cette conférence, c'est la volonté de rationaliser la haine antisémite et l'assassinat de masse en l'enfermant dans une logique d'efficacité ordonnée, normée, froide, abstraite, administrative, chiffrée. La planification de la Shoah se réduit à une série de problèmes techniques à régler (celui des transports, du mode opératoire etc.), de querelles d'ego à "gérer" (entre celui qui ne veut pas que l'on détricote "ses" lois de Nuremberg, celui qui se soucie des questions de main-d'oeuvre qualifiée à préserver temporairement pour l'économie de guerre, celui qui n'accepte d'accueillir sur son sol les structures d'extermination que si "ses" juifs sont "traités" en priorité etc.) et de questions financières (faire payer aux juifs leur propre anéantissement sur leurs biens confisqués). "La Question humaine" (2007)* est quant à elle presque totalement évacuée des débats, de la même manière que les juifs seront "évacués" vers l'est. Presque, car tout de même à deux ou trois reprises, elle fait brièvement surface dans les préoccupations d'un ou deux de ces dignitaires. Lorsqu'il s'agit de mesurer les ravages psychologiques des fusillades de masse sur les bourreaux ou encore lorsqu'il s'agit de trancher sur le cas des couples mixtes et de leurs enfants, les nazis entrevoient l'aspect autodestructeur de leur entreprise et préfèrent alors botter en touche ou contourner le problème en invisibilisant le meurtre de masse par les chambres à gaz et une main d'oeuvre d'esclaves en sursis pour assurer leur fonctionnement.

* Le film de Nicolas KLOTZ adapté du livre de François Emmanuel établit la parenté évidente entre le vocabulaire déshumanisé des nazis et celui des entreprises capitalistes. J'ai d'ailleurs lu une critique de "La Conférence" qui établit ce même parallèle dans le magazine en ligne "Close-up" sous le titre évocateur de "libéralisation du fascisme" daté du 14 avril 2023 qui compare Heydrich qui présidait la conférence à Steve Jobs, Apple étant remplacé par le génocide. Extrait choisi: "Dans cette salle, on ne parle pas d’humains, mais d’une figure jugée inférieure, de chiffres qu’il faut liquider. On ne tue pas, on évacue, on traite spécialement, on règle un problème d’hygiène raciale… Il n’y a pas d’affect, juste une froideur calculatrice qui permet de se détacher de la moindre morale. Ces hommes sont persuadés de faire la bonne chose, d’être les héros de l’histoire qu’ils souhaitent écrire pour le futur. Victimes de leur propre arrogance, le compte-rendu de cette conférence dont ils sont si fiers servira de preuves lorsque le temps de les condamner pour leurs atrocités sera venu. Dans une gravité et des proportions bien différentes, une entreprise se rapproche de ces raisonnements lorsqu’elle délocalise dans un but purement lucratif. Elle ne se soucie pas des dégâts qu’elle inflige à des régions entières, des vies essorées par des années de travail qu’elle brise du jour au lendemain. Les humains sont des données que l’entreprise peut déplacer d’un continent à l’autre. Tant que les bénéfices sont maintenus, rien d’autre importe. Les dirigeants prennent la décision entre deux réunions, sans le moindre regard sur les conséquences de leurs actes. Après la conférence de Wannsee, Heydrich et ses comparses s’envolent pour régler d’autres questions subalternes. La décision d’éliminer des millions de personnes n’était qu’un point banal dans une journée banale. L’horreur n’a pas besoin de monstres ou de tueurs, elle réside dans cette indifférence malheureusement toujours présente de nos jours. L’indifférence du “eux” et du “nous”, entre “ceux qui dirigent” et “ceux qui doivent être dirigés”, comme si nous n’étions pas tous membres d’un groupe commun : l’Homme." A méditer en ces temps troublés.

