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Articles avec #penn (arthur) tag

Missouri Breaks (The Missouri Breaks)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Penn (Arthur), #Western, #Thriller

Arthur Penn (1976)

Missouri Breaks (The Missouri Breaks)

J'avoue avoir eu beaucoup de mal à entrer dans cet ovni dont j'ai trouvé le début lourd et démonstratif dans sa critique du western classique et des valeurs qui l'accompagnent. La pendaison de Sandy (Hunter von LEER) qui soulève le problème de l'auto-justice et du lynchage durant la conquête de l'ouest par les "barons du bétail" donne lieu à une critique qui est traitée avec la finesse d'un pachyderme. A l'inverse, l'indulgence envers les voleurs de chevaux, dépeints comme une sympathique bande de gosses immatures et turbulents apparaît simpliste pour ne pas dire simplette, dans la lignée de "Pat Garrett et Billy le Kid" (1973), autre film des années 70 renversant les rôles entre shérif-flic et hors la loi-hippies. De toutes manières, le cadre "western" est malmené par le "rentre-dedans" très moderne de la fille du propriétaire (Kathleen LLOYD) en pleine rébellion vis à vis du paternel sur la personne du chef des hors-la-loi (Jack NICHOLSON). Et encore plus par un "régulateur" (entendez par là un "exterminateur") joué par un Marlon BRANDO en roue libre qui semble sous LSD avoir inventé le rôle du Joker de Heath LEDGER et de bon nombre de psychopathes sadiques jouant les divas par exemple chez David LYNCH! Néanmoins à la longue, le film de Arthur PENN finit par faire mouche, grâce principalement au personnage de Tom Logan, joué par un Jack NICHOLSON étonnamment sobre voire introverti. Peut-être que face à la performance monstrueuse de Marlon BRANDO devenu incontrôlable sur le tournage, a-t-il choisi de prendre le contrepied, en tout cas c'est en grande partie son personnage qui empêche le film de sombrer dans le grand-guignol parodique. En achetant un ranch et en cultivant un potager jouxtant la propriété du "baron", même sous prétexte d'offrir une couverture au trafic de la bande, il se prend au jeu et offre un modèle alternatif au capitalisme prédateur tout en se séparant de ses amis sans avenir, bien qu'il ait été inspiré par le plus mature de la bande, Calvin (joué par Harry Dean STANTON, encore une préfiguration du cinéma de David LYNCH!)

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Miracle en Alabama (The Miracle Worker)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Penn (Arthur), #Drame

Arthur Penn (1962)

Miracle en Alabama (The Miracle Worker)

Amateurs d'histoires larmoyantes ou édifiantes, passez votre chemin. "Miracle en Alabama" est un film dur, âpre, éprouvant et qui dépasse de très loin son sujet initial. On sent que Arthur PENN a envie de renverser la table alors même que le Nouvel Hollywood dont il sera l'un des précurseurs reste à inventer: "Les gens qui m’intéressent sont ceux qui vivent en marge de la société, au-delà des lignes toutes tracées. Je fais en sorte que mes personnages soient vrais, c’est-à-dire souvent solitaires, rejetés, souffrants. C’est aussi de ma part une réaction contre les critères hollywoodiens selon lesquels tout le monde est beau, parfait, éclatant de santé." (Arthur PENN, 1983). "Miracle en Alabama" correspond trait pour trait à cette Amérique de l'autre côté du miroir que dépeint Arthur PENN dans ses films. Il s'agit de l'adaptation cinématographique de la pièce de théâtre éponyme de William Gibson dont Arthur PENN avait assuré la mise en scène sur les planches de Broadway avec déjà le duo Anne BANCROFT-Patty DUKE. Arthur PENN avait également réalisé un téléfilm en 1957, deux ans avant la création de la pièce de théâtre. C'est dire s'il connaissait son sujet, tiré de l'autobiographie de Helen Keller qui suite à une maladie infantile fut privée de la vue et de l'ouïe et rendue quasi muette.

