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Les parcours de Travis, héros du film "Paris, Texas" de Wim Wenders, et de Kenji Endo, personnage principal du manga de Naoki Urasawa "20th Century Boys" se ressemblent à plus d'un titre. Retour sur deux destins parallèles.

Le réalisateur Wim Wenders et le mangaka Naoki Urasawa n’ont pas que la ville de Düsseldorf*, l’histoire tourmentée de l’Allemagne ou la passion du rock en commun.

Ils partagent la même fascination pour un certain type de personnage, celui du mythique cow-boy solitaire à la recherche de lui-même.

« C’est l’histoire de quelqu’un qui est né dans un paysage beaucoup trop petit pour lui. »

Cette citation de Wim Wenders à propos de lui-même et des héros de tous ses films colle parfaitement à Kenji lorsqu’il est jeune. Des années 1960 aux années 1980, il rêve en effet de gloire et de grandeur mais ses aspirations se fracassent contre la réalité d’un environnement étriqué, codifié, contraignant et conformiste dans lequel il n’a aucune chance de se réaliser en tant qu’individu. Ce décalage entre les rêves de Kenji et la réalité familiale, sociale et culturelle dans laquelle il vit explique tous ses échecs initiaux :

Lorsqu’il fait part à sa mère de son désir de posséder une guitare, il se voit rétorquer que son avenir consiste à reprendre la boutique d’alcool de son père.

La prestation télévisée de son groupe Mad Mouse est coupée en plein direct.

Le groupe se sépare peu après.

Personne n’écoute Kenji lorsqu’il chante dans la rue.

Son ancien professeur lui dit qu’il n’est pas fait pour monter sur une scène.

Privé de la moindre estime pour lui-même, Kenji remise sa guitare au fond du placard et renonce à devenir quelqu’un pour se fondre dans une petite vie obscure et anonyme de gérant d’épicerie.

La culpabilité qu’il ressent devant sa sœur qui a un temps sacrifié ses études pour reprendre la boutique et ainsi lui permettre de tenter sa chance dans la musique achève de le faire rentrer dans le rang.

En ce sens, Kenji est bien mort une première fois à vingt-sept ans. Comme de nombreuses stars du rock**. À ceci près que la cause de son « décès » n’est pas la drogue mais le miroir tendu par la société. Désormais, une image colle à la peau de Kenji, celle du « loser » qui a « raté tout ce qu’il a entrepris ».

Il n’est guère étonnant qu’une société aussi aliénante ait pu donner naissance à un monstre tel qu’Ami. Très critique, Urasawa et Nagasaki nous suggèrent que le Japon n’a fait aucun travail de mémoire depuis les années 1930 et 1940, dates de son alliance avec l’Allemagne nazie, de sa participation à la guerre et de son aventure impérialiste dans le Pacifique. Or, « qui ne se souvient pas de son passé est condamné à le revivre » : les soldats de l’ONU qui occupent le Japon après la chute d’Ami ressemblent comme deux gouttes d’eau aux G.I américains de 1945…

Une identité trouble

En apparence, le Kenji des années 1990 a « tout oublié » et s’accommode bien de sa nouvelle vie de gérant d’épicerie. Il semble stable et satisfait, comme il le dit lui-même : « J’aimais bien cette vie ». Néanmoins, certains éléments démontrent qu’il s’agit d’une fuite et non d’un vrai choix, comme le fait qu’il préfère éviter par principe de chanter dans les karaokés. Kenji prétend également ne plus savoir ce qu’il a fait de sa guitare. Et il tente plus d’une fois de convaincre Yukiji de se marier, comme si cela pouvait le soulager qu’elle s’éloigne de lui.

Yukiji l’a en effet bien connu enfant et adolescent. Elle en garde l’image du « chevalier blanc » qui s’est porté à son secours alors qu’il n’avait aucune chance de l’emporter contre ses adversaires. Ce courage et cette détermination semblent l’avoir déserté et elle ne lui cache pas qu’elle est déçue par ce qu’il est devenu.

Ce renoncement à être soi-même pour se conformer aux attentes des autres a pour conséquence de faire croître le monstre tapi dans l’ombre. Ainsi, à une case montrant en gros plan les doigts de Kenji devenus raides par l’abandon de la pratique de la guitare répond une case identique montrant les doigts d’Ami en train de prononcer l’un de ses discours au Bûdokan. On s’imagine alors brièvement que Kenji et Ami sont la même personne.

Une impression renforcée lorsqu’Ami révèle qu’il est le père de Kanna, la nièce de Kenji, qu’il élève comme sa fille. Ami se servira d’ailleurs quelques années plus tard de cette proximité forcée pour inverser les rôles et introduire la confusion dans les esprits, y compris dans celui de Kenji.

Dans le film de Wim Wenders, Travis est également un personnage à l’identité problématique. Il ne sait pas bien d’où il vient. Il aurait été conçu à Paris, un trou perdu du Texas mais son père s’amuse à faire croire qu’il s’agit du Paris français. Cette incertitude sur ses origines empêche Travis (dont le nom signifie « travel », voyager) de se sédentariser et d’offrir un vrai foyer à sa famille, qui vit dans une caravane.

Travis est si instable qu’il détruit progressivement son couple. Il imagine que sa femme le trompe dès qu’il a le dos tourné. Il se met à boire et à s’absenter de longues heures afin de la rendre jalouse. Mais elle ne réagit pas comme il l’espère : en conséquence, il multiplie les scènes de cris et de destruction… Dans le même temps, il ne supporte pas de rester longtemps loin d’elle, ce qui l’amène à changer sans arrêt de travail. Enfin, à cette instabilité affective vient s’ajouter une instabilité financière.

Lorsque Travis finit par s’apaiser, après avoir appris que sa femme attendait son enfant, il est trop tard : elle se sent prisonnière et ne pense plus qu’à le fuir à son tour. Leur relation se dégrade tellement qu’il finit par la séquestrer et par la traiter comme un animal en lui fixant une clochette à la cheville. Une mesure dérisoire puisque son épouse parvient malgré tout à s’enfuir définitivement avec leur enfant, en laissant Travis à l’intérieur de la caravane en flammes.

Errance commune dans le désert

La disparition de sa famille et l’incendie de la caravane entraînent la désagrégation complète de l’identité déjà fragile de Travis. Désorienté, en état de choc, il s’enfuit le plus loin possible du lieu du drame et retourne progressivement à l’état sauvage. « Il s’est étonné de ne plus rien ressentir. Il voulait juste dormir. Et pour la première fois, il a souhaité être très loin. Perdu dans un vaste et profond pays où personne ne le connaîtrait. Un endroit sans langage et sans rues. Il a rêvé de cet endroit sans en savoir le nom. […] Il a couru jusqu’au lever du soleil, jusqu’à ce qu’il ne puisse plus courir, et quand le soleil s’est couché, il a de nouveau couru. Pendant cinq jours il a couru jusqu’à ce que toute trace de l’homme ait disparu. »

L’assassinat d’un ami d’enfance de Kenji puis l’incendie de son épicerie par les adeptes d’Ami en 1997 n’a pas un effet aussi radical mais suffit à ébranler de nouveau son identité. Sa vie bascule dans la marginalité. Il est obligé de se cacher dans une station de métro désaffectée pour « faits de terrorisme ». Il multiplie les tentatives avortées pour s’opposer à Ami en hésitant entre la violence et la non-violence, preuve qu’il se cherche de nouveau. Il regrette de plus en plus d’avoir laissé tomber la musique et comprend qu’il n’aurait jamais dû arrêter ce qui constitue son « corps et son sang ». Cependant, il n’est pas encore intérieurement dévasté par ce qui lui arrive. Il réussit en effet à se recréer une cellule intime en emportant sa famille avec lui, en obtenant l’aide des sans-abri et en reprenant contact avec ses amis d’enfance.

C’est un autre incendie qui va balayer les derniers repères de Kenji et le plonger dans les « ténèbres insondables » : celui de Shinjuku, à l’aube du premier jour du XXIème siècle.

Lorsque le masque d’Ami tombe, Kenji découvre enfin l’ampleur du mal qu’il a involontairement contribué à faire croître et triompher. Ami s’est servi de lui pour monter une vaste mise en scène destinée à lui faire porter le chapeau de ses actes terroristes à Kenji tandis que le gourou endossera le rôle du sauveur.

L’échange d’identité est d’autant plus facile que c’est Kenji qui a provoqué l’incendie en plaçant de la dynamite dans le robot. Ce comportement terroriste est exactement celui qu’Ami affectionne. Un paradoxe d’autant plus ironique que Kenji est fondamentalement un non-violent (« Je ne sais pas frapper les gens »)… Mais il a une fois de plus aliéné sa personnalité pour faire ce qu’on attendait de lui.

La déflagration qui s’ensuit est une déflagration interne : c’est la personnalité de Kenji qui se disloque, qui est dynamitée de l’intérieur. Il « pète littéralement les plombs » et s’enfuit, traumatisé, privé d’identité, en proie à la confusion mentale la plus totale : « À minuit, le premier jour du XXIème siècle, au milieu de l’incendie de Shinjuku, j’ai sauvé ma peau mais j’ai perdu la mémoire et oublié que j’étais Kenji Endô. J’ai erré dans tout le pays, je suis même passé à Tokyo mais j’avais de sales souvenirs qui revenaient alors je suis reparti. J’avais la trouille et je fuyais. J’allais toujours plus loin, toujours plus loin de Kenji. »

Dans un cas comme dans l’autre, la vie des personnages est mise entre parenthèses. Ils sont comme morts, à eux-mêmes, aux autres et au monde. Il s’agit en réalité d’une fuite dans l’amnésie et l’anonymat voire d’une tentative de dissolution de l’être dans les grands espaces, expérience mystique s’il en est.

« On peut toujours devenir ce que l’on veut être, il n’est pas trop tard. »

Le retour est d’abord un retour à la vie. Il passe par la recherche d’une ressource vitale hors du désert : de l’eau. Dans deux scènes très similaires, on voit Travis et Kenji, hagards et dépenaillés s’arrêter devant une habitation avant de s’écrouler au sol, accablés par la soif.

Les personnes qui les recueillent réagissent différemment. Konchi ne cherche pas à percer le mystère de l’identité de son visiteur, qu’il laisse repartir « comme il était venu ». Le docteur trouve sur Travis un numéro de téléphone qui le mène directement à son frère. C’est grâce à lui que le héros de Wenders retourne à la civilisation en se recomposant une identité (« Je cherche le père, un père ça ressemble à quoi ? ») et en recherchant son ex-femme.

En découvrant, au contact de son frère, que la rage qui l’a poussé à détruire son couple ne l’a jamais quitté, Travis décide de s’effacer pour réunir son ex-femme et son fils, qu’il avait contribué à séparer. Il lègue son histoire à ce dernier afin qu’il ne soit pas victime de la même souffrance que lui. Il poursuit alors son chemin, résolu à percer le mystère de son existence : 

Je me rappelle à peine de ce qui est arrivé. C’est comme un blanc mais cela m’a laissé si seul que je n’en suis pas remis. En cet instant j’ai peur, peur de m’en aller à nouveau. Peur de ce que je pourrais découvrir. Mais j’ai encore plus peur de ne pas affronter cette peur.

Il n’y a pas de retour à la civilisation pour Kenji. Et pour cause : il n’y a plus de civilisation. Celle dans laquelle Kenji a grandi et a vécu a été détruite par Ami en 2015. Le monde est devenu à la fois totalitaire et post-apocalyptique. Le chaos et la terreur règnent partout. Mais ce monde cauchemardesque est aussi un monde de possibles et de promesses que plus aucun cadre ne vient entraver.

C’est dans ce nouvel environnement semblable à celui d’un western que « ressuscite » Kenji, résolu à prendre « un nouveau départ » et à « en finir avec tout ça » dix-huit ans après sa disparition. Une réapparition saisissante qui convoque toute une série d’archétypes : celui du chevalier, celui du cow-boy et celui du hippie au confluent de Don Quichotte et d’Easy Rider. En guise de monture : une Harley. Sans oublier une guitare pour revolver et une chanson pour munitions.

Le charisme et la puissance dégagés par Kenji lui permettent d’entraîner – involontairement – une foule derrière lui, tel un nouveau Messie***. Le lecteur ne peut s’y tromper : cette fois, Kenji s’est trouvé et c’est bien pour ça qu’il va pouvoir sauver le monde de la folie d’Ami.

Cette nouvelle identité correspond en effet à ce qu’il voulait être au plus profond de lui depuis toujours : un justicier et un musicien reconnu, apprécié et écouté dans le monde entier. Ce qui le met hors de portée de toute nouvelle tentative de manipulation ou de « captation » d’identité.

Néanmoins, Kenji ne supporte pas qu’on le considère comme un héros car il est conscient d’avoir passé la plus grande partie de sa vie à fuir. Son objectif est désormais de se réconcilier avec lui-même. Ce qui implique de se réapproprier son nom, de compléter les parties manquantes de son histoire et enfin d’en finir avec la confusion entretenue par Ami entre leurs deux personnalités, entre le bien et le mal. En assumant ses responsabilités et en rachetant ses erreurs passées, Kenji sauve le monde, ceux qu’il aime et lui-même.

Certes, il ne le fait pas tout seul : chacun de ses amis apporte une aide déterminante ****. Mais c’est bien Kenji qui détient la clé du problème et donc la solution. L’humanité qui bégayait se remet à avancer et un avenir se dessine, aussi bien pour Kenji que pour ses proches. Ainsi, l’une des dernières scènes du manga montre Kanna et Chôno, les héritiers de Kenji, en train de creuser un puits dans le désert africain. Tout un symbole.

« On peut toujours devenir ce que l’on veut être ». L’identité, le « je » se forge à partir des choix de l’individu. Elle relève de la responsabilité de chacun. Y renoncer, se fondre dans la communauté, c’est faire le lit d’une violence ultérieure, contre soi-même ou contre les autres. Mais être soi-même demande un immense courage et une énorme persévérance. Et quand l’environnement ou l’histoire familiale étouffe toute velléité d’affirmation personnelle, il est toujours possible de changer d’horizon. Aucun mur n’a jamais réussi à définitivement abattre cette liberté humaine.

* La ville de naissance de Wenders est présente dans la plupart des mangas d’Urasawa : Mon-Chan y habite dans 20th Century Boys et le docteur Tenma y officie dans Monster.

** Le « club des vingt-sept » comprend Jimi Hendrix, Janis Joplin et Robert Johnson, qui sont tous trois cités dans le manga.

*** Il est difficile de ne pas penser, en voyant Kenji chanter devant des fusils braqués sur lui, à la célèbre photographie de Marc Riboud, datée des années 1960, où une jeune fille s’avance, seule, une fleur dans les mains, face aux baïonnettes de la garde nationale du Pentagone.

**** Notamment un personnage absolument fascinant, Yoshitsune, qui, comme Kenji, s’avère capable d’affronter seul et sans arme une forêt de fusils braqués contre lui, illustrant la maxime selon laquelle « ceux qui sont le plus aptes à exercer le pouvoir sont ceux qui ne l’ont jamais recherché ».

IV- Nouvelle famille, nouvel univers
"Là où on va, on a pas besoin de routes." (RVLF I, II et III)
"J'ai un bel avenir dans le passé." (RVLF III)
"Un vrai savant a plus d'un tour dans son sac." (RVLF III)

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Doc va fusionner son rêve vernien et celui de Clara et le concrétiser, l'inscrivant dans un courant très particulier du rétrofuturisme qu'est le steampunk ("le futur à vapeur"). Dans l’anthologie Futurs Antérieurs, Daniel Riche estime que ce sous-genre « s’efforce d’imaginer jusqu’à quel point le passé aurait pu être différent si le futur était arrivé plus tôt. » H. G. Wells et Jules Verne, qui anticipaient le futur, sont les principales sources d’inspiration de ce mouvement qui recrée le passé. Initié par Tim Powers (Les Voies d’Anubis), James Blaylock (Homunculus) et K. W. Jeter (Morlock night, Machines infernales) dans les années 80, le steampunk mélange des problématiques modernes et des univers anciens.