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Él (Tourments)

Publié le 17 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Buñuel (Luis), #Drame, #Thriller, #Cinéma mexicain

Luis BUÑUEL (1953)

"El", le seul film de Luis BUÑUEL que j'ai vu dans ma jeunesse relie la maladie mentale d'un individu à la pathologie de la société qui l'a forgé. Une société patriarcale et misogyne dont l'héritage se fait toujours sentir dans notre société moderne et sécularisée. "El" qui appartient à la période mexicaine de son auteur étudie de façon clinique la progression inexorable de la folie de son personnage principal, Francisco Galvan de Montemayor (Arturo de CÓRDOVA), un bourgeois catholique fervent qui s'éprend des pieds d'une femme belle et pieuse, Gloria (Delia GARCÉS), un fétichisme qui souligne d'entrée qu'elle ne sera pour lui qu'un obscur objet de désir. Obscur objet car morcelé comme le célèbre tableau de Georgette Magritte et donc réduit à un désir de possession impossible à assouvir, le corps formant un tout vivant et insaisissable. C'est à ce moment-là que l'obsession de Francisco à conquérir et posséder sa future femme rejoint son obsession tout aussi vaine à reprendre possession du domaine de ses ancêtres, patrimoine et patriarcat ne faisant ainsi plus qu'un dans la pathologie que développe le personnage vis à vis du réel. Pathologie qui se manifeste d'abord dans le refus de toute intrusion allant dans le sens contraire à ses désirs: les avocats qui tentent de lui faire comprendre qu'il n'a aucune chance de gagner son procès contre les propriétaires des biens ayant appartenu à sa famille sont aussitôt congédiés, les "fâcheux" qui s'interposent entre sa femme et lui sont esquivés puis repoussés de façon musclée. Mais cet aspect plutôt comique du comportement délirant du personnage se transforme rapidement en enfer pour son épouse, soumise à une emprise tyrannique dont les manifestations s'avèrent hélas toujours d'actualité: jalousie, paranoïa, séquestration, maltraitances physiques et psychologiques ayant pour but de briser la personnalité et de placer l'individu sous le contrôle total du tyran qui peut ainsi y déverser ses fantasmes pervers les plus refoulés. Un comportement de "meurtrier impuissant" qui rejoint de manière frappante les pulsions morbides de Scottie dans "Vertigo" (1958) de Alfred HITCHCOCK, lui qui ne peut aimer qu'une morte. La scène du clocher établit une parenté frappante entre les deux films alors que la relation entre Francisco et Gloria évoque outre Alfred Hitchcock, "Gaslight" (1943) de George CUKOR. Enfin la folie de Francisco ne peut être séparée de son contexte, celui d'un puritanisme religieux misogyne (comme l'ensemble de la société) mais contre lequel il finit par se retourner lors d'une scène d'hallucination paranoïaque saisissante.

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Dieu seul le sait (Heaven Knows Mr Allison)

Publié le 16 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Huston (John), #Aventure, #Action, #Film de guerre, #Drame

John Huston (1957)

Dieu seul le sait (Heaven Knows Mr Allison)