Il y a deux oeuvres qui me sont immédiatement venues à l'esprit en regardant "Miracle en Alabama": "L'Enfant sauvage" (1969) de Francois TRUFFAUT et "Le Cri" de Edouard Munch (l'affiche, le générique de début, muet, dépouillé, bouleversant qui montre cette petite fille avancer les bras tendus dans le vide, tomber, se cogner, se relever, crier sans sortir de son). Tout au long du film, Arthur PENN joue sur deux tableaux. D'une part le corps à corps rugueux pour ne pas dire violent entre Helen et son éducatrice, Anne Sullivan, elle-même mal-voyante pour parvenir à sortir Helen des ténèbres et du silence qui l'isolent du monde. Et en même temps la transgression des normes et des valeurs de l'Amérique puritaine qui n'ont aucune prise sur le petit animal sauvage qu'est Helen sans parler de la nécessité de briser ces normes pour espérer la relier au monde qu'incarne Anne Sullivan. Celle-ci doit en effet se battre, au propre et au figuré pour se faire accepter et respecter par Helen mais aussi par sa famille qui la traite moins en éducatrice ou aidante proche qu'en domestique que le moindre faux pas met sur la sellette. Et pourtant Anne ne lâche rien, notamment vis à vis du père dont le degré d'aveuglement vis à vis de la défaite de la civilisation sudiste face au nord dans la guerre de Sécession renvoie aux handicaps de sa fille.

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Little Big Man

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Penn (Arthur), #Western, #Drame, #Aventure, #Film d'histoire ou de mémoire

Arthur Penn (1970)

Little Big Man

"Little Big Man" est l'une des pierres angulaires du western hippie, indissociable du contexte dans lequel il a été réalisé c'est à dire la contestation de la guerre du Vietnam par une partie de la jeunesse américaine aspirant à d'autres valeurs. Par conséquent "Little Big Man" revisite la légende de la conquête de l'ouest à travers le prisme de ces nouvelles valeurs portée par le cinéma du nouvel Hollywood ce qui lui a valu l'étiquette de western révisionniste. En effet tous les repères du western traditionnel y sont inversés:

- Le héros est un anti-héros, un loser qui semble subir sa vie et assister aux événements en spectateur impuissant.

- Il n'a pas d'identité claire et apparaît comme un paumé coincé quelque part entre deux cultures dans lesquelles il ne parvient pas à s'ancrer comme le montre ses deux mariages avortés (l'une avec une blanche, l'autre avec une indienne)*. Il est également lâche, mettant en avant l'appartenance qui peut le tirer d'affaire dès qu'il est en situation délicate.

- L'historien qui l'interroge (le film est un long flash-back sur ses souvenirs) annonce d'emblée la couleur: il s'intéresse au mode de vie primitif des indiens et pas du tout aux exploits militaires du général Custer dont la statut de héros de la nation est déboulonnée. Une thématique très contemporaine mais qui à l'époque était surtout provocatrice. Il s'agissait de rentrer dans le lard des nationalistes et autres gardiens de la doctrine de la destinée manifeste (l'équivalent de la mission civilisatrice qui a servi de justification idéologique à la colonisation en France).

- Il en va de même du surnom des Cheyennes, les "Etres humains" dont la sagesse incarnée par le mentor de Jack, Peau de vieille Hutte a des résonances très actuelles (la vie en harmonie avec la nature). A l'inverse, les WASP ont une civilisation décadente et mortifère et leur morale est hypocrite comme l'incarne très bien le personnage de l'épouse du révérend Pendrake (Faye Dunaway) qui sous prétexte de bain et d'instruction religieuse caresse érotiquement le pauvre Jack (Dustin Hoffman, habitué au rôle d'agneau avalé tout cru par des femmes croquemitaines) avant de finir là où est sa vraie place: au bordel.