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Le courant steampunk est né à un moment où, le futur paraissant bouché ou, du moins, peu propice au rêve et à la fantaisie, et le présent terriblement terne et décevant, le passé pouvait se révéler un territoire propice à une réécriture fantasmatique où l'extravagance le disputerait à la nostalgie. On peut y voir, par conséquent le prolongement de l'intérêt profond et vivace manifesté par les sociétés occidentales depuis environ quatre décennies pour l'histoire. "Certaines époques regardent davantage vers l'avant ; d'autres vers l'arrière," écrivait Jean-Marie Domenach en 1981 dans son Enquête sur les idées contemporaines (Editions du Seuil). "La nôtre, qui, dans les années soixante, lançait ses échelles à l'assaut des décennies suivantes fait volte-face. Le meilleur indice en est que l'histoire prend la place de la prospective et de la science-fiction."

De fait l'influence de Wells et de Verne plane sur toute la saga RVLF. Dans les cinq dernières minutes de la trilogie, elle trouve même une sorte d'accomplissement puisque Doc invente une nouvelle machine à voyager dans le temps (Wells) en forme de Nautilus (Verne). 

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Le film C'était demain alias en VO Time after time de Nicholas Meyer sorti en 1979 et tiré du livre éponyme plonge H.G Wells au coeur de sa propre fiction, prolonge le film de George Pal et au même titre que ces oeuvres constitue une source d'inspiration pour RVLF.
 

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Dix ans avant RVLF III Mary Steenburgen joue dans C'était demain le rôle d'une femme qui tombe amoureuse d'un homme de sciences qui n'est pas de son époque. Il est évident que c'est l'une des raisons qui ont poussé Zemeckis et Gale à la choisir (elle et personne d'autre, tout comme Michael J Fox). Mais malgré des dialogues parfois similaires, Amy n'est pas Clara. A l'image de l'absence de point de vue réel sur l'année 1979, son personnage n'a aucune consistance. Représentant soi-disant la "femme moderne", elle n'est finalement qu'une annexe du héros tout comme Jennifer. 

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Doc pensait que sa Deloréan était le couronnement de toute sa carrière mais le train Jules Verne dans lequel il voyage avec sa famille a encore plus de "gueule". Zemeckis termine ainsi la saga sur un ultime coup de génie visionnaire encore largement incompris aujourd'hui. Par ce geste, il montre qu'il sait casser les murs et élargir la perspective. Il rattache ainsi en effet RVLF à un courant dont la branche vernienne la plus féconde se trouve aujourd'hui dans la pop culture japonaise.

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La principale confluence entre l’héritage vernien, le steampunk et les arts graphiques se situe en effet aujourd'hui au Japon. La Science-Fiction japonaise est particulièrement développée dans le domaine de la bande dessinée (manga) et le dessin animé (anime). Le romancier français est une référence primordiale dans un pays, où l’informatique et la technologie font partie de l’univers quotidien des habitants, qui ne les perçoivent pas comme négatifs, mais comme un environnement presque « naturel ». C’est surtout le cas pour les générations qui n’ont pas connu la guerre et qui ont eu pour héros Doraemon et Atom (Astro boy), un robot chat et un robot enfant, qui leur a servi à la fois de compagnon de jeu et de modèle. Contrairement aux représentations inquiétantes de la technologie en Occident, les machines sont ainsi considérées comme des alliées voire des amies de l’humanité. L’interaction entre les hommes et les machines y est plutôt perçue comme un élément positif et enrichissant. Si l’oeuvre de Verne s’inscrit, pour le lecteur français, dans un fantasme d’omnipotence de la technologie, le lecteur japonais, plus ambivalent, y trouve (entre autres) l’écho lointain de l’écrasante défaite de 1945. L’Empire ayant été humilié par la technologie occidentale, il s’agit de vaincre l’ennemi du passé sur le terrain de sa victoire, d’affûter la recherche de pointe, le robot devenant le symbole de cette renaissance de l’orgueil national. Contrairement à son homologue occidental, devenu méfiant face aux dérapages de la science ou de la technologie, le lecteur japonais n’y verra qu’aspects bénéfiques et motifs de fierté.

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En 1990, soit l'année de la sortie de RVLF III, les studios Gainax dévoilent une série de 39 épisodes inspirée d'un concept d'Hayao Miyazaki. En 1975, celui-ci avait projeté de créer une série pour la Toho autour de Vingt mille lieues sous les mers. Intitulée initialement Autour du monde sous la mer, elle racontait l'histoire de deux orphelins qui voyageaient avec le capitaine Némo et son équipage. Miyazaki reprit certains de ces éléments pour son long métrage Le château dans le ciel. Quant à la série, elle fut finalement réalisée par Hideaki Anno et devint Nadia des mers mystérieuses (Nadia et le secret de l'eau bleue chez nous) inspirée de plusieurs romans de Jules Verne: Vingt mille lieues sous les mers donc mais aussi L'Ile mystérieuse et Voyage au centre de la terre. La qualité globale de la réalisation, la richesse du scénario, la maturité dans l'approche de certaines questions abordées (notamment celle de la mort, du bien et du mal dans l'utilisation de la science et du deuil), l'originalité des personnages ont fait de cette série une oeuvre culte.

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Les points communs entre Nadia et RVLF  sont innombrables. A commencer par une histoire située cent ans avant la diffusion de la série soit en 1889-1890 mais où dès le prologue plane l'ombre des guerres mondiales du XX° siècle et de ses technologies de destruction massive (réacteur nucléaire, fusée spatiale etc.) Pour expliquer les anachronismes, la solution réside dans la présence des Atlantes, un peuple d'extra-terrestres à la technologie très avancée dont certains de ses membres se sont échoués sur terre plus de 2 millions d'années avant JC. Le capitaine Némo, sa fille Nadia et leurs antagonistes les néo-atlantes dirigés par Gargoyle en sont les descendants ce qui explique leur maîtrise des technologies les plus avancées. Le tout donne une série rétrofuturiste dont le point de départ est steampunk même si par la suite il s'en éloigne pour se rapprocher du space-opera. Mais comme on le verra avec Leiji Matsumoto, le space-opera est par bien des aspects un cousin du steampunk.

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Le Nautilus du capitaine Nemo apparaît comme un bijou de haute technologie réunissant les principales avancées de la science du XX° siècle . Jusqu'à l'épisode 22 il s'agit d'un sous-marin qui finit par être détruit par la forteresse de Gargoyle. Mais il renaît de ses cendres et réapparaît dans l'épisode 36 sous le nom de New Nautilus ou Excelion, un cuirassé capable de voler et même d'aller dans l'espace. Bref toutes les anticipations de Jules Verne réunies en un seul appareil.

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La science est au coeur de la série. L'un des principaux protagonistes, Jean est un adolescent inventeur passionné de sciences à la curiosité insatiable et à l'enthousiasme débordant. Mais sa rencontre avec Némo et la succession d'épreuves qu'il subit lui en font comprendre aussi les dangers: "Jean, la science est une chose merveilleuse. L'impossible devient possible. Mais elle a aussi une responsabilité dans tous les crimes liés à l'arbre de la connaissance. N'oublie jamais ça."

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Le leitmotiv de toutes les oeuvres japonaises liées à Jules Verne, comme celle de RVLF est que la science peut autant faire progresser l'humanité que la détruire. Au lieu de ne montrer que les aspects négatifs de son utilisation (caractéristique de l'occident depuis 1945), elles en montrent l'ambivalence: "Tant que le bien et le mal habiteront le coeur de l'humanité la science sera positive et négative car c'est l'homme qui l'utilise."

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L'autre aspect fondamental de Nadia sont les références culturelles qui doivent autant à la Bible qu'au mythe grec de l'Atlantide mais qui font écho aux sciences contemporaines. Dans la série, les Atlantes de la planète Nébula M78 se sont échoués sur terre à bord de vaisseaux surnommés les arches de Noé (Noah en anglais). Sur terre, ils ont construit au-dessus de leurs appareils des cités parmi lesquelles Tartessos en Afrique dont Némo était le roi et dont l'héritière est Nadia. Cette cité avait pour principale source d'alimentation la tour de Babel, symbole divin dont le coeur est constitué d'orichalque, le métal mystérieux associé à l'Atlantide. Cette tour avait également pour fonction de communiquer avec la planète d'origine, exactement comme les mégalithes extra-terrestre de 2001 l'Odyssée de l'espace de Kubrick. Enfin il s'agit d'une arme d'anéantissement qui produit un concentré d'énergie qui via 12 satellites peut être projetée n'importe où et détruire tout ou partie de l'humanité. Cette arme s'apparente donc à l'énergie nucléaire. Lorsque Gargoyle, le premier ministre de Némo tente de s'emparer de la cité, Némo retire l'orichalque de la tour qui explose, engloutissant la cité et tuant la plupart de ses habitants dont sa femme et son fils aîné.

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La pierre bleue de Nadia comme celle de Némo, les Toris Mejistos, sont des morceaux d'orichalque également associées à la pierre philosophale fabriquée sur la planète d'origine des atlantes. Elles permettent de guérir, de prolonger la vie et même de ressusciter les morts, mais s'il s'agit d'un humain elles perdent leur pouvoir et se changent en plomb. C'est pourquoi celui qui la détient peut être Dieu ou Diable selon le choix qu'il fait, équivalent à celui de l'utilisation des innovations scientifiques les plus sophistiquées. Nadia choisit de ressusciter Jean et en renonçant à être reine des Atlantes, elle choisit l'humanité. Même chose pour son père qui en lui donnant sa pierre renonce à l'immortalité.

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De nombreux éléments du concept initial de Nadia ont été repris et adapté dans les oeuvres de Miyazaki, un grand admirateur de l'oeuvre de Jules Verne, particulièrement dans la série Conan, fils du futur et Laputa : machines volantes diverses inspirées des premiers aéroplanes, cités industrielles basées sur l’énergie thermique, costumes des personnages s’apparentant à ceux du XIXe siècle. En outre, l'un de ses derniers films d’animation reprend en partie l’esthétique steampunk. Dans Le Château ambulant, l’héroïne devient ainsi la servante d’un magicien habitant une demeure faite de bric et de broc qui se déplace grâce à l’énergie thermique procurée par un esprit de feu. La demeure ambulante bricolée qui ouvre sur plusieurs mondes et plusieurs époques, soutenue par une énergie mystérieuse voilà un concept qui n'est pas sans rappeler le train Jules Verne.

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Le Château ambulant et la trilogie RVLF  ont beaucoup d'autres points communs. A commencer par cet avatar du scientifique qu'est le magicien-sorcier, surtout quand il est sollicité pour participer à l'effort de guerre. Hauru se distingue justement par le fait qu'il rejette cette guerre qu'il considère injuste et refuse de prendre parti quitte à se mettre à dos sa hiérarchie. On retrouve ainsi dans le Château ambulant l'antimilitarisme et la dénonciation de l'utilisation perverse de la technologie comme dans les films de Kubrick et Zemeckis.

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La construction identitaire est également commune aux deux oeuvres. Il s'agit dans les deux cas d'un jeu sur les places, les rôles et les apparences. Contrairement à une idée reçue, l'identité peut évoluer tout au long de la vie. Dans RVLF  Doc en est la parfaite illustration au travers des univers qu'il traverse, des maisons qu'il habite, des tenues qu'il arbore ou de son âge de 1985 à géométrie variable et qui sont autant de manifestations de son état d'esprit en pleine mutation. Dans le Château ambulant l'identité de Sophie et de Hauru est tout aussi variable. Sophie comme Doc est une jeune fille solitaire qui subit son destin au travers d'un héritage (la chapellerie de son père) qu'elle ne remet pas en question. Jusqu'au jour ou à la suite d'un maléfice elle devient physiquement ce qu'elle est déjà intérieurement: une vieillarde. Comme Doc c'est la perte de sa jeunesse qui paradoxalement la libère, lui donne l'audace et le regain d'énergie pour prendre son destin en main et choisir sa manière de vivre avant que celle-ci ne lui échappe. Comme elle le dit elle-même, elle a peu à perdre. Tout au long du film, son âge ne cesse de varier selon son état d'esprit avant de se fixer vers la fin sur un ultime paradoxe. Elle retrouve l'apparence de ses 18 ans mais garde les cheveux blancs ou plutôt comme le dit Hauru "couleur de lune." Exactement la manière dont Clara décrit ceux de Doc ("une masse de cheveux argentés.") Comme quoi de multiples significations peuvent être attachées à cette couleur.

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Hauru est lui aussi un personnage en quête d'identité comme en témoigne ses changements de nom et de couleur de cheveux. Il semble très attaché à montrer de lui une apparence parfaite mais ses transformations démontrent qu'il ne la maîtrise pas cette identité parfaite ce qui le désespère. D'autre part Sophie découvre à la suite d'un voyage dans le passé qu'il a uni ses pouvoirs à ceux d'un démon du feu ce qui l'a privé de son coeur. Le démon alias Calcifer est enchaîné au château par le pacte qu'il a conclu avec Hauru. Quant à ce dernier, il n'a plus accès à ses émotions et se transforme lorsqu'il combat en oiseau nocturne qui a bien du mal à reprendre ensuite forme humaine. Sophie a la tâche de libérer Calcifer et de rendre son cœur à Hauru. 

III- Le Dr Emmett Brown: vaincre le fantôme dans la machine

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"Ce soi-disant docteur Brown est une vraie calamité. Un cas. Un homme dangereux, sans nul doute. Sa place est à l'asile." 
"Peut-être pour vous répondit Marty. Moi je ne vois pas les choses comme ça." (première version du scénario novélisé de RVLF I)
"Le temps passait. Même pour Doc, cela avait parfois de l'importance." (scénario novelisé RVLF I)
"Je suis un homme à principes. " (RVLF II)
"L'avenir n'est pas écrit! Chacun peut changer le sien, tu le sais ça! Tout le monde peut faire ce qu'il veut de son avenir (...) Je dois vivre ma vie, en accord avec ce que j'estime être le bon choix, dans mon coeur." (RVLF III)

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Doc nous est présenté dès la première seconde comme l'archétype du savant fou. Tous les clichés y sont: cheveux blancs hirsutes, yeux exhorbités, grands gestes théâtraux, comportement fébrile au bord de la rupture, atelier-laboratoire rempli d'objets hétéroclites et de machines plus bizarres les unes que les autres, décalage avec la réalité, difficulté avec le quotidien etc. 

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Ajoutons le fait que Doc est à la fois un scientifique qui élabore des théories et un technicien bricoleur capable de fabriquer artisanalement toutes sortes de machines.

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Une autre caractéristique majeure du personnage est la distorsion, encore plus poussée que chez George entre l'âge physique et l'âge mental. Le censeur du lycée de Hill Valley, Strickland le définit d'ailleurs comme "un enfant qui n'a jamais grandi". Mais en fait c'est un peu plus compliqué. Doté d'un enthousiasme juvénile débordant et d'un tempérament qui ne supporte pas les compromissions, Doc a connu une période normale jusqu'en 1955 puis à la suite d'événements malheureux, une période de repli misanthrope jusqu'en 1985 durant laquelle il a régressé psychiquement et continué de vieillir physiquement. Jusqu'à ce que dans un ultime sursaut, il décide de se jeter dans le voyage temporel comme dans une sorte de quitte ou double, en profitant au passage pour faire "réajuster" son âge biologique et se redonner un avenir.

74.