Entre "The African Queen" (1951) (un récit d'aventure et d'amour entre deux contraires contraints de survivre en huis-clos dans la jungle tropicale et dans un contexte de guerre mondiale) et "La Nuit de l'iguane" (1964) (reptile qui comme la tortue dans "Dieu seul le sait" symbolise les désirs sexuels refoulés de personnages eux aussi très polarisés ou écartelés et dans lequel joue aussi Deborah KERR dans un rôle assez proche de soeur Angela), "Dieu seul le sait" est un film magnifique, une sorte de huis-clos insulaire d'une très grande intensité entre un Marine de la guerre du Pacifique sauvé des eaux comme Moïse et une bonne soeur, seule rescapée de sa congrégation qui sans lui, n'aurait pas survécu. L'affection immédiate qu'éprouvent l'un pour l'autre le caporal Allison et la soeur Angela (et qui reflétait l'amitié réelle qui unissait Robert MITCHUM et Deborah KERR) et qui a quelque chose d'ingénu et de profondément émouvant se transforme peu à peu en quelque chose de plus trouble lorsqu'ils sont forcés de se cacher dans une grotte lors de l'invasion de l'île par les japonais. Et la grotte n'est pas le seul élément (avec la tortue) symbolique du film. L'évolution des vêtements des deux protagonistes en est un autre. Sorte d'armure qui les enferme dans leurs sacerdoces respectifs, ils sont amenés à les quitter une première fois lorsque les japonais relâchent la pression en quittant temporairement l'île. Si cela n'a aucun effet sur Angela qui depuis les premières images baigne dans une blancheur immaculée complètement irréelle après des jours et des nuits passées dans la jungle et dans la grotte, le bain transforme le caporal hirsute et aux abois depuis les premières images en homme séduisant et détendu qui pour la première fois exprime ses sentiments à Angela qui lui oppose ses fiançailles avec Dieu. Arrive alors le deuxième moment de basculement lorsqu'après avoir tenté de noyer sa frustration dans l'alcool, le caporal qui a laissé échapper de nouveau son amour et son amertume provoque la fuite d'Angela sous la pluie dont l'apparence connaît alors une métamorphose spectaculaire: ses vêtements se mouillent et s'encrassent presque immédiatement et ne reviendront jamais à leur état initial ce qui est un indice qui se passe de mot sur l'évolution que connaît le personnage, en proie subitement à une forte fièvre et qui se retrouve comme Madeleine dans "Vertigo" (1958) nue sous des couvertures, sa chevelure flamboyante jusque là dissimulée apparaissant au moment même où le caporal lui donne sa veste, laissant alors apparaître toute son animalité. Ne reste plus à Angela, une fois rétablie à prendre soin à son tour du caporal lors d'une fin (qui est aussi celle de la délivrance américaine de l'île) ouverte à tous les possibles.

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Memoria

Publié le 14 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Apichatpong WEERASETHAKUL, #Drame, #Fantastique, #Film expérimental, #Cinéma d'Asie, #Cinéma thaïlandais

Apichatpong Weerasethakul (2021)

J'ai préféré "Memoria" à "Oncle Boonmee (celui qui se souvient de ses vies antérieures)" (2010) même s'il possède le même ADN à savoir celui d'une oeuvre ésotérique, contemplative, abstraite, expérimentale et remplie de plans fixes d'une durée interminable qui m'ont rappelé ma désagréable expérience du visionnage du bien nommé "L'Eternité et un jour" (1998) de Theo ANGELOPOULOS, Palme d'or à Cannes au détriment du film tellement plus accessible de Pedro ALMODÓVAR, "Tout sur ma mère" (1999). C'est un choix et la radicalité des uns nourrit la (relative) "démocratisation" des autres, cette dialectique est sans doute nécessaire. En tout cas, si "Memoria" n'est pas un film que j'ai apprécié dans son architecture d'ensemble que j'ai trouvé vraiment trop décousue, j'en ai aimé certains moments, plus précisément ceux reliant les Hernan qui sans doute forment une boucle temporelle. Pour tenter de percer le mystère de l'étrange bruit qui surgit de façon imprévisible dans sa tête, Jessica (Tilda SWINTON qui est idéale pour le rôle avec son apparence extra-terrestre et son allure somnambulique) entreprend une sorte de voyage dont on ne sait pas vraiment s'il appartient au domaine du réel ou à celui du songe. Au cours de son périple, elle rencontre Hernan, un ingénieur du son qui tente de recréer celui qui assaille son cerveau et l'empêche de trouver le repos. Il lui fait don de sa trouvaille avant de disparaître d'un monde auquel il n'appartient visiblement pas. Plus tardivement dans le film, Jessica quitte Bogota (l'histoire se déroule en Colombie) c'est à dire le monde civilisé pour s'enfoncer dans la jungle amazonienne. La métaphore est limpide d'autant qu'elle est appuyée (trop selon moi) par une amie à elle jouée par Jeanne BALIBAR qui est archéologue et lui montre les ossements d'une jeune fille dont le crâne a été percé d'un trou et qui a été retrouvé lors de fouilles au coeur d'un chantier creusant un tunnel sous la cordillère des Andes. C'est dans la jungle qu'elle rencontre (retrouve?) Hernan sous une apparence plus âgée qui est "le disque dur" dont elle est "l'antenne" ce qui permet au spectateur non de voir mais d'écouter leurs esprits qui fonctionnent en vases communicants: lui se souvient et elle relaie ces échos sortis de différents lieux et de différentes époques. Lui dort mais ne rêve pas, elle rêve mais ne dort pas. Au vu de la façon dont il fait le mort en dormant, on comprend pourquoi elle ne peut pas s'abandonner au sommeil, de peur de ne pas revenir? Le seul plan de science-fiction du film semble le suggérer avec ce qui ressemble à un trou de ver et un bruit qui pourrait être finalement le franchissement du mur du son. Tout cela dessine un arc spatio-temporel reliant le visible au surnaturel intéressant voire même une sorte de cosmologie mais de façon si languissante et éthérée, si froide et peu incarnée (oui il y a de la sensorialité mais l'humanité y occupe la place du monolithe de Stanley KUBRICK) qu'il ne peut que perdre la majeure partie du public en chemin, dommage.