- La tribu Cheyenne dans laquelle grandit et revient régulièrement Jack Crabb est assimilée à une communauté hippie paisible et tolérante (elle adopte Jack et est bienveillante envers l'indien homosexuel du groupe) qui pratique l'amour libre (la scène où Jack "satisfait" les sœurs veuves de sa deuxième épouse s'inscrit typiquement dans ce schéma) ce qui rend d'autant plus intolérable leur massacre par les troupes du général Custer. Massacre qui se réfère moins à l'attaque de Washita dont la nature (bataille ou massacre) reste controversée qu'à celle de My Lai au Vietnam où les G.I. avaient massacré tout un village (femmes, enfants, vieillards et animaux inclus) et qui avait été médiatisé suscitant l'indignation mondiale. Mais à aucun moment les mécanismes de la "culture de guerre" et particulièrement de la guerre asymétrique qui conduit l'agresseur dans un bourbier ou, harcelé par un ennemi d'autant plus invisible qu'il se confond avec les civils il finit par perdre tout repère et tout sang-froid ne sont expliqués. Car le film entend dénoncer, contester et non chercher à comprendre (comprendre ne signifiant pas excuser pour autant).

C'est sur ce dernier aspect qu'est la principale limite de "Little Big Man". En effet il ne faut pas y voir un film historiquement juste mais la projection de la mauvaise conscience américaine de l'époque. Le film a un aspect sinon simpliste, du moins indiscutablement manichéen (la cavalerie américaine étant assimilée à une bande de tueurs sanguinaires et les indiens à de pauvres victimes sans défense) ce qui manipule les sentiments du spectateur qui après avoir assisté aux horreurs commises par Custer (caricaturé en général stupide, vaniteux et cruel aussi bien envers les indiens qu'envers ses propres soldats) est soulagé de voir les indiens le tuer ainsi que tout son régiment à la bataille de Little Big Horn. Indiens qui en dépit de l'intérêt que le réalisateur leur porte et des recherches qu'il a faite sur eux restent largement fantasmés au point d'ailleurs qu'ils parlent tous anglais alors qu'un minimum de respect historique aurait été de leur conserver leur idiome originel.

* « C'était très démoralisant : quand ce n'était pas un Indien qui voulait me tuer parce que j'étais blanc, c'était un Blanc qui voulait me tuer parce que j'étais indien. »

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La poursuite impitoyable (The Chase)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Penn (Arthur), #Thriller, #Polar, #Drame

Arthur Penn (1966)

La poursuite impitoyable (The Chase)

Une petite ville du sud des Etats-Unis au milieu des années 60. C'est le samedi soir. Les fêtes y tournent à l'aigre. On se noie dans l'alcool, la débauche ou bien on sort son flingue avec l'envie d'en découdre. "La poursuite impitoyable" qui a des accents de "Furie" (1936) vous prend par les tripes et ne vous les lâche plus. Comme les personnages, on est "happé" dans un maelstrom de haine et de violence. Le respect des trois unités (lieu, temps, action) y participe beaucoup mais c'est aussi un climat de tensions exacerbées qui rend ce film aussi immersif (comme quoi, il n'y a pas besoin d'effets spéciaux sophistiqués pour cela).

Lorsque le shérif Calder (Marlon BRANDO) explique à sa femme Ruby (Angie DICKINSON) qu'il ne veut pas d'enfant parce qu'il grandirait à l'ombre d'une prison, on comprend qu'il ne parle pas de son bureau (qui d'ailleurs apparaît plutôt comme un abri bien fragile) mais de la ville texane de Tarl. Un vrai cloaque dans lequel sont englués tous les personnages. Il n'est pas innocent que le fil conducteur de l'histoire soit la tentative de fuite de son ange blond déchu, Bubber Reeves (Robert REDFORD) qui finit par s'y briser les ailes. Comme si une chaîne invisible (le cordon ombilical non coupé avec sa mère avec qui les relations semblent lourdes de contentieux?) le reliait à Tarl, il est toujours ramené en arrière comme le montre la scène du train qu'il prend à contresens. En arrière et vers le sol. L'Amérique profonde des années 60 est dépeinte comme un enfer sur terre. Un monde clos sur lui-même, étouffant, où l'air est vicié et où les relations humaines sont perverties par l'argent, le puritanisme, les conventions sociales et le racisme qui en 1966, époque de la lutte pour les droits civiques reste virulent. La famille, si sacro-sainte aux Etats-Unis est particulièrement mise à mal. Les relations de couple sont tellement en crise que l'adultère semble être devenu la règle comme le montre l'exemple du couple Stewart avec un mari impuissant Edwin (Robert DUVALL) que sa femme Emily (Janice RULE) piétine de ses railleries et trompe ouvertement avec l'autre vice-président de la banque, la brute locale Damon (Démon?) Fuller (Richard BRADFORD) sous les yeux de son épouse abrutie par l'alcool. Les relations parents-enfants ne sont pas plus heureuses. Val Rogers (E.G. MARSHALL) le nabab de la ville perd son fils Jake (James FOX) dont il a dirigé la vie au détriment de son bonheur personnel. Jake, tout comme Calder ne veut d'ailleurs pas avoir d'enfant. Le beau-père de Anna (Jane FONDA) ne pense qu'à s'approprier son héritage. Les parents de Bubber se reprochent de n'avoir pu l'empêcher de mal tourner. Pas étonnant que dans une telle atmosphère, le nihilisme soit si puissant. Car c'est toute la ville qui semble privée d'avenir.