Après Marty, Biff et Jennifer, Doc se croise aussi lui-même dans RVLF II: "On ne sait jamais, peut-être qu'on se rencontrera un jour futur." (Doc 1955)..."Ou un jour passé." (Doc 1985). Comme on l'a vu en introduction et dans le chapitre précédent, les deux doc n'ont pas du tout le même état d'esprit. Celui de 1955 s'est replié dans sa bulle scientifique après une série de désillusions (racontées dans les versions antérieures des scénarios). Celui de 1985 est confronté à la vieillesse et à la mort et cherche par tous les moyens à gagner du temps et à revenir en arrière car il a conscience d'avoir raté sa vie. Ils finissent en quelque sorte par fusionner ce qui rend au deuxième l'espérance de vie nécessaire (c'est à dire une seconde chance) pour se "consacrer à l'étude de l'autre grand mystère de l'univers: les femmes!" (RVLF II)

75.
Doc est un scientifique qui se réfugie facilement dans les explications rationnelles et a peur de ce qui est incontrôlable. Or sa machine s'avère dangereuse et dans le troisième film, le confronte à des émotions douloureuses. Doc se retrouve ainsi écartelé entre son cœur et sa raison. Le premier le pousse à transgresser les principes moraux qui le guident dans l'utilisation de sa machine alors que la deuxième s'y refuse. Mais si "science sans conscience n'est que ruine de l'âme", appliquer cette règle sans discernement s'avère être un piège mortifère. Car il n'est pas si simple de distinguer le bien du mal et les règles rigides pour rassurantes qu'elles soient ne mènent qu'à une impasse.

76.
"Ca me rappelle le temps où j'essayais d'atteindre le centre de la Terre, je dévorais les livres de mon auteur préféré, Jules Verne. J'ai passé des semaines à préparer l'expédition mais je ne suis pas arrivé à cette profondeur, évidemment je n'avais que 12 ans à l'époque. Tu vois, ce sont les écrits de Jules Verne qui ont complètement transformé ma vie, j'avais 11 ans quand j'ai lu pour la première fois 20 000 Lieues sous les mers, à ce moment là j'ai pris conscience que je devais consacrer ma vie à la science." (RVLF III)
Si Doc s'est mis sous le patronage de Newton, Franklin, Edison et Einstein quatre scientifiques majeurs de l'histoire de l'humanité des XVII°, XVIII°, XIX° et XX° siècle son plus grand père spirituel est sans conteste Jules Verne pour lequel il nourrit une véritable passion.

77.
Jules Verne est LE passeur de sciences de la seconde révolution industrielle, celui qui vulgarise par ses romans les découvertes de son temps à l'usage des adultes mais aussi des enfants. Et il le fait avec un esprit visionnaire qui lui fait anticiper bien des réalisations du XX°. Visionnaire et lucide car contrairement à la société de son temps il mesure bien le risque d'un détournement de la science à des fins de puissance et de destruction. De fait après 1918 et surtout après 1945, l'héritage vernien est associé aux horreurs de la guerre. Et la famille d'Emmett Brown a apporté sa pierre à cet édifice.

78.
"Une famille d'Américains moyens dans une banlieue tranquille, juste après dîner. Le père lit le journal du soir, sans se douter le moins du monde de ce qui va arriver. La mère fait la vaisselle, sans savoir que son petit univers va exploser en débris atomiques dans quelques secondes. Les enfants font leurs devoirs, dans leur chambre, pour la dernière fois. La force la plus terrifiante jamais créée par l'homme s'apprête à déferler sur eux… 
"Cinq… Quatre… Trois… Deux… Un" Sur l'image suivante, une espèce de tornade blanche d'une puissance inouïe s'engouffra dans la pièce. Les corps se désarticulèrent en accéléré. On vit des têtes, des bras et des jambes tournoyer un instant avant de disparaître. En un éclair, cette maison sereine s'était transformée en un magma rugissant de lambeaux de chair déchiquetée, de bois broyé, de briques liquéfiées et d'éclats de verre. Tout pris feu et fut aspiré par une espèce de trou noir qui sembla se dissoudre dans l'atmosphère torturée. Un long moment de silence pesant s'ensuivit, l'atroce déflagration s'amenuisant en doux écho surnaturel de fin du monde. 
La classe ne se montra pas particulièrement impressionnée par ce film catastrophe. Pas la plus petite manifestation de peur ni d'étonnement. Les élèves ne se sentaient carrément pas concernés. Mais le narrateur poursuivait vaillamment son commentaire. Le film datait de 1955." (première version du scénrio de RLVF I)

79.
Dans Retour vers le futur III on apprend que les Brown sont d'origine germanique et sont arrivés en Amérique en 1908 sous le nom de Von Braun avant d'angliciser leur nom pendant la première guerre mondiale. Les versions antérieures des scénarios précisent qu'il s'agit de sa famille paternelle. Ces informations (ainsi que d'autres distillées dans la trilogie) suffisent à comprendre de quelle famille il s'agit car elles font référence à une personnalité historique très connue aux USA, Wernher von Braun. Pour concrétiser son rêve d'enfance (aller sur la lune) ce dernier n'a pas hésité à franchir la ligne rouge et à pactiser avec le diable, n'assumant aucune responsabilité quand aux conséquences de ses actes.

80.
Wernher von Braun est un scientifique allemand d'origine aristocratique qui s'est mis au service du régime nazi pendant la seconde guerre mondiale. Il s'est illustré en 1944 en mettant au point les premiers missiles (V1 et V2) mais trop tardivement pour infléchir le cours de la guerre. Par la suite il a été exfiltré aux USA dans le cadre de l'opération Paperclip, comme d'autres cerveaux nazis où son sulfureux passé a été "effacé" (realpolitik de la guerre froide oblige). Naturalisé américain, il est devenu très populaire en contribuant au programme spatial des USA dans les années soixante mais aussi en fabriquant pour eux des missiles nucléaires. 

81.
Werhner Von Braun a été influencé de façon décisive durant son enfance par Jules Verne et a toujours manifesté plus d'intérêt pour l'exploration de l'espace que pour sa militarisation. Mais que ce soit au service de l'Allemagne ou de l'Amérique, cet opportuniste sans scrupules a toujours mélangé les deux objectifs et créé des engins à la fois porteurs de rêve et dispensateurs de cauchemar. Autrement dit il a peut-être rêvé d'aller sur la lune mais l'histoire a fait de lui un constructeur d'engins annihilateur d'hommes ce qui en fait un des hommes emblématiques de la science sans conscience. Ainsi il s’accommodera de son passé nazi en prétendant que ses premières fusées étaient juste tombées "au mauvais endroit" (grrrr...)

82.
Von Braun a ainsi inspiré d'un des plus célèbres savants fous de l'histoire du cinéma, le Docteur Folamour de Stanley Kubrick (1964) qui est aussi l'un des films préférés de Zemeckis et un fil rouge de RVLF. Pour mémoire, ce bijou d'humour (très) noir filmé dans le contexte de la crise des fusées à Cuba imagine qu'un général paranoïaque donne l'ordre de larguer des bombes nucléaires sur la Russie ce qui déclenche la machine infernale entraînant une apocalypse sur la terre entière. Le docteur Folamour, ancien scientifique nazi au service des USA y voit alors l'occasion de mener une nouvelle expérience de selektion des meilleurs éléments humains pour les entraîner survivre sous terre. 

83.
Le scénario de la Jetée de Chris Marker écrit lui aussi pendant le contexte de la crise de Cuba et fondé lui aussi sur des voyages dans le temps reprend les mêmes idées. La jetée d'Orly qui venait d'être construite dans les années 60 était un symbole de progrès, celui des trente glorieuses. Il s'agissait d'un lieu de promenade dominical pour les familles qui regardaient décoller les avions. Marker, grand voyageur lui aussi très marqué par la lecture de Jules Verne brise cet élan en montrant un homme mourir puis en dévastant la terre avec la "la troisième guerre mondiale", nucléaire bien sûr. Les rares survivants doivent se cacher sous terre, comme des rats. Rien que ça.

84.
Le lien de parenté entre Werhner Von Braun et Emmett Brown est donc évident. Il s'agit de deux branches de la même famille ce qui est logique puisque les membres de l'aristocratie sont tous cousins. Lorsqu'au début de RVLF I celui-ci teste sa machine sur son chien en l'envoyant dans le futur, on ne peut s'empêcher de penser aux premières expériences de vol dans l'espace avec des animaux. Sa combinaison anti-radiations fait penser à un costume de cosmonaute (Marty sera pris pour un extra-terrestre par les habitants de 1955 à cause de cette même combinaison). Quant à la source d'énergie utilisée pour faire fonctionner le convecteur temporel, c'est le plutonium autrement dit l'énergie nucléaire. Comme le dit Marty "It's heavy" (c'est lourd).

85.
Bob Gale a donné des précisions sur les rapports entre Doc et le nucléaire, expliquant qu'il avait participé dans les années 40 au projet Manhattan mais qu'il avait ensuite décidé de tout arrêter pour faire ses propres expériences "dingues" destinées à œuvrer au bienfait de l'humanité (c'est à dire se racheter). C'est à partir de ce moment là qu'il a commencé à se marginaliser. Son titre de docteur laisse entendre qu'il donnait aussi des cours de sciences à l'université. Une première version du scénario précise que c'était effectivement le cas jusqu'en 1955. Mais le doyen de l'université a tenté de l'impliquer dans ses projets de développement d'entreprise en utilisant la relation qu'il avait avec sa fille comme moyen de pression. Moyennant quoi Doc a claqué la porte de l'université, s'est désocialisé et s'est émotionnellement anesthésié pendant trente ans. Un scénario (l'homme intègre crucifié par les requins de la société) directement inspiré des films de Frank Capra.  Au final pour ne pas ressembler à Wernher Von Braun, son "feu rouge moral", il a renoncé à toutes les formes de compromissions. Ce qui est une vertu en soi mais qui appliqué sans discernement s'avère être un piège mortel. Au sens propre du terme.

86.
Ainsi à peine a-t-il eu le temps de tester sa machine sur son chien qu'il est aussitôt assassiné par le groupe de terroristes libyens à qui il a dérobé le plutonium (et à qui il a quand même promis la fabrication d'une bombe nucléaire même s'il n'a aucune intention de le faire). Cette punition est une réactualisation du mythe de Prométhée qui est au fondement de la construction de l'archétype du savant fou. D'où la savoureuse expression de Doc "Great Scott" (déformation de "Great God") qui en VF devient "Nom de Zeus" d'autant qu'après le plutonium c'est l'énergie de l'éclair qu'il s'agit de canaliser dans RVLF I. La foudre, attribut divin que peut s'approprier Doc grâce à la connaissance du futur apportée par Marty (qui sait exactement où et quand la foudre va frapper).

87.
Doc ne peut pas se dépêtrer tout seul d'une telle situation. C'est pourquoi sa rencontre avec Marty est de ce point de vue fondatrice. Pas tant celle des années 80 (d'autant qu'elle est annulée dès le premier voyage de Marty) que celle qui se déroule en 1955 dans Retour vers le futur I. Lorsque Marty débarque chez le docteur, celui-ci apparaît comme un asocial à moitié dingue, le parfait cliché du savant fou vu plus haut, dont les inventions ratent systématiquement et qui refuse tout d'abord de l'écouter. Ce portrait pittoresque est en réalité destiné à montrer qu'Emmett Brown est parfaitement inoffensif ou a fait en sorte de l'être en se mettant en marge de la société et en ne construisant que des machines qui ne marchent pas.

88.
Bob Gale a raconté comment Doc et Marty avaient fait connaissance dans les années 80. De façon assez logique, la curiosité de Marty a été piquée par les rumeurs qui couraient sur lui (dangereux, fou, cinglé etc.) Et un jour quand il avait 13-14 ans il s'est glissé dans son atelier et a"flashé" sur les inventions et la personnalité de Doc en qui il a reconnu un alter ego. Très heureux que Marty l'apprécie et l'accepte tel qu'il était, Doc lui a offert un poste d'assistant, rémunéré 50 dollars par semaine ainsi que l'accès à sa collection de disques vintage. Si on regarde attentivement les objets qui entourent Doc, on peut constater qu'il est lui aussi un passionné de musique: il possède un piano dans son manoir, un saxophone et un juke-box dans son garage sans parler de l'amplificateur qu'il a construit spécialement pour Marty.

89.

Grâce à son savoir sur le futur de son ami, Marty change sa destinée. Tout d'abord une amitié très forte naît entre eux ce qui rompt l'isolement de Doc et le fait évoluer de façon irréversible. Une relation complexe car en un sens les deux personnages ont le même âge (le savoir de Marty sur le futur compense sa jeunesse et l'immaturité d'Emmett Brown son âge avancé) mais d'un autre côté il y a aussi une relation père-fils entre eux (réciproque, ils se confient, se protègent et se sauvent mutuellement un nombre incalculable de fois).

90.
Marty bouleverse également la vie de Doc en lui montrant la machine qu'il a fabriqué et en étant la preuve vivante de son fonctionnement. "Ca marche, ça marche, j'ai inventé quelque chose qui marche!"; " Tu as changé ma vie, tu m'as donné un but." "Merci à toi". C'est le moment où le temps qui s'était arrêté se met enfin de nouveau à avancer pour lui. Mais c'est aussi le début des problèmes de responsabilité avec cette machine dont l'utilisation entraîne des réactions en chaîne rapidement incontrôlables. Bref la sortie d'une certaine "innocence" de l'enfance qui a un prix.

91. 

Doc va consacrer effectivement les trente années suivantes à fabriquer sa machine à voyager dans le temps. Pour y parvenir il fait sauter son manoir en 1962 et se réfugie dans son garage-atelier. Il le fait pour toucher la prime d'assurance et vendre son domaine afin de financer ses recherches sur la Deloréan. Mais c'est aussi un moyen de liquider un héritage encombrant et de repartir à zéro: le manoir rappelle en effet un peu trop la vieille aristocratie allemande qui s'est donnée à Hitler (sinon il aurait vendu sa maison, il ne l'aurait pas détruite). 1962 n'est pas une date choisie au hasard: c'est l'année de la crise des missiles à Cuba qui a failli se transformer en catastrophe nucléaire mondiale. Et qui est l'inventeur des missiles? Werhner Von Braun!

92.
Mais son héritage le rattrape avec la Deloréan comme le montrent les événements situés au début de RVLF I. C'est pourquoi Marty va tout essayer pour déjouer le destin en informant le Doc de 1955 de ce qui l'attend en 1985. C'est à ce moment là que le conflit se manifeste. Alors que Doc est complètement transporté à la perspective de savoir qu'il verra 1985 et qu'il réussira à voyager dans le temps il est effrayé à l'idée de connaître son avenir, se contredisant en affirmant que "l'homme ne doit pas connaître son destin. En savoir trop c'est se mettre en danger." "Les informations sur le futur peuvent être dangereuses." Et lorsque Marty lui dit "C'est un risque que vous devez prendre. Votre vie en dépend." il lui répond qu'il refuse d'accepter la responsabilité de "rompre le continuum espace-temps", celui-ci devant entraîner selon lui rien moins que la destruction de l'univers (avec le spectre de la bombe atomique en toile de fond.) 

93.

Heureusement, il comprend à temps l'absurdité de cette dérobade. Car il est trop tard, Marty a déjà transformé le présent et l'avenir de son père et donc rompu le "continuum spatio-temporel":

"Mon vieux a vraiment assuré, ça a marché, il a mis Biff KO d'un seul coup. Je savais pas qu'il pouvait le faire. Il a jamais tenu tête à Biff."

"Jamais??"

"Non. Pourquoi? Qu'y a-t-il?"

Car c'est lui, Emmett Brown qui a rendu cela possible. Il se rend compte qu'il doit en prendre la responsabilité, quelles que soient les perspectives effrayantes que cela ouvre.

94.

C'est pourquoi finalement il lit la lettre que Marty lui a écrite pour le prévenir du danger qui le menace et s'en prémunit à l'aide d'un gilet pare-balles. Et lorsque Marty lui rappelle ses réticences "Et tout ce baratin sur les événements futurs qu'il ne fallait pas faire foirer? Le continuum espace-temps?" Il lui répond "Je me suis dit: on s'en balance!" (la phrase libératrice par excellence, que certains qualifient d'irresponsable. Tout dépend en fait du contexte car rien n'est simple dans cette histoire!)

95.

A la fin du premier film, Doc se rend dans le futur et trouve une solution au problème énergétique que posent les voyages dans le temps. Il substitue une énergie vertueuse, (le biogaz grâce au générateur de fusion qui remplace le réacteur nucléaire de la DeLoréan) aux énergies dangereuses précédemment utilisées.

96.
En revanche la question éthique des risques entraînés par la "rupture du continuum espace-temps" n'est pas réglée. Elle se repose dans l'épisode II à cause de la rencontre entre Jennifer jeune et Jennifer âgée que le Doc ne parvient pas à empêcher "Les risques sont trop gros, cet incident le prouve". Puis par le vol de la Deloréan par Biff Tannen pour se venger et s'enrichir "Cela montre que le voyage dans le temps peut être mal utilisé et que la machine doit être détruite."

97.

De plus en plus submergé par la perception maléfique de sa machine ("J'aimerais n'avoir jamais inventé cette machine infernale. Elle n'a su engendrer que malheurs et désastres"), Doc est donc prêt à la détruire sans l'avoir utilisée pour ses recherches scientifiques ou son bénéfice personnel (à l'exception de son gilet pare-balle et de sa cure de rajeunissement soit la survie et l'avenir). Il en a été empêché par les libyens puis il s'est consacré au sauvetage de Marty et de sa famille. Enfin il a contribué à sauver Hill Valley des griffes de Biff Tannen, autant d'utilisations vertueuses ou rédemptrices. C'est à ce moment précis que la foudre frappe la voiture et l'expédie en 1885, au Far West.

98.
L'année 1885 n'est pas un hasard, Doc l'avait programmée puis y avait renoncé ("Mon seul regret c'est que je n'aurais jamais l'occasion de visiter mon époque préférée, le Far West."). En s'abattant sur la voiture, la foudre a réactivé les circuits temporels et l'a expédié à la date précise qu'il avait choisi. Un sacré coup de pouce du destin.
1885 c'est d'abord pour Doc un rêve d'enfance qui rejoint celui de Jules Verne "J'ai toujours rêvé de jouer au cow-boy." Dans un brouillon du scénario de RVLF III daté de 1988, Doc confie à Marty qu'il a passé tous les étés de son enfance dans le ranch de son oncle maternel, Abraham Lathrop qui lui a appris à monter à cheval, à tirer et à lancer le lasso. Et qui a dit à ses parents "Ce garçon est fait pour vivre à l'air libre et dans les grands espaces et non confiné à l'intérieur d'une salle de classe."

99.
Doc s'est également abreuvé de westerns des années 30, 40 et 50, notamment ceux de John Ford ("Fais-nous une chevauchée fantastique!") mais aussi de séries B avec l'acteur Roy Rogers. Dans les années 50, il n'a pas raté un seul épisode de l'émission de marionnettes Howdy Doody qui mélangeait cirque et Far West (et à laquelle Pixar rend aussi hommage dans Toy Story 2). Comme pour George et sa SF, les émissions TV de cette époque s'avèrent être un puissant vecteur d'imaginaire et de créativité.

100.
Mais surtout, aussi dure et violente soit-elle c'est une époque d'avant la chute de la technologie dans la barbarie. Bref à l'image du Far West, table rase est faite du passé et tout redevient possible. Dans un Hill Valley en construction, Doc peut refonder sa relation aux autres et sa place dans le monde. Il se dote à nouveau d'une identité sociale (il devient maréchal ferrant) tout en conservant la sienne mais en secret. C'est pour cela que cela ne lui pose pas de problème de conscience car il n'interfère pas avec le continuum espace-temps, imaginant simplement terminer sa vie paisiblement dans un cadre agréable.

101.
Mais le conflit qui l'habite n'est toujours pas réglé. La tombe du troisième film est là pour le rappeler. Car s'installer dans une époque qui n'est pas la sienne implique de prendre le risque d'interférer avec elle, donc de modifier le cours du temps. Et l'interférence la plus redoutable, c'est le coup de foudre qui est par définition incontrôlable. C'est la foudre qui a transporté Emmett Brown en 1885, c'est elle aussi, au sens figuré, qui s'abat sur lui lorsqu'il sauve Clara, le mettant dans une situation impossible.

102.
Pour la première fois dans la trilogie, Doc a fait ce qu'il redoutait le plus de faire. Il a rompu le continuum spatio-temporel en changeant lui-même de façon instinctive le destin d'un personnage. Dans la version originelle de l'histoire (sans Doc et sans Marty), Clara arrivait seule de la gare sur son chariot, ses chevaux s'emballaient, elle tombait au fond du précipice et mourait. Dans la version modifiée par la présence de Doc en 1885, il va la chercher à la gare mais c'est lui qui meurt trois jours après (en fait il est mortellement blessé par Buford dès le lendemain et met deux jours à succomber histoire d'en rajouter une couche dans le masochisme). Dans la version modifiée par la présence de Marty en 1885, Doc ne se rend pas à la gare car il espère éviter la rencontre avec Clara mais comme pour George ou pour Marty, on ne peut échapper à son destin. Doc est un sauveur (besoin de rédemption oblige) et Clara est sur son chemin, quoiqu'il fasse pour s'en écarter.

103.
"Elle a dû avoir une sacrée frousse, après tout Mademoiselle Clayton a failli finir au fond du ravin Clayton. Le ravin Clayton ?

Oh la vache ! Eh Doc ! il a été baptisé comme ça à cause d'une institutrice, elle serait tombée dedans il y a 100 ans.

Il y a 100 ans ? mais c'est cette année ?

Tous les enfants connaissent cette histoire parce qu'ils aimeraient voir leur institutrice tomber dans le ravin.

Nom de Zeus ! Elle aurait dû tomber dans le ravin avec le chariot ! Mais alors, j'ai peut-être faussé le cours de l'histoire…"

104.
Avec ce dialogue, on touche à une question aussi délicate que la nitroglycérine: celle de la réécriture de l'histoire qui est à Zemeckis ce que la machine est à Doc. Zemeckis est un grand manipulateur d'images d'archives (on le voit déjà dans RVLF mais c'est encore plus flagrant dans Forrest Gump) et a été accusé à plusieurs reprises de révisionnisme néo-nazi (ou en France de lepénisme!) On lui a reproché par exemple d'avoir dépossédé la communauté noire de deux de ses contributions à l'histoire et la culture des USA: la genèse du rock et l'émancipation politique, toutes deux devenant des initiatives de Marty (qui souffle l'idée de la mairie à Goldie Wilson et de Johnny B Goode à Chuck Berry). Cela n'était sans doute pas conscient de la part de Zemeckis (c'était plutôt un jeu, un rêve) mais cela montre que le diable peut se cacher dans le moindre détail: la destruction de l'almanach ou d'une photo (un autodafé) ou les messages subliminaux (un viol des foules dans la propagande fasciste).

105.
En effet entre le révisionnisme (qui consiste à réinterpréter l'histoire en fonction de nouvelles sources ou d'un changement de contexte politique, social, culturel) et le négationnisme (qui consiste à effacer la mémoire de ses crimes en détruisant ou falsifiant ou dénigrant les preuves historiques) il n'existe que l'épaisseur d'une feuille de papier à cigarette. Celle de la conscience et de l'éthique. Et la frontière est d'autant plus ténue que les négationnistes emploient le mot révisionnistes pour se définir. 

106.
Zemeckis sait évidemment qu'il joue avec le feu (oui, lui aussi, bien sûr, forcément, puisque Doc est une projection de lui-même). Et en même temps, comment cela ne lui tiendrait-il pas à coeur? Lui aussi doit jongler avec ses racines.

107.
Les racines paternelles de Zemeckis se situent en Lituanie (pas de hasard, bien sûr...) La Lituanie fut l'un des épicentres de la Shoah car sa capitale Vilnius était un haut lieu de la culture juive européenne, "la Jérusalem de l'Europe du nord" et la haine antisémite très forte au sein de la population locale. De toutes les communautés juives d'Europe, celle de Lituanie fut la plus martyrisée. Plus de 95% des juifs lituaniens (254 mille sur 265 mille) furent exterminés par les nazis et les lituaniens collaborateurs. A cela s'ajoutèrent des formes de cruautés extrême comme l'interdiction faite à partir de 1942 aux femmes du ghetto de Kaunas d'accoucher sous peine de mort pour elles et leur famille ce qui les obligèrent à tuer leurs propres enfants. Aujourd'hui encore, ce pays n'assume pas son monstrueux passé collaborationniste. A quand le travail de mémoire de ce pays aussi nécessaire que celui qu'effectue en ce moment la Pologne?

108.
Pas question donc d'aller dans le passé pour effacer ses erreurs de jeunesse (l'achat de l'almanach ou la participation au programme Manhattan par exemple). Pas question non plus de réécrire la grande histoire. Doc ne fait que des choses qu'il pourrait parfaitement accomplir sans sa machine. C'est le cas lorsqu'il tranche le lien avec sa racine pourrie comme l'avait déjà fait son père avant lui et replante celles qui lui restent ailleurs (ce qui est plus ou moins l'histoire de la famille de Zemeckis). Le père de Doc, Erhardt Von Braun avait en effet déjà balisé le terrain en émigrant, en changeant de nom durant la première guerre mondiale et en épousant une jeune femme juive issue d'une famille de pionniers installés à Hill Valley depuis au moins les années 1880, Sarah Lathrop. 
 

109.

Les erreurs ne sont pas effacées mais rachetées ce qui implique d'en assumer la responsabilité, tout le contraire des actes des nazis qui fuient ou nient les leurs. Ce sont sur les fils et petits-fils de bourreaux que pèse la culpabilité que leurs ancêtres n'ont pas assumé et rompre avec eux est le seul moyen de pouvoir revivre. Il en est ainsi par exemple de Rainer Höss, petit-fils de Rudolph Höss le commandant d'Auschwitz. Après une terrible période d'errements, il a rompu tous les liens avec sa famille et refondé sa filiation en se choisissant une grand-mère symbolique. Pas n'importe laquelle: une des jumelles survivante des expériences du docteur Mengele. Le fait que celle-ci ait accepté montre que le besoin est réciproque: "Je l'admire et je l'aime. Il a besoin de recevoir l'amour d'une famille, celle qu'il n'a jamais eu (...).Pardonnez à tous ceux qui vous blessent. Cela vous guérira de l'intérieur et vous rendra libre."'(Eva Mozes Kor).
Quant à ceux qui refusent cette voie, ils se suicident (soit directement soit en refusant d'avoir une descendance comme ce fut le cas des fils de Hans Frank, l'un des nazis jugés à Nuremberg) ou continuent de végéter dans l'idolâtrie mortifère de leurs ancêtres (comme la fille de Goering ou la majeure partie de la famille de Höss).

110.
Pour que l'insertion d'un personnage dans l'Histoire se fasse sans que cela ne passe pour du négationnisme, celui-ci doit bénéficier d'une protection spirituelle qui le rende imperméable à la corruption du monde. C'est pourquoi les personnages de Zemeckis sont très proches de ceux de Frank Capra: des candides au milieu des requins. Ils sont protégés par leur "innocence" qu'elle se nomme "idiotie " (dans le cas de Forrest Gump) ou "folie" (dans le cas de Doc). Ils sont évidemment rejetés par la société mais au final, ils réussissent sans vraiment le vouloir à devenir des sortes de guides spirituels car ce sont des figures christiques.

111.
Dans cette troisième version de la même histoire, Doc se retrouve donc face à un dilemme. D'un côté la crainte de manipuler le temps et de prendre le risque du paradoxe temporel bien plus que la perspective de se faire tuer (qui n'a jamais arrêté Doc, personnage courageux, téméraire, voire suicidaire): "je suis un scientifique, je dois me comporter comme tel. Je t'ai exhorté à ne jamais rompre le continuum pour ton profit personnel, c'est valable pour moi aussi." De l'autre la culpabilité d'avoir fait du mal à Clara car évidemment il n'est pas question de revenir en arrière et d'effacer le poids de ses actes (avoir choisi de vivre en 1885, avoir choisi de sauver la jeune femme et avoir entamé une relation amoureuse avec elle.) "Il ignorait comment il pourrait continuer à vivre en sachant la peine qu'il avait causé à cette jeune fille." Cette situation souligne encore une fois la règle morale implicite qu'ont choisi Gale et Zemeckis à propos de l'utilisation de la machine. Elle sert à donner une seconde chance de faire le bon choix et non à fuir (c'est à dire effacer) ses responsabilités.

112.
"On est pas à notre place ici. Ni vous ni moi Doc (...) Alors dites-moi, quel est le bon choix à faire, là-dedans" (Marty désigne son front, le siège du cerveau et donc de la raison).
Une première lecture peut laisser croire que celui qui se comporte comme un homme raisonnable dans cet épisode c'est Marty et que l'irresponsable est Doc. Une seconde lecture démontre que les deux personnages sont mûs par leurs pulsions et se comportent de façon irresponsable. L'attitude de Marty est dictée avant tout par la frustration et non par la raison. Qu'il compense par l'activisme viril via la manipulation des armes et le duel avec Buford (l'influence du Docteur Folamour, toujours...). Celle de Doc qui consiste à suivre Marty et à renoncer à Clara est une façon de fuir ses responsabilités, comme dans le premier film. Dans les deux cas la "raison" recouvre des motifs bien peu glorieux.

113.
C'est pourquoi en risquant sa vie pour le rejoindre, Clara oblige Doc à prendre ses responsabilités. Elle rejoue en effet la scène de leur rencontre puisqu'elle se retrouve à deux doigts de tomber à nouveau dans le ravin (ou sous les roues du train) et qu'une fois de plus il la sauve, scellant cette fois ci définitivement son destin. Il ne sont pas si nombreux, les films qui font une vraie place au désir féminin. Or c'est la force de ce désir qui balaie au final tous les obstacles, incarné par une Clara galopant à bride abattue sur son cheval, les cheveux au vent. Tout à fait à l'image de Lorraine adolescente dont Clara est en quelque sorte une version achevée, émancipée. (Et les parallèles entre les deux femmes sont nombreux, notamment dans la mise en scène avec la visite de l'atelier de doc ou la scène de bal ou encore la raclée exhutoire à Biff/Buford). Ce n'est pas un hasard: de même que Doc est une alternative à George, Clara est une alternative à Lorraine.

114.
La femme cristallise (et c'est exactement le mot qu'emploie Doc d'ailleurs "cristallisation émotionnelle") à la fois le bonheur et la souffrance liés aux voyages temporels aussi bien dans la Jetée, dans la Traversée du temps que dans Retour vers le futur. Dans les trois cas on a un homme venu d'un futur post-apocalyptique et voyageant dans le passé à la recherche d'un paradis perdu qui finit par s'incarner dans la figure d'une femme rédemptrice symbolisant la grâce divine. A la fin de RVLF III, Doc reçoit Clara comme un cadeau du ciel, une délivrance, une preuve qu'il est -enfin- pardonné.

115.
Rédemptrice, Clara l'est au plus haut point. C'est l'anti-Von Braun. Certes elle partage avec lui la passion pour Jules Verne et l'astronomie. Son père lui a offert son télescope quand elle avait 11 ans. Dans le cas de Wernher Von Braun c'est sa mère qui lui a offert son télescope quand il avait 13 ans. Mais Clara utilise ses connaissances dans un but de transmission (elle est institutrice) et non dans un but de puissance. Et elle a en plus un esprit tout aussi visionnaire que Doc ce qui en fait le symbole d'une possible refondation du rêve vernien.

116.

"Des Clara, on en trouve une sur des millions, une sur des milliards, une sur x puissance infini." Les femmes de sciences ne courent pas les rues et lorsqu'elles existent, la société les annihilent d'une façon ou d'une autre: brûlées, lynchées, effacées des livres d'histoire (un négationnisme "à la source" dont on ne parle jamais, l'histoire étant largement écrite par des hommes). La chute de Clara dans le précipice est une excellente métaphore de la place qui l'attendait à Hill Valley. Les mentalités ont depuis bien peu changé. On ne compte plus les "soi-disant" fans de RVLF qui insultent Lorraine à longueur de page et rêvent de tuer Clara d'une façon ou d'une autre (et ils ont beaucoup d'imagination, j'ai pu le vérifier). Ils ne se rendent même pas compte que la trilogie leur tend un miroir, celui de Biff Tannen, la brute sexiste au cerveau de pois chiche qui ne jure que par ce qu'il a en dessous de la ceinture.

117.
"Emmett, croyez-vous qu'un jour viendra où nous pourrons nous embarquer pour la lune comme nous voyageons à travers le pays, en train ? (Clara)

Sans nul doute, remarquez il faudra attendre 84 ans et ce ne sera pas en train mais en véhicule spatial, en capsule envoyée dans les airs par des fusées, des appareils qui produisent de gigantesques explosions, des explosions si... si puissantes, qu'elles su... (Doc)

...Qu'elles suppriment tout effet de pesanteur et envoient le projectile dans la stratosphère !" (Clara)
De la terre à la lune est le roman préféré de Clara qui est complémentaire de Doc puisque lui rêve plutôt d'explorations sous-marines et souterraines. Cette complémentarité symbolise l'harmonie et la plénitude de leur union d'autant que ce dialogue a évidemment un double sens, celui du sublime Madame rêve qui est au féminin ce que Docteur Folamour est au masculin. D'ailleurs comme lors du moment où il l'invite à danser, Doc laisse sa phrase en suspens et c'est Clara qui d'un ton ferme et définitif la termine pour lui, à l'image d'une personnalité qui comme on le sait va jusqu'au bout de ses désirs. 

118.
Voilà pourquoi lorsqu'ils se rencontrent, Doc et Clara se reconnaissent comme deux personnes très spéciales, dont la place est partout et nulle part ce qui ouvre tous les possibles.

"Vous avez lu Jules Verne ? (Doc)

Ah j'adore Jules Verne ! (Clara)

Mais je l'adore aussi !" (Doc) (...)

"Je n'avais jamais rencontré une femme qui aime Jules Verne." (Doc)

"Je n'avais jamais, jamais rencontré quelqu'un comme vous." (Clara)

II- "Grandir c'est mourir un peu": faire le deuil de l'amitié fusionnelle

47.
"Je croyais que nous trois c'était spécial et que nous resterions ensemble pour toujours. Je n'imaginais pas que ça pouvait s'arrêter." (Makoto, La traversée du temps)
"Comme ils étaient tous les deux des moutons noirs dans leur environnement respectifs, un lien étroit se forma entre eux." (Bob Gale à propos de Marty et de Doc)
"Marty, j'ai pris une décision. Je ne partirai pas avec toi demain. Je vais rester ici."(Doc, RVLF III)
"Doc ne reviendra plus jamais. Tu peux pas savoir comme il va me manquer." (Marty, RVLF III)
 

48.
La Traversée du temps de Mamoru Hosoda a beaucoup de points communs avec Retour vers le futur. Il s'agit d'un récit initiatique, mélangeant comme lui plusieurs genres et plusieurs tonalités (de la plus légère à la plus sombre). Makoto, l'héroïne, a le même âge que Marty et le film raconte par conséquent son passage de l'adolescence à l'âge adulte. Ce passage se fait comme pour Marty grâce aux voyages dans le temps. Un temps plus proche que dans RVLF: l'héroïne remonte le temps au cours d'une même journée. Cette journée est décisive pour son avenir car elle doit déterminer son destin.

49.
Makoto est une adolescente particulièrement immature. Elle n'a aucune envie de se déterminer, aucune envie de prendre de décision, aucune envie d'avoir des responsabilités, aucune envie de grandir. A ceux qui la pressent de choisir une orientation professionnelle, elle donne des réponses fantaisistes montrant qu'elle ne prend pas cela au sérieux. De même, elle forme un trio amical fusionnel avec ses amis Kosuke et Chiaki qu'elle ne souhaite pas voir évoluer. Elle-même est une véritable garçon manqué.

50.
C'est dans ce contexte que Makoto reçoit le pouvoir de remonter le temps. C'est un pouvoir limité. Un compteur indique sur son bras le nombre de voyages possibles et elle ne peut remonter que de quelques minutes ou de quelques heures. Pendant un bon tiers du film, Makoto utilise ce pouvoir de façon complètement futile (traîner au lit, repasser ses examens pour améliorer ses notes, manger ses plats préférés plusieurs fois de suite etc.) sans se rendre compte que le temps lui est compté et qu'elle le gaspille.

51.
Un jour, Kaho, une jeune fille attirée par Kosuke lui fait une déclaration d'amour. Il la repousse mais cet événement suffit à déstabiliser le trio. Chiaki demande à son tour à Makoto de sortir avec lui, ce qu'elle ne veut surtout pas entendre. Elle utilise le pouvoir de remonter le temps pour effacer les paroles qui la dérangent. Chiaki se rapproche alors d'une autre fille. Pour ne pas rester en tête à tête avec Kosuke, elle remonte le temps jusqu'à ce qu'elle arrive à le faire sortir avec Kaho.

52.
C'est alors seulement que Makoto découvre l'engrenage fatal de toutes ces petites manipulations temporelles. Au début du film, les freins de son vélo ont lâché la projetant sur les voies du train au passage à niveau. Elle a échappé à la mort en découvrant son pouvoir de remonter le temps mais a négligé de faire réparer son vélo. Plus loin dans le film, elle assiste avec horreur au même accident mortel au même moment mais cette fois c'est Kosuke et Kaho qui ont emprunté son vélo et sont projetés sur les voies. Leur mort n'est évitée que grâce à Chiaki qui fige le temps et se sacrifie à son tour. Il révèle alors à Makoto son secret: il vient du futur et a apporté puis égaré la noix qui a permis à Makoto de voyager dans le temps. Il a utilisé sa dernière cartouche temporelle pour sauver Kosuke ce qui le condamne à disparaître. Tour à tour, Makoto se voit mourir puis voit mourir ses deux amis ce qui symbolise la fin de leur trio.

53.
Il a fallu cette confrontation à la tragédie et à la mort pour ouvrir les yeux de Makoto. C'est alors seulement qu'elle comprend la portée de l'expression écrite sur le tableau de son lycée et aperçue au début du film.
 

54.
Lorsqu'elle découvre qu'elle dispose d'une dernière chance de remonter le temps, elle utilise tout ce qui lui reste d'énergie pour sauver la vie de Chiaki et lui permettre de rentrer chez lui. Elle s'engage alors à le rejoindre dans le futur (ce qui est une façon de déterminer son avenir à la fois sentimental et professionnel). Elle prend un autre engagement, symbolique celui-ci: protéger le fragile tableau de paix (restauré par sa tante) que Chiaki souhaite tellement voir au moins une fois dans sa vie afin qu'il existe encore à son époque. Et peut-être même contribuer à empêcher la guerre qui semble avoir ravagé la terre dans le futur (Chiaki lui décrit son époque comme presque vide d'hommes, sans rivière, sans ciel bleu, sans vélo, sans baseball, bref celle des souterrains post-atomiques de La Jetée de Chris Marker... c'est fou comme La Traversée du temps, la Jetée et Retour vers le futur se ressemblent.)

55.
Cette longue digression par La traversée du temps a pour but de mieux éclairer la fin de Retour vers le futur III. Lorsque Marty rentre en 1985, il se retrouve (lui aussi) sur une voie ferrée à un passage à niveau et  a juste le temps de s'éjecter avant que la Deloréan ne soit détruite par un train lancé à toute vitesse.

56.
En contemplant les débris de la voiture, il pense qu'il ne reverra plus jamais Doc qui au dernier moment a fait demi-tour et a décidé de rester en 1885. Cette séparation affecte profondément Marty qui se retrouve livré à lui-même avec son avenir à construire. Le vent de folie et de liberté que lui a apporté Doc, il doit désormais le chercher en lui.

57.
C'est dans RVLF II que cette séparation a une première fois lieu. Lorsque Marty sort du tunnel poursuivi par Biff, Doc lui lance une guirlande de fanions arrimée à sa Deloréan volante. Marty s'accroche à cette guirlande et s'envole au nez et à la barbe de Biff. Un peu plus tard, lorsque la foudre frappe la voiture et l'expédie en 1885 le contact est brusquement coupé entre Doc et Marty qui communiquaient avec des talkie-walkie. De plus celui-ci voit la guirlande de fanions dont le bout a été calciné par l'éclair lui tomber dessus. On ne peut mieux illustrer l'expression "couper le cordon".

58.
Cette séparation est ensuite soulignée au début du troisième film lorsque Doc envoie une lettre à Marty depuis l'année 1885: "Il ne faut pas, je dis bien il ne faut pas que tu essaies de venir me chercher dans le passé. Je suis parfaitement heureux de vivre ici en plein air, dans les grands espaces sauvages, et je crains que les voyages dans le temps intempestifs ne servent qu'à provoquer de nouvelles ruptures du continuum espace-temps (...) Telles sont mes volontés, je te demande de les respecter à la lettre. Et voilà Marty, il ne me reste plus qu'à te dire adieu et à te souhaiter bonne chance. Tu as toujours été un ami généreux et fidèle, sans toi ma vie n'aurait pas été la même. Je n'oublierai pas ce que nous avons vécu ensemble. Je penserai à toi avec beaucoup d'affection, et tu garderas toujours une place à part dans mon coeur.

Ton ami dans le temps : Doc Emmett Brown, 1er Septembre 1885"

59.

Mais à cause de la découverte de la tombe indiquant la mort de son ami six jours seulement après l'envoi de la lettre, Marty prend le risque de désobéir. Il retrouve donc Doc en 1885 pour le prévenir et lui sauver la vie, un scénario qui semble très proche de celui de RVLF I. Cependant s'y rajoute un élément nouveau. Marty brûle également de découvrir qui est cette "bien-aimée Clara" qui a fait ériger la tombe en sa mémoire.

60. 

Dans le premier film, Marty a assisté (à) la rencontre de ses parents, une rencontre qu'il a réorientée selon les codes d'un cliché viriliste qui s'est ensuite refermé sur lui comme un piège. Le voilà maintenant aux premières loges pour assister aux débuts de l'histoire d'amour entre Doc et Clara et en prendre de la graine. Et il va être servi, se prenant quelques claques bien senties au passage. Car dans ce domaine comme dans les autres, Doc ne fait les choses ni comme les autres, ni à moitié (tout comme Zemeckis et Gale qui ont eu le culot d'aller jusqu'au bout de leur idée "folle" comme ils le disent eux-même. A moi, leur idée me paraît très sensée au contraire ah ah ah!)

61.

Ce que Marty voit, c'est que son ami s'éloigne inexorablement et surtout s'éclate ce qui produit compte tenu de leur différence d'âge un effet d'inversion des rôles générationnels aussi puissant et signifiant que dans le premier film. Deux scènes illustrent particulièrement cette nouvelle configuration plutôt subversive: celle durant le festival de Hill Valley où Marty se retourne pour parler à Doc et constate avec stupéfaction qu'il est parti danser avec Clara. Et celle du lendemain matin où Marty qui est hébergé dans l'atelier de Doc se réveille et constate que ce dernier a découché. 

62.

Cette inversion n'a pas -en dépit des apparences- le même sens que dans le premier film. Elle révèle l'étendue du vide affectif (et de la frustration sexuelle) dans lequel vit Marty et provoque systématiquement chez lui la même réaction de déni. Marty tourne le dos à ce qui le dérange et "compense" sa frustration en sortant son flingue. Comme le dit Buford Tannen, "s'amuser, c'est pour les mauviettes."

63.
De plus en plus dépassé par la situation (son ami qui s'échappe et qui lui échappe), Marty essaye de le remettre dans le droit chemin (toujours cette incroyable inversion des rôles qui ne manque pas de sel!). Il lui rappelle avec un sermon bien moralisateur semblable à celui de sa mère en version aigrie qu'il a une épée de Damoclès sur la tête et qu'en tant que scientifique il ne peut pas croire qu'il a un avenir en 1885. Doc n'est pas difficile à convaincre car il est toujours aussi tourmenté par son propre démon intérieur qui lui intime l'ordre de ne pas profiter personnellement de la machine qu'il a créé (voir III). Il décide donc de rompre avec Clara (après lui avoir dit la vérité, utilisant à peu près les mêmes mots que Chiaki "Je viens du futur, je dois retourner dans mon époque", mais sur le moment elle ne le croit évidemment pas) pour suivre Marty.

64.
L'acte final se déroule donc grandeur nature sur les rails d'une voie de chemin de fer inachevée. Une locomotive lancée à toute vapeur pousse la DeLoréan pour lui faire atteindre les 88 milles à l'heure et la renvoyer en 1985 avant qu'elle ne tombe dans le précipice. Marty est dans la voiture, Doc après avoir chargé la locomotive s'apprête à sauter dans la voiture.

65.

Sauf que Clara après une course folle contre le temps semblable à celle de Makoto a réussi à monter à bord du train d'extrême justesse: "Si tu ne vois pas arriver celui que tu attends, tu fonces tête baissée pour le retrouver." (La Traversée du temps).

66.
Quand Doc l'aperçoit, il n'a pas encore sauté dans la voiture et il fait aussitôt demi-tour pour aller la chercher. Mais la locomotive a atteint le point de non-retour à une vitesse qui s'approche de 140km/h et ils perdent l'équilibre, accrochés aux rebords du flanc de la machine par les mains pour Doc et le bas de sa robe pour Clara. Marty comprend alors qu'ils vont mourir tous les deux. Ce qu'il va pour la dernière fois empêcher. Car sans lui, ni Doc ni Clara n'auraient survécu.

67.
Au moment le plus critique, Marty a l'idée d'envoyer l'hoverboard à Doc qui peut ensuite récupérer Clara juste au moment où la Deloréan disparaît dans le futur et quelques secondes avant la chute de la locomotive dans le ravin. Une véritable chaîne de transmission qui défie le temps et l'espace (2015 pour l'hoverboard, 1985 pour Marty et la Deloréan, 1885 pour le train).

68.
Et c'est ainsi que leurs chemins se séparent définitivement. Marty rentre seul en 1985 laissant derrière lui Doc et Clara qui restent en 1885 (voir III).

69.

Beaucoup de fans n'ont jamais digéré cette fin et continuent à réclamer depuis 25 ans au réalisateur Robert Zemeckis un quatrième opus bien régressif (alors qu'il y a déjà pas mal de produits dérivés de ce genre). Même chose du côté des studios qui espèrent remplir leur tiroir-caisse. Zemeckis leur a répondu que tant que lui ou Bob Gale seraient en vie, ils s'y opposeraient farouchement: " Bob Gale est le gardien de l'intégrité de Retour vers le futur. Nous contrôlons ces personnages et n'avons pas l'intention de laisser qui ce soit faire un remake de ces films." Ca les rend fous (...) C'est un succès assuré qui ferait carton plein à son ouverture (...) c'est tout ce qui compte pour eux."  
Rajoutant un brin fataliste "Après notre mort, je suis sûr qu'ils essaieront sauf  si nous trouvons un moyen de l'empêcher."
Alors je leur tire mon chapeau une fois de plus et je leur souhaite une très longue vie.

I- Marty Mc Fly et son père George: surmonter la fatalité héréditaire

1.
"Ca le mettait toujours en boule qu'on le mette dans le même sac que son père" (scénario novélisé de RVLF I).
"Oh ce que tu es nouille! C'est à se demander comment je suis venu au monde." (RVLF I)
"Personne, je dis bien PERSONNE ne me traite de mauviette." (RVLF II)
"Tu ne vas pas perdre tout discernement chaque fois qu'on te traite de quelque chose, c'est à cause de ça que tu auras cet accident dans le futur !" (RVLF III)

2.
Marty voyage dans le temps parce qu'il y est poussé par les circonstances et non avec le but clairement affiché de changer sa propre vie ou celle de sa famille. C'est le chemin parcouru à la fin de la trilogie qui donne un sens à sa trajectoire.

3.
Cette trajectoire est indissociable de la relation que Marty entretient avec son père. En dépit de leurs différences apparentes de caractère, les destinées du père et du fils Mc Fly sont profondément liées. Tous deux devront surmonter leur manque de confiance en eux pour pouvoir s'accomplir. Cependant seul le fils voyage dans le temps et peut donc changer la destinée de son père. Comme il s'agit d'un acte contre-nature ("Un gamin qui apprend à son père à être un homme" pour reprendre l'expression de Bob Gale), il lui faudra ensuite s'affranchir de toute référence paternelle (biologique) pour pouvoir exister pleinement par lui-même.

5.

Soumis, résigné et veule, il subit sans broncher les brimades de son chef de bureau Biff Tannen qui l'humilie et l'exploite (il lui fait notamment rédiger ses rapports dont il s'attribue ensuite la paternité). Pour se justifier aux yeux de son fils consterné il lui dit qu'il "n'a jamais su affronter les situations conflictuelles."

6.

Toute sa famille subit les conséquences de son comportement irresponsable: sa femme Lorraine est alcoolique, ses deux premiers enfants sont des ratés sans parler de son beau-frère qui est en prison. Leur niveau de vie est modeste et la voiture de Georges, emboutie par Biff est inutilisable.

7.

Seul Marty, le plus jeune et le plus dynamique des enfants Mc Fly semble vouloir échapper à ce sinistre destin. Cependant son rêve de devenir une rockstar se heurte à l'atavisme familial et social. 

8.
Lorsque Marty passe son audition, son fougueux talent se heurte aussitôt à un jury conservateur et coincé qui l'élimine dès la première minute avec ce verdict: "C'est assourdissant". Le message est clair: Marty n'a aucune chance de s'épanouir artistiquement à Hill Valley.

9.

"Marty, un échec c'est quand même pas la fin du monde".

"Non je dois vraiment pas être fait pour la musique."

"Mais tu es très doué, faut absolument que tu continues, la maquette que tu as faite est super géniale, il faut que tu l'envoies à une maison de disques!" 

Incompris par sa famille, rejeté par le jury local, Marty manifeste des doutes vis à vis de son talent qui handicapent déjà son objectif de réussite. Dans une scène coupée il va jusqu'à s'autocensurer en décidant au dernier moment de ne pas envoyer sa maquette. 

10.

C'est dans ce contexte de crise que Marty est projeté 30 ans en arrière, en 1955 et se retrouve confronté à ses parents au même âge que lui. Cette expérience d'un passé qui redevient présent se transforme en moyen de modifier le destin de ses parents (puisque l'on ne peut agir que dans le présent) tout en en apprenant plus sur eux. Au passage il découvre un Hill Valley pimpant, aux antipodes du centre-ville dégradé et dévitalisé de 1985, traduction du désengagement néolibéral de l'Etat et de la croissance des centres commerciaux et lotissements de banlieue.

11.
Il découvre notamment qu'adolescent, son père est déjà le souffre-douleur de Biff Tannen et d'autres élèves du lycée. Face à eux, il se comporte comme un petit garçon impuissant "Ils sont plus grands que moi". Comme le prophétise Goldie Wilson le futur maire de Hill Valley  qui est garçon de café en 1955 "Si tu laisses les gens te marcher dessus, ils te marcheront dessus toute ta vie."

12.
Timide et peu courageux, il est également incapable d'avouer ses sentiments à Lorraine dont il est amoureux. Il préfère jouer les voyeurs caché dans un arbre ce qui consterne Marty, profondément honteux du comportement de son père. En effet il comprend grâce au récit que lui a fait sa mère que c'est à la suite de cet événement peu glorieux qu'il a été percuté par la voiture de son futur beau-père et qu'en le soignant, Lorraine a éprouvé des sentiments pour lui ("l'effet Florence Nightingale" ou l'infirmière qui tombe amoureuse de son patient). Telle la belle au bois dormant (!), George a subi passivement les événements.

13.

Face à ce désastre ambulant qu'est George, la tentation de l'effacer du tableau familial se réalise à deux reprises. Mais loin de libérer Marty, le meurtre de son père menace directement son existence. En 1955 sans le vouloir, Marty empêche ses parents de se rencontrer en se faisant percuter par la voiture à la place de son père. De ce fait il se retrouve dans une situation oedipienne avec sa mère qui entraîne ni plus ni moins que la disparition progressive des enfants Mc Fly.

14.

En 2015 dans le deuxième film, Marty achète un almanach donnant les résultats des paris sportifs sur les cinquante dernières années dans le but de retourner en 1985 pour s'enrichir plus vite (que ne l'a fait son père avec ses livres et que pourrait donc le faire Marty avec sa musique). Après tout la réussite de son père à la fin du film I, très "années 80" n'est-elle pas imprégnée de matérialisme, laissant entendre que le bonheur vient avec la réussite? 

15.

Mais l'almanach (confisqué par Doc qui ne veut pas que sa machine serve pour un quelconque profit personnel, voir III) tombe finalement aux mains de Biff Tannen âgé de 77 ans. Celui-ci trouve en cet objet un moyen de changer son destin qui s'est retourné en sa défaveur à la fin de RVLF I. Il vole la Deloréan et remonte donc jusqu'au 12 novembre 1955 (date à laquelle il a été mis KO par George à la fin de RVLF I) pour se le donner à lui-même.

16.

Lorsque Marty retourne en 1985, il se retrouve dans une réalité autre que celle qu'il a quitté, un 1985 dystopique où Biff, devenu milliardaire et régnant en tyran sur la ville a assassiné George, épousé Lorraine (de nouveau alcoolique et dotée de faux seins), fait interner Doc à l'asile et est sur le point d'assassiner Marty à son tour (avec le pistolet qui a "refroidi" son père). Bref chaque personnage est confronté à la pire version possible de son destin quand Biff trouve le moyen d'accomplir le sien.

17.

Il est d'ailleurs frappant de constater à quel point le scénario de Retour vers le futur II a une connotation religieuse: celle de la chute (alors qu'à l'inverse dans le troisième film, c'est le thème de la grâce qui domine.) A l'origine, les deux films n'en formaient qu'un seul et peuvent être vus comme un diptyque. On peut aussi souligner le fait que 2015 et le 1985 alternatif expriment les angoisses des deux Bob quant au futur. Un futur où il ne serait plus possible de créer, ou la logique commerciale et financière aurait tout envahi, aboutissement d'un processus déjà largement avancé dans le 1985 "normal". Un pessimisme qui s'est malheureusement avéré assez réaliste (comme le montre l'ascension de Donald Trump, modèle de Biff Tannen).

18.

Cette variante de 1985 offre donc un nouveau scénario oedipien par le truchement de Biff, une nouvelle impasse fatale qui ne sera réparée qu'après être retourné en 1955 pour voler et brûler l'almanach maudit avant que celui-ci ne s'en serve.

19.

Marty fait aussi d'autres découvertes instructives sur son père en 1955. Ainsi il apprend à sa grande surprise qu'il nourrit comme lui des ambitions artistiques puisqu'il écrit des histoires de science-fiction. Mais il ne veut les faire lire à personne. Et quand Marty lui demande pourquoi, il lui répond qu'il n'ose pas prendre le risque (ben tiens!): "Et si elles ne plaisaient pas aux lecteurs. S'ils me trouvaient nuls?" Soit presque les mêmes mots employés par Marty pour justifier son refus d'envoyer sa maquette à une maison de disques: "Et si j'envoie la cassette et qu'elle ne leur plaît pas! S'ils me trouvent nuls, s'ils disent que je n'ai aucun avenir? Je ne supporterais pas un refus. Je me mets à parler comme mon vieux!" C'est d'autant plus vrai que George dit à propos de Lorraine qu'il ne supporterait pas un refus s'il prenait le risque de l'inviter.

20.

En empêchant ses parents de se rencontrer selon les modalités qui les ont conduit au naufrage de leur couple en 1985, Marty s'est mis dans une situation périlleuse mais il donne aussi à ses parents une nouvelle chance de reconstruire leur relation sur des bases plus saines. Dans un saisissant renversement des rôles générationnels (et ce n'est que le début!), Marty devient alors le mentor de son père. Il l'encourage à écrire, à inviter Lorraine au bal, à s'affirmer. 

"Tu crois que je dois jurer ?

Mais oui ! Absolument George, putain jure ! hein !

Après, tu t'approches de moi, tu m'envoies un direct dans l'estomac, je vais au tapis pour le compte, et Lorraine et toi vivrez heureux et vous aurez beaucoup d'enfants.

Comme ça, ça à l'air très facile. Le seul... le seul problème c'est que j'ai une de ces trouilles !

George enfin, y'a aucune raison d'avoir peur, essaye d'avoir un peu confiance en toi !"

21.

Marty monte de toutes pièces une scène destinée à montrer à Lorraine que George peut être un battant, un homme fort capable de se défendre et de protéger celle qu'il aime (c'est ce qu'elle attend d'un homme). Il emmène Lorraine au bal dans la voiture de Doc et sur le parking, s'apprête à l'agresser sexuellement pour que George vienne ensuite la sauver. Mais il est complètement tétanisé par cette situation oedipienne et ne peut rien faire. Dans une scène coupée, il confie même à Doc qu'il a peur de devenir gay. Celui-ci qui se méprend sur le sens du mot (il ne s'est pas encore répandu en 1955 pour désigner l'homosexualité) lui répond "qu'il n'y a pas de mal à être heureux" ce qui est une allusion directe à l'un des réalisateurs préférés de Zemeckis, Billy Wilder et son "Personne n'est parfait." Zemeckis est un cinéaste de la différence et le mot gai désigne à l'origine toutes les personnes qui sortent de la norme.

22.

Heureusement, le destin (ça doit être jubilatoire parfois d'être scénariste) s'en mêle et remet les choses dans le bon ordre. Au dernier moment l'homme que doit affronter George pour conquérir Lorraine s'avère être Biff qui a éjecté Marty de la voiture et a pris sa place. En effet, à chaque fois qu'un personnage doit faire quelque chose de décisif pour son destin/avenir, il est obligé d'affronter la situation qu'il redoute le plus, quoiqu'il fasse pour y échapper (c'est en effet aussi le cas de Marty et de Doc dans le film III). Or Biff est l'archétype de "l'hétéro beauf" qui concentre toutes les peurs de George et qui est donc l'obstacle à abattre. 

23.

C'est à cette occasion que George découvre le pouvoir de son poing gauche et terrasse Biff. Cet événement change le cours de sa vie. Il conquiert virilement Lorraine, est admiré de tous, réussit une carrière d'écrivain et acquiert un mode de vie bourgeois.

24.

Lorsque Marty revient en 1985 à la fin de RVLF I il trouve sa famille complètement transformée: ses parents sont riches, amoureux et sûrs d'eux, son frère a réussi socialement, sa sœur accumule les succès amoureux, Biff désormais soumis travaille pour eux  etc. Cette assimilation du bonheur à la réussite sociale des années reaganienne n'est qu'un leurre. Elle est abandonnée dans le film suivant, l'enrichissement étant au contraire l'instrument du malheur. Le film I est le portrait d'une époque sur laquelle les auteurs avaient du recul car ils ne s'y retrouvaient pas. Sinon ils n'auraient pas érigé des moutons noirs en héros ni montré un centre-ville en lambeaux avec du porno à la place des lieux culturels...

25.

Justement celui qui ne s'y retrouve pas c'est Marty. La réalité qu'il a connu, même s'il n'y était pas bien était la sienne. Celle qu'il découvre lui est étrangère. Et l'on peut souligner le fait que le fossé avec sa famille (son père surtout) ne s'est pas réduit. Celui qui voyage dans le temps ne se transforme pas avec la réalité qu'il transforme. Il reste issu de l'histoire qu'il a quitté. Il n'est donc plus chez lui nulle part et est plus seul que jamais. Comme si en changeant le destin de ses parents, il avait sacrifié le sien. Ce qui est logique en un sens. Marty a joué le rôle du père de son père. Si bien qu'au lieu de s'en s'affranchir et de grandir, il l'a réparé au prix de sa castration symbolique. C'est pourquoi l'enjeu des films 2 et 3 va être celui de propre sauvetage.

26.

Durant son premier voyage, Marty a pu concrétiser son plus grand rêve l'espace d'un court moment. Il est en effet monté sur scène pour interpréter Johnny B. Goode, le hit de Chuck Berry trois ans avant sa sortie officielle devant un parterre en délire (en 1955 contrairement à 1985, on apprécie le rock!). Ce qui fait de lui l'inventeur (par usurpation) de l'une des plus grandes chansons de rock jamais crées, le cousin de Chuck Berry lui téléphonant pendant la séquence pour lui faire écouter ce "son nouveau". Au passage Marty en profite pour se défouler une fois encore et en imitant le style des plus grands guitaristes, il "repousse les murs".

27.

Pourtant lorsque l'on retrouve Marty âgé de 47 ans dans le 2015 de Retour vers le futur II, il n'a plus rien de rock and roll. C'est un homme courbé, éteint, harassé, qui n'arrive plus à sortir le moindre son harmonieux de son instrument. Que s'est-il donc passé dans sa vie?

28.

Le premier film prophétise déjà le funeste destin de Marty lorsqu'il commence à effacer sa main, l'empêchant de jouer de la guitare. Choix tout sauf anodin car lui couper la main revient à lui couper les ailes, à le priver d'avenir.

29.

Dans le deuxième film, on découvre que juste après son retour en 1985 il a encastré le 4x4 offert par son père dans une Roll's Royce. A la suite de cet accident il a perdu l'usage de sa main et a dû abandonner la musique.

30.
Devenu un obscur employé de bureau comme son père en version loser avant d'être rapidement licencié par son patron, Marty habite à Hilldale, la banlieue soi-disant de "rêve" vantée par les panneaux publicitaires de 1985. Et comme Marty est bien conditionné, quand il apprend qu'il y vivra en 2015, il s'en réjouit. Seulement entre-temps, elle est devenue une "bidonzone", à l'image de la ghettoïsation de Lyon Estates, la banlieue où il a grandi et que les panneaux publicitaires de 1955 vendaient comme le must de l'American way of life. Bref en se soumettant aux diktat de la société dans laquelle il vit, Marty passe complètement à côté de sa vie.

31.
Marty est donc devenu en 2015 le clone de son père en version loser comme si rien n'avait changé depuis le début du premier film, comme si l'histoire bégayait inlassablement. Jennifer l'a épousé parce qu'elle avait pitié de lui (exactement comme Lorraine avec George dans la première version de leur histoire de couple). Si bien qu'en 2015 son couple périclite et ses enfants ne lui parlent quasiment plus à l'image de la famille Mcfly de la première version de 1985.

32.

Tout ceci fait la joie du vieux Biff Tannen qui rumine depuis 60 ans sa vengeance et qui est trop heureux d'accabler le fils de l'homme qui l'a humilié en 1955: "Ton père est un pauvre type, M. Loser. Loser avec un grand L." dit-il à celui qu'il croit être Marty junior et qui est en fait le Marty de 1985 projeté en 2015.

33.

Rien ne semble pouvoir éclairer le sombre tableau familial des Mc Fly. Marty junior, le fils de Marty, est -comme George en 1955- un gamin immature, peureux, toujours plongé dans la TV, tyrannisé et manipulé par Griff Tannen le petit-fils de Biff. Ce dernier l'implique dans de sales coups qui doivent le faire condamner à 15 ans de prison, rejoint peu après par Marlene sa sœur jumelle qui avait voulu le faire évader et qui elle en prend pour 20 ans! (dans une autre version du scénario, elle se suicide). 

34.

Le fait que Michael J. Fox joue les trois rôles (le père et ses deux enfants) est lourd de sens sur l'avenir bouché qui les attend. En effet la seule famille où un acteur joue tous les rôles est celle de Biff Tannen (Buford l'aïeul de 1885, Biff à 17, 47 et 77 ans, son petit-fils Griff et même la voix de sa grand-mère qui semble être la seule personne à l'élever dans un vide familial et identitaire intersidéral.) Une famille maudite à travers les âges, brutes sans cervelle de père en fils sans espoir d'évolution possible. 

35.

Quant à Jennifer, aaaah Jennifer, c'est l'archétype de la girlfriend made in années 80 dont toutes les préoccupations tournent à partir de RVLF II autour des signes extérieurs de richesse. En cela elle est bien le pendant féminin du côté matérialiste et conformiste de la personnalité de Marty qui par ailleurs comme nous le savons possède aussi une personnalité rebelle qui comme celle de sa mère est "rentrée dans le rang". Ce qui la consterne dans RVLF II c'est moins de voir son mari anéanti que le fait d'avoir fait un mariage minable (au sens pécunier du terme). Bref l'illustration parfaite de la dépendance matérialiste qui tue tout espèce de joie, de liberté et de désir (je parle des vrais désirs et non des pâles ersatz que propose la société de consommation "on nous inflige, des désirs qui nous affligent...").

36.

Seule l'intervention du Marty fringant de 1985 (avant l'accident qui lui a coûté sa main) informé et épaulé par Doc qui est allé le chercher après avoir suivi toute l'histoire en se déplaçant dans le temps permet d'empêcher la chute définitive de toute sa lignée.

37.

Cette intervention ne règle pas la situation de Marty. Les raisons du naufrage de sa vie sont exposées au début du deuxième film par Lorraine sa mère

"Le gros problème de ton père Marlene, c'est qu'il perd son sang-froid quand on le traite de mauviette. Combien de fois l'a-t-on entendu dire: "Maman, je ne veux pas qu'il croie que je suis une mauviette." Il y a 30 ans, ton père a essayé de prouver qu'il n'était pas une mauviette. Il a fini par avoir un accident de voiture (...) cet accident a causé une réaction en chaîne et a gâché la vie de Marty. Sinon la vie de ton père aurait été différente. Le type n'aurait pas porté plainte, Marty ne se serait pas cassé la main, il aurait continué à jouer et n'aurait pas passé sa vie à se lamenter." 

38.

Le complexe de Marty est apparu immédiatement après son premier voyage temporel dans le premier film. Inutile de s'étendre sur le pourquoi de ce rapport désormais pathologique à la virilité, c'est une conséquence de l'inversion des rôles père-fils du film I. Marty est littéralement enfermé dans ce schéma autodestructeur, Marlene le dit d'ailleurs au début du film II: " Quand le réparateur a traité papa de mauviette, papa l'a jeté hors de la maison. Personne ne va le réparer." 

39.

Dans le troisième film situé en 1885, Marty retombe évidemment dans les mêmes ornières. Sauf que cette fois-ci dans le contexte du Far West ce n'est plus son bonheur qui est en jeu mais sa vie. Pour sauver Doc que Buford Tannen s'apprête à tuer, il s'interpose (avec un frisbee!) et finit par accepter un duel avec celui-ci après avoir été traité de "yellow belly" ("trouillard" en français). 

40.
RVLF III marque un retour aux origines (celles qui sont inscrites dans les deuxièmes prénoms de Marty et de Doc, Seamus et Lathrop voir III). C'est aussi bien un voyage spirituel qu'une plongée au coeur des pulsions. On y retrouve la problématique (exacerbée) du premier film. Face à un ennemi qui se comporte comme un chien enragé (le surnom de Buford est "Mad dog" ou "Molosse" en français), Marty s'enferme dans l'attitude du (com)battant qui en réalité s'abaisse au niveau de son adversaire, la seule alternative qu'il connaisse étant celle de la mauviette (= celui qui n'a rien dans le pantalon). L'influence déterminante du Docteur Folamour de Kubrick (voir préambule et III) joue ici à plein son rôle. Le flingue est un substitut phallique censé prouver la toute-puissance de celui qui le possède mais qui en réalité le dépossède de tout ce qui vaut la peine d'être vécu.

41.

Heureusement sa rencontre avec Seamus, son arrière-arrière grand-père irlandais fraîchement immigré aux Etats-Unis va contribuer à le sauver. Contrairement à George, Seamus est un homme mature, sage et avisé. C'est lui qui va donner à Marty les conseils du père dont il a besoin pour grandir.

42.

Seamus lui révèle également le triste sort de son arrière-arrière grand-oncle, un certain Martin Mc Fly (pour rappel Marty est le diminutif de Martin):

"Il me rappelle le pauvre Martin.

Qui ça ?

Mon frère.

Attendez une minute, attendez. Vous a... vous avez un frère qui s'appelle Martin McFly ?

J'avais un frère. Martin laissait n'importe qui le provoquer en duel. Il redoutait que les gens le prennent pour un froussard s'il avait refusé. Et on l'a retrouvé avec un poignard planté dans l'estomac dans un saloon de Virginia City.

Jamais il n'imaginait l'avenir ce pauvre Martin. Que Dieu veille sur son âme !"

43.

Marty espère longtemps échapper au duel en réussissant à quitter le Hill Valley de 1885 avant qu'il ait lieu. Mais pour évoluer, il doit affronter la situation (comme l'a fait son père face à Biff en 1955). Son départ est donc retardé, essentiellement à cause des errements de Doc confronté lui aussi à un choix crucial pour son avenir (voir II et III). Si bien que le jour j et l'heure h (moins 5 minutes mais Buford ne sait pas lire...) il se retrouve dans le saloon de la ville avec Buford qui l'attend dehors et tous les clients qui ont parié sur lui et le mettent sous pression. Et c'est là qu'à lieu le déclic. Parce qu'il a changé d'identité (donc de filiation) il peut s'offrir la liberté de dire non:

"Partout, tout le monde dira que Clint Eastwood est le pétochard qui a le plus les foies de l'Ouest (...)

"C'est un sale con! Ce que dit Tannen, je m'en fiche, et je me fiche bien de ce que peuvent dire les autres !"

44.

Marty est finalement obligé d'affronter Buford qui a pris Doc en otage mais il trouve une ruse pour ne pas se laisser prendre au piège. Il jette son arme (son fardeau héréditaire) à terre et survit à la balle que lui envoie son adversaire. En effet il se confectionne un gilet pare-balles de fortune à la manière de son mentor spirituel, Clint Eastwood dans Une poignée de dollars de Sergio Leone (dont Biff regarde un extrait dans le deuxième film). Après avoir neutralisé définitivement Buford qui est enfin arrêté, il fait don de son arme (un colt pacificateur, la bonne blague!) à Seamus. Celui-ci va immédiatement le changer contre un nouveau chapeau. Fin de l'histoire.

45.

Au terme de ce voyage initiatique, Marty retourne en 1985 et reçoit comme cela avait été le cas pour son père une seconde chance. Il revit la scène de l'accident et cette fois, ne répond pas à la provocation, sauvant ainsi sa main et son avenir.

"Tu me crois pas assez bête pour faire la course avec ce taré ? (...)

La vache ! J'aurais percuté la Rolls Royce !"

46.

Ayant retrouvé l'intégralité de ses capacités, Marty a désormais toutes les cartes en main pour percer dans la musique et dire bye bye à Hill Valley et à tout ce qui va avec. D'autant qu'il a reçu un précieux sésame de la part de Doc. Un personnage crucial pour Marty qui a besoin de s'identifier à un autre modèle que celui de sa famille biologique. Encore faut-il que Doc fasse sa révolution copernicienne et change de statut, de rôle, de place.

Introduction

L'histoire (1)

26 octobre 1985. Martin Seamus Mc Fly surnommé "Marty" est un lycéen de 17 ans passionné de rock et de skate. Il joue dans un groupe, les Pinheads, et rêve de devenir une rockstar. Il semble en décalage avec une famille de losers complètement ringarde dans laquelle il souffre et une petite ville bien plan-plan dans laquelle il étouffe. Pour y échapper, il se réfugie chez Emmett Lathrop Brown dit Doc, un  (apparemment) vieux scientifique excentrique et solitaire, en décalage avec le monde qui l'entoure lui aussi. Ce dernier met au point une machine permettant de voyager dans le temps à partir d'une Deloréan modifiée. C'est le point de départ de toute la saga.

Dans la chambre de Lorraine (la mère de Marty) adolescente se trouve un recueil de poèmes les "Sonnets portugais" d'Elizabeth Barrett Browning. Cette poétesse de l'époque victorienne a vécu cloîtrée dans sa chambre jusqu'à l'âge de 40 ans. Officiellement elle avait une santé fragile et était paralysée. En réalité ses maux d'origine hystériques étaient dûs à des traumatismes (mort de sa mère, de son frère préféré) et à l'oppression exercée par son père tout-puissant. Il voulait garder ses enfants près de lui et exerçait un subtil chantage affectif sur eux afin qu'ils ne se marient pas. Elisabeth avait parfaitement intégré les besoins de son père auxquels elle répondait par sa maladie qui permettait à celui-ci de la maintenir à l'état de petite fille. Sa situation était si désespérée qu'elle se voyait déjà enterrée. L'oeuvre d'Elisabeth est devenue son seul contact avec le monde extérieur. Elle a tant touchée le poète Robert Browning qu'il a débuté une correspondance avec elle puis a fait des pieds et des mains pour pouvoir la rencontrer. Ils finissent par se marier clandestinement et s'enfuir en Italie. Comme par hasard, les troubles hystériques d'Elisabeth disparaissent une fois libérée de sa prison, mariée et établie en Italie. Evidemment après cette "trahison", son père n'a plus jamais voulu lui adresser la parole: "Aucun de ses enfants ne se mariera jamais sans rupture."

Des personnages enfermés dans une prison physique et mentale sans issue apparente et qui cherchent et parfois parviennent à s'en évader grâce à leur créativité, voilà le véritable sujet de RVLF. "Vous êtes maîtres de votre vie et qu'importe votre prison, vous en avez les clés."(Le Dalaï-Lama).

Un carburant nommé désir (1)

Pour quelle raison malgré ses 30 ans la saga n'a-t-elle pas pris une ride? C'est parce qu'elle déborde d'énergie! Tous ceux qui y ont participé à commencer par les acteurs se sont donnés sans compter. Par exemple Michael J. Fox a tourné le premier film en 12 semaines essentiellement la nuit en même temps qu'une série TV le jour. Il ne lui restait que quelques heures pour dormir. De même Robert Zemeckis, le réalisateur a vécu une période de cinq mois tout aussi dingue en 1989 où pendant qu'il tournait le jour Retour vers le futur III, il montait la nuit Retour vers le futur II, faisant des dizaines d'allers-retours en jet privé entre les studios d'Hollywood et la Californie du nord.

Un carburant nommé désir (2)
"Quand on veut très fort quelque chose, on finit toujours par y arriver." Cette incantation quasi-magique que Marty communique à son père lui vient en fait de Doc. RVLF est sous-tendu par de puissants désirs, le premier d'entre eux étant celui qui a conduit Doc à inventer sa machine à voyager dans le temps au bout de 30 ans de recherches. En effet pour supprimer l'effet de pesanteur et s'envoyer dans la stratosphère, il faut un carburant "qui arrache". Le carburant le plus puissant de l'être humain, c'est l'énergie sexuelle. Particulièrement en ce qui concerne les trois bombes prêtes à exploser le carcan puritain que sont Marty, sa mère Lorraine et bien sûr Doc. Pour les dégoupiller, les auteurs avaient imaginés dans un premier temps de situer une partie de l'action du deuxième film en 1967 pendant le Summer Love histoire que Marty découvre le vrai visage de sa mère en robe à fleurs et celui de son ami (et crypto-père) sous LSD (visiblement il en a gardé des traces dans les années 80 ah ah ah!) mais ils ont finalement renoncé à cette idée et il leur a fallu trouver un autre moyen de parvenir au même résultat.

Un discours subliminal

Retour vers le futur est une œuvre cryptée. Ses auteurs (Robert Zemeckis le réalisateur et scénariste et Bob Gale le producteur et co-scénariste) ont transformé beaucoup d'éléments narratifs en signes ou en symboles. Si bien qu'aussi réfléchis et fignolés qu'ils soient, les films n'apparaissent jamais pour ce qu'ils sont vraiment car leur forme divertissante fait écran. Bref les deux Bob sont les rois de l'illusionnisme et du tour de passe passe, la profondeur de leur oeuvre ne transparaissant que de façon subliminale. Le but de la manoeuvre étant de faire passer comme une lettre à la poste auprès des studios et du grand public un message subversif qui serait rejeté s'il était perçu consciemment.

Un univers ludique...
L'emballage de la trilogie est en effet léger, ludique, humoristique et enlevé bref "cool" et "fun". 
Premier exemple, le mythique hoverboard qui fait rêver déjà depuis deux générations (l'hologramme du film Les dents de la mer 19 n'est pas mal non plus...);

Deuxième exemple de cette légèreté, les déguisements successifs de Marty qui à chacun de ses voyages temporels endosse une panoplie différente,

Doc lui préfère les véhicules-jouets grandeur nature (encore que son costume estampillé "2015" vaille à lui seul le détour):

Dernier exemple: les rencontres entre deux versions du même personnage dans le film II (version jeune/version âgée, version film I/version film II dont une partie se déroule au sein des événements du film I etc.) qui donne lieu à des situations parfois assez surréalistes.

... Sur lequel plane l'ombre menaçante de la mort

L'une des références de Retour vers le futur est la Fureur de vivre de Nicholas Ray, sorti en 1955 (année clé de la saga de Zemeckis). Les deux films mettent en scène des adolescents en manque de repères face à des adultes démissionnaires. Par conséquent ces jeunes se mesurent en permanence à la mort ce qui hypothèque leur passage à l'âge adulte. Dans chaque film de la trilogie, Marty manque de peu se faire assassiner et lutte pour sauver de la mort l'un ou l'autre de ses deux pères. L'énergie débordante de Marty et de Doc est liée à la situation de crise dans laquelle ils sont plongés. C'est l'énergie du désespoir ou plutôt d'un l'ultime espoir, celui de trouver une issue à une situation qui ne semble en présenter aucune.

Le destin: un produit du libre choix... 

Le destin est l'un des thèmes centraux de la trilogie. Deux questionnements se superposent: est-il écrit d'avance ou bien est-il ce que l'on en fait? Et nos choix sont ils réellement libres? Le premier film tend à être une démonstration à travers l'exemple de George de la toute-puissance du volontarisme ("Quand on veut, on peut.") Néanmoins il laisse entrevoir des moments plus troubles comme lorsque George fait un lapsus en tentant de se déclarer à Lorraine.

...Ou de la fatalité?

A partir du deuxième film quand l'intrigue se resserre sur Marty et sur Doc, les choses se compliquent. Un événement dans leur histoire (passée ou future) a brisé leur vie qui était pourtant pleine de promesses. Comment se libérer de cette fatalité? Question à laquelle Doc aimerait bien répondre avant qu'il ne soit trop tard (doux euphémisme) et qui l'a conduit à inventer sa machine à voyager dans le temps "Je veux avoir une perception plus précise de l'humanité. Notre passé, notre futur, les embûches, les possibilités, les périls et les espérances. Répondre à cette question universelle: pourquoi?" Car la machine permet de changer son destin donc de déjouer la fatalité. A condition de comprendre les mécanismes qui ont conduit à l'issue fatale pour ne pas les répéter!

Le voyage dans le temps comme moyen de changer son destin

Le parcours de Marty et de Doc à travers des points précis du temps (deux dates clés du passé, 1885 et 1955 et une date clé du futur, 2015) entraîne des modifications sur leur présent (1985).

Il n'y a en effet pas une seule version de 1985 mais au moins trois:

-Première version (avant les voyages dans le temps): tous les personnages sont des losers sauf le méchant Biff Tannen qui est un petit chef tyrannique.

-Deuxième version (après les voyages de Marty en 1955 dans RVLF I et RVLF II puis en 1885 dans RVLF III): tous les personnages ont réussi leur vie et se sont épanouis sauf Biff Tannen devenu à son tour un loser.

-Troisième version de 1985: la vengeance de Biff Tannen dans RVLF II. Devenu milliardaire grâce à l'almanach et la DeLoréan, Biff a transformé Hill Valley en enfer et assassiné ou asservi tous les personnages:

Si on y regarde de plus près, il existe également (au moins) trois versions des autres dates, toujours à cause des interventions de Marty et de Doc (Biff n'a volé la DeLoréan qu'une seule fois).
Les décisions des personnages à un point H de l'histoire s'avèrent donc déterminantes, les lignes temporelles pouvant être modifiées par les voyages dans le temps. C'est cette variation du thème de la"seconde chance" qui rend l'histoire si passionnante. 

Le voyage dans le temps, puissant moteur de transformation de soi
"Les jeux de passage d’une époque à l’autre ouvrant sur des vies alternatives pour chaque personnage ne sont pas gratuits. Il s’agit d’apprendre à faire les bons choix pour mener une existence heureuse". (Titiou Lecoq, Libération.fr, 21 octobre 2015) 
Retour vers le futur est un récit initiatique, un récit où les personnages apprennent de leurs erreurs et se transforment. Mais son enjeu n'est pas simplement celui du passage de l'adolescence à l'âge adulte. Il s'agit de comprendre comment on devient un adulte heureux c'est à dire accompli. Pour Marty comme pour Doc, cela passe par un combat ardu avec la fatalité essentiellement liée à une hérédité problématique (I et III). Par un sacrifice nécessaire: celui de leur amitié fusionnelle dont la fin marque aussi celle de la saga. (II). Et enfin par la construction d'une nouvelle généalogie et d'un nouvel univers (IV).

Préambule

"Les plus grands rois (...) prisent les fous plus que les sages austères."
Erasme, Eloge de la folie, XXXVI

Préambule

J'ai toujours pris les comédies au sérieux, au point de les préférer bien souvent aux drames. L'humour et le rire sont de formidables moyens de faire passer les messages les plus subversifs. Parmi les films que je préfère, les comédies sont omniprésentes. J'aime tout particulièrement ces chefs-d'oeuvre que sont L'Extravagant M. Deeds de Frank Capra, La Garçonnière de Billy Wilder, Docteur Folamour de Stanley Kubrick, Soupe au Canard de Léo Mc Carey (le meilleur film des Marx Brothers) sans parler de Brazil de Terry Gilliam qui s'apparente aussi à une comédie par certains de ses aspects. Parmi ces films, plusieurs ont eu une influence majeure sur les auteurs de RVLF, Robert Zemeckis et Bob Gale comme le prouve l'un de leurs premiers scénarios adapté au cinéma, 1941.

Bien qu'à la croisée de plusieurs genres RVLF s'inscrit dans le registre de la comédie. Mais à la différence de toutes celles que j'ai cité, elle souffre encore aujourd'hui de son étiquette de divertissement populaire. Tout au plus a-t-elle gagné avec le temps le statut "d'oeuvre culte" (il faut bien trouver une explication facile au fait que trente ans après elle reste dans le coeur de toute une génération alors que tant de films "auteurisant" sont tombés depuis longtemps dans les limbes de l'oubli). Quant à son réalisateur, Robert Zemeckis, il est lui aussi largement sous-estimé (les critiques en sont encore à débattre pour savoir s'il est un auteur ou un simple "faiseur", pffff!) Ce jugement condescendant explique au moins en partie qu'aucune analyse approfondie n'ait été menée à ce jour sur les films de Zemeckis.

Nos sociétés pleines de certitudes, de suffisance et d'arrogance auraient pourtant bien besoin d'écouter ses fous et autres idiots. Car si le bouffon a pour premier rôle d'amuser il en a un second, celui de révéler, de tendre un miroir grotesque qui est aussi un facteur de progrès (ou de blocage selon que la société veut ou non s'y contempler). Or tout, absolument tout dans Retour vers le futur fait sens, il faut juste faire l'effort de décoder son langage subliminal.

J'ai analysé la trilogie au sens large c'est à dire en incluant toutes les versions existantes des trois scénarios (qui se complètent), les scènes coupées, les éléments des décors et de la mise en scène et les commentaires oraux de ses deux créateurs, Robert Zemeckis et son co-scénariste Bob Gale. En effet tous ces éléments apportent énormément d'éclairages à un univers qui fonctionne beaucoup sous forme d'allusions. Comme la plupart des autres films de Zemeckis, RVLF possède plusieurs niveaux de lecture et sa simplicité apparente cache des personnages et des questionnements complexes.

CONCLUSION

Le titre est volontairement équivoque. Moi-même j'ai longtemps cru avant de le voir que Cléo avait un rendez-vous galant alors que le tirage des tarots par la cartomancienne au début du film annonce d'emblée la couleur.

De la rue de Rivoli jusqu'à l'hôpital de la Pitié-Salpêtrière, toutes sortes de messages subliminaux disséminés dans la ville lui envoient des signaux qui ravivent son angoisse: "Rivoli deuil", "Bonne santé", "Pompes funèbres", "Boulevard de l'hôpital".

"La lumière ne se comprend que par l'ombre et la vérité suppose l'erreur. Ce sont ces contraires qui peuplent notre vie, lui donnent saveur et enivrement. Nous n'existons qu'en fonction de ce conflit dans la zone où se heurtent le blanc et le noir alors que le blanc ou le noir relèvent de la mort." (Agnès Varda)

CXXVII

CXXIX
A Poudlard il y a quatre maisons portant le nom de leurs quatre fondateurs (Godric Gryffondor, Helena Serdaigle, Helga Poufsouffle et Salazar Serpentard). La quatrième maison, la maison Serpentard, verdâtre, glauque et souterraine, est clairement identifiée comme étant la maison du mal puisque la plupart des Mangemorts (partisans de Voldemort) et Voldemort lui-même en sont issus.

Il serait donc "plus raisonnable de s'en débarrasser. Mais ce serait aller à l'encontre de la philosophie de JK Rowling (...) le mal n'est pas repoussé en tremblant. On ne se contente pas non plus de lui opposer une force courageuse. On le traite avec compassion. A plusieurs reprises, Dumbledore a démontré que des sorciers déchus pouvaient se racheter. Chacun des quatre fondateurs de Poudlard a des qualités qui lui sont propres et qui font partie d'un ensemble équilibré. Même l'ambition de Serpentard peut servir la bonne cause, à condition qu'elle soit équilibrée par les caractéristiques des autres. Cela fait partie de la réalité de chaque individu tout comme Harry a un peu de Voldemort en lui. Essayer de l'éliminer serait aussi dérisoire qu'impossible. " (David Colbert)

CXXX
Mon personnage préféré dans Harry Potter est Severus Rogue parce qu'il est à la croisée de tous les chemins. Ancien élève de Serpentard, c'est un ex-Mangemort devenu professeur de potions à Poudlard. Tout semble noir en lui. Il donne ses cours dans un cachot, est vêtu de noir des pieds à la tête, porte la marque des ténèbres sur son bras et emploie vis à vis de la magie noire un ton quasi "amoureux". De plus il déteste Harry et ne rate pas une occasion de l'humilier parce qu'il lui rappelle son père James, son ennemi juré à Poudlard qui lui faisait subir toutes sortes d'humiliations. 

CXXXI

Mais Rogue est également passionnément amoureux de son amie d'enfance,Lily, la mère de Harry qui symbolise la grâce divine.

Il se reproche sa mort (et le fait de ne jamais avoir réussi à lui avouer ses sentiments...) et est prêt pour se racheter et sauver son fils à tous les sacrifices, y compris celui de sa propre vie. "C'est la magie du personnage de Rogue: est-il bon, est-il méchant, est-il héroïque? Il est tout cela à la fois." (Editions Gallimard) ; " Jusqu'à la fin, Rogue a été guidé par deux sentiments opposés, l'amour et la haine, à travers le couple Potter." (Meziane Hammadi); "Qu'en est-il du troisième garçon perdu -après Harry et Voldemort-, cet amalgame complexe d'ombre et de lumière, l'agent double et assassin, le protecteur et l'adversaire?" (William Irwin et Gregory Bassham).
"L'histoire de Severus Rogue est celle d'un personnage torturé et ce depuis l'enfance. Un personnage tiraillé entre l'envie de faire souffrir comme il a souffert et l'envie d'aimer." (Solveig). Effectivement dans les scènes où on le découvre enfant, il manifeste simultanément des pulsions sadiques (envers Pétunia la soeur de Lily) et des élans de générosité pure venus du coeur (envers Lily). Bref, le pire et le meilleur de l'humanité réunis en une seule personne.

CXXXII
En donnant à l'un de ses fils -celui qui a les yeux de Lily- le prénom de Rogue, Harry accepte implicitement cet héritage, c'est à dire sa double identité de Gryffondor et de Serpentard.
 

"Rogue est l'un des personnages les plus marquants, les plus poignants de la saga Harry Potter. Il tient une place à part dans nos coeurs à cause de cette complexité, de cette ambiguïté qui le caractérise et surtout, à cause de ses multiples facettes, dont la plus belle et la plus vraie ne nous est révélée qu'au tout dernier moment. Enfin ce héros de l'ombre entre dans la lumière et le sera pour toujours puisqu'il est mort en oeuvrant pour le bien, motivé par un amour plus fort que la mort, plus fort que tout." (Solveig)
La double identité de Rogue (Gryffondor/Serpentard) est inscrite jusque dans son nom. En anglais il se nomme Severus Snape ce qui à une lettre près signifie "serpent" (snake). Mais son anagramme est "Perseus Evans", un héros tueur de serpent qui correspond à sa plus grande qualité, le courage. Quant à Evans, c'est le nom de jeune fille de Lily, le grand amour de sa vie.

- Passion/ Bonheur

Violent et glauque, le film libère en effet le fauve qui sommeille en Giraudeau et montre de lui un côté plus sombre et plus crade. Mais il ne va quand même pas très loin. Certes rescapé d'un gang, Chet est en réalité un chevalier blanc parti à la rescousse des "petites filles" enlevées par l'ignoble Hagen (joué un Bernard Pierre Donnadieu au sommet de sa forme).

En 1999 François Ozon lui offre le rôle de Léopold dans Gouttes d'eau sur pierres brûlantes (1999) d'après une pièce de Fassbinder quelque peu autobiographique qui étudie (comme souvent chez lui) les rapports de domination/soumission ici entre quatre personnages enfermés dans un appartement dont les fenêtres ne s'ouvrent pas. 

Derrière cette relation sado-masochiste passionnelle, un non-dit et un interdit majeur, celui de la relation homosexuelle, suggérée entre autre à l'aide de phrases équivoques (du genre "Je lirai dans vos yeux que nous partageons le même plaisir" ou "C'est la première fois que je tolère quelqu'un dans mon intimité".) L'issue ne peut être que tragique, un meurtre (ou suicide par procuration).

Peu à peu, il perd ses certitudes et ses repères d'occidental comme le montre l'évolution de son rapport au miroir.

CXIII
En même temps son parcours est marqué par un refus masochiste du plaisir, du bonheur, du succès et de la reconnaissance au travers d'une obsession de la perfection qui confine à l'autopunition permanente. En lui existe un furieux compétiteur qui ne gagne jamais (il n'a remporté aucun prix sauf pour ses deux derniers livres écrits quand il n'était plus en conflit avec lui-même). De même un trop grand succès public au lieu de le combler ouvre des abîmes d'angoisse (celle d'être enfermé, celle d'être à la hauteur ou tout simplement digne de ce succès). 

CXV

CXVI
Dans Cher amour, c'est l'expression des sentiments qui passe au premier plan. 
Dédicacé à une certaine madame T à qui il s'adresse, on comprend assez vite qu'il s'agit de cette femme rêvée qui l'a accompagnée tout au long de sa vie. Sauf qu'elle finit par s'incarner "je n'envisage pas de continuer cette vie tumultueuse sans aimer. Je ne peux pas éternellement écrire à une ombre, sans lui dire, lui parler et ne jamais avoir de réponse." Madame T prend alors les traits d'une femme bien réelle, celle avec laquelle il a passé les dernières années de sa vie (Thora Mahdavi). Cher amour esquisse la réunification entre l'imaginaire et le réel,  la sexualité et les sentiments.
"Je vous aimerai telle que vous êtes, non telle que je vous ai imaginée. Ce sera ma force et ma guérison. Ainsi commence ce jour le vrai voyage de ma vie puisque ce qui fut vécu n'était qu'un rêve effleuré." 
"Il ne faudra pas oublier les gestes, même esquissés, qui disent la tendresse, les gestes si souvent négligés, oubliés comme un repli du coeur. Je serai encore un peu maladroit mais vous allez m'aider mon amour."

CXVIII

CXIX
Octobre 2014
Pendant notre séjour à La Rochelle, nous nous rendons sur les lieux qui ont nourri l'imaginaire de Bernard Giraudeau dans son enfance, constatant qu'ils ont été symboliquement détruits les uns après les autres.
En application du code international pour la sûreté des navires et des installations portuaires (une conséquence des attentats du 11 septembre 2001), le port de la Pallice a été clôturé et interdit au public. Il a perdu jusqu'à son nom (n'étant plus relié au quartier de la Pallice il a été rebaptisé "port atlantique").

Le boulevard Emile Delmas, désormais séparé du port s'est dévitalisé (le Sea men's club, nouveau lieu de détente pour les marins se situant dans l'enceinte du port).
 

L'inauguration du pont reliant l'île de Ré au continent en 1988 a ouvert une boîte de Pandore. Ne reconnaissant plus le terrain de jeu sauvage de son enfance, défiguré par endroits par les villas de stars et le tourisme de masse, Bernard Giraudeau a fini par revendre la maison qu'il y possédait.
 

CXX

En attendant l'ouverture imminente de la maison du port, un bâtiment H.Q.E (haute qualité environnementale) qui désenclavera l'extrémité du boulevard Delmas et permettra enfin aux Rochelais et aux touristes de revenir contempler le trafic du port. Seulement, ils seront parqués sur une plateforme panoramique de 150 m2 qui permettra de voir de loin mais pas de toucher ou de respirer l'odeur des grumes. Ni de lire leur provenance "Le Libéria? Ca doit être un pays où tout le monde est libre..." (Bernard Giraudeau)

DEUXIEME PARTIE

Fosca est bouleversée par la beauté de Giorgio mais aussi par sa sensibilité si semblable à la sienne et totalement insolite chez un homme de ce temps et de ce milieu. Elle tombe passionnément amoureuse de lui et révèle sa force de caractère hors du commun (prodigieuse Valeria d'Obici!). En effet ses sentiments se manifestent de façon intense, opiniâtre, douloureuse et oppressive au travers de crises d'hystérie particulièrement terrifiantes. 

Après une longue lutte interne entre répulsion instinctive et attraction irrésistible, Giorgio finit par découvrir et accepter en lui un sentiment d'une intensité supérieure à tout ce qu'il a vécu jusque-là.

 Mais cette passion lorsqu'elle se concrétise finit par les détruire tous les deux.

LXVI
La beauté et son contraire, la laideur occupent une place centrale dans le film. Mais là où l'histoire s'avère profondément originale et moderne, c'est que ces deux notions sont sexuellement inversées. La beauté qui est d'essence féminine s'incarne dans un corps masculin alors que la laideur, attribuée traditionnellement au masculin (de la Belle et la Bête à Cyrano de Bergerac en passant par Quasimodo et Esméralda) s'incarne ici dans un corps féminin.

Elle s'aggripe à Giorgio, le prive peu à peu de sa force vitale, le vampirise. Plus le film progresse, plus celui-ci s'affaiblit et s'obscurcit, finissant par s'enrouler dans sa cape noire à la manière d'une grosse chauve-souris.

Quant à Fosca, sa laideur l'a tenue à l'écart des hommes puis l'a rendue malade lorsqu'elle a été flouée par un escroc qui s'est enfui le jour de ses noces avec sa dot. Depuis, la sexualité lui est interdite sous peine de mort. C'est justement pour cela qu'elle passe outre avec Giorgio avec les mêmes conséquences que dans La Belle au Bois dormant: "Le jour de ses 16 ans, elle se piquera le doigt avec un fuseau et elle en mourra."

" Je jure que j'ai cru, une nuit, au débarquement des contrebandiers sur les plages de l'Atlantique. Sur les pieds nus des pirates l'écume était phosphorescente. Un Long John Silver donnait rudement des ordres et maniait un grand coutelas. Un type avec un bandeau tenait un fusil. Il scrutait les dunes en s'attardant dans notre direction. Grouillez-vous les gars, y'a du danger, crachait-il tout bas mais assez fort pour être entendu, y'a mon nez qui me dit qu'on est peut-être pas tout seuls cette nuit. Dimitri a repéré un campement de l'autre côté des dunes, des mouflets qu'il a dit. Si