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Week-end à Zuydcoote

Publié le 12 Avril 2023 par Rosalie210

Catégories : #Verneuil (Henri), #Film d'histoire ou de mémoire, #Film de guerre, #Drame

Henri Verneuil (1964)

Voilà un film à redécouvrir et à réévaluer. En ayant été catalogué comme un film commercial et comme une commande, on a oublié ce qui pourtant, saute aux yeux et fait si cruellement défaut au "Dunkerque" (2017) de Christopher NOLAN: l'expérience intime. Car de la première à la dernière image, on sent le vécu, celui de l'auteur du livre, Robert MERLE qui a scénarisé son adaptation au cinéma. Pas étonnant que "Week-end à Zuydcoote" soit particulièrement sombre, en décalage avec un cinéma de guerre vantant alors largement l'héroïsme de la Résistance. Rien de tel dans "Week-end à Zuydcoote" qui se situe à hauteur d'hommes ordinaires confrontés à une situation désespérée (la poche de Dunkerque qui se referme comme un piège, les conditions dantesques de l'évacuation). Si la camaraderie et l'amour sont présentés comme des refuges, ils ne tiennent pas bien longtemps face à la sauvagerie de la guerre. La mort du personnage incarné par François PÉRIER parti chercher l'eau pour le café en est un symbole tout comme la destruction du bateau à bord duquel tentait de fuir un couple binational. Par contraste, le personnage de combinard joué par Pierre MONDY qui annonce la collaboration, celui d'enragé qui tire dans le tas à la manière de "Full Metal Jacket" (1987), provoquant l'exécution d'un parachutiste allemand tombé sur la plage ainsi que les détrousseurs de cadavres et les deux violeurs français incarnent l'anomie de la guerre. Le personnage central de Maillat joué remarquablement par Jean-Paul BELMONDO erre ainsi sans succès durant tout le film en plein cauchemar, à la recherche d'une issue introuvable, éprouvant l'absurdité de nombre de situations, l'horreur de nombre d'autres échouant à ramener l'un des deux violeurs à son humanité en essayant de lui parler comme il échoue à fuir en Angleterre. Seul gros bémol du film: le personnage d'écervelée capricieuse (mal) joué par Catherine SPAAK qui semble en décalage total avec le reste du film et dont le comportement hors-sol n'est pas crédible. Elle ne pense qu'à sauver sa maison dont on se demande bien comment elle peut tenir encore debout et ne semble presque jamais éprouver la moindre crainte. Ou alors c'est une manière subliminale de nous dire qu'elle n'est pas humaine ce qui explique qu'elle puisse regarder à la jumelle les avions de combat depuis la fenêtre de sa maison ou se promener tranquillement sur la plage de Dunkerque avec deux valises et une robe rouge vif alors que les avions allemands ne cessent de l'arroser de leurs bombes. Mais il y a mieux que le coup de l'ange pour terminer un film qui se veut réaliste.

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