L'annonce de l'évasion de Bubber suivi d'un meurtre dont il est accusé et c'est l'embrasement: toutes les pulsions refoulées s'expriment dans des manifestations collectives d'une effroyable sauvagerie. Face à des groupes d'hommes armés, avinés et violents, la loi semble impuissante à empêcher les lynchages et cette violence aveugle montre que les mentalités de l'Amérique profonde n'ont guère évolué de la conquête de l'ouest jusqu'à nos jours.

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Bonnie et Clyde (Bonnie and Clyde)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Penn (Arthur), #Polar, #Thriller, #Drame

Arthur Penn (1967)

Bonnie et Clyde (Bonnie and Clyde)

Film culte qui a ouvert une brèche et initié l’école du “Nouvel Hollywood” avec Le Lauréat et Easy Rider, Bonnie and Clyde repose sur un certain nombre de principes:

- Le rejet de l’autorité et du système sur fond de nihilisme. Si l'action prend place dans l’Amérique en crise des années 30, la rébellion des héros fait écho à celle de nombreux jeunes de l’Amérique en 1967 qui rejettent la société de consommation et la guerre du Vietnam. Le courant du nouvel Hollywood se veut réaliste, tournant sur les lieux même où Bonnie et Clyde ont commis leurs méfaits. Le début du film est plutôt comique puis quand la mort entre dans leur vie, il évolue vers la tragédie. Juste avant de mourir, Bonnie et Clyde échangent un regard amoureux ce qui souligne le lien entre Eros et Thanatos. Le poème de Bonnie adapté par la suite par Serge GAINSBOURG évoque un parcours qui mène à la mort.

-Une intrigue qui suit les déambulations des personnages et préfigure le road-movie. La voiture, omniprésente est un nid et un symbole de progrès social.

- Une vision amorale car les personnages principaux sont des anti-héros. Bonnie et Clyde, braqueurs et assassins, sont montrés comme des justiciers, des robins des bois qui vengent les personnages des Raisins de la colère de John Ford (1940). Un retournement moral que l’on retrouve à la fin du film. Les forces de l’ordre se cachent alors que les héros en pleine lumière s’arrêtent pour aider un homme en panne qui est en fait le traître.

D'autre part la séquence d’ouverture de Bonnie and Clyde fait penser au film Le Mépris de Godard (Une femme blonde nue sur un lit qui attend) ce qui souligne l'influence de la Nouvelle Vague. Bonnie est en manque de sexe (d'où le gros plan sur la bouche et les yeux) et tombe amoureuse du risque que représente Clyde. Un fort érotisme se dégage de sa marche lancinante et également des symboles phalliques (Le Coca et le révolver qu’elle caresse). Or Clyde s'avère être impuissant, une métaphore de la crise qui touche le pays. La violence et l'impuissance sont liés. On peut d'ailleurs dresser également un parallèle avec Terrence Malik et La Balade sauvage : la séquence d’ouverture montre une fille sur un lit qui attend, une marche puis le film se poursuit en road movie avec des meurtres. Comme Bonnie and Clyde, La Balade sauvage montre l’Amérique des petites gens. Le héros resssemble à James Dean et la sexualité, problématique, est compensée par la violence. Enfin comme le héros de La Balade sauvage qui parvient à se faire reconnaître comme un nouveau James Dean, un rebelle « without a cause » Bonnie et Clyde veulent être reconnus, devenir célèbres et faire la une des journaux.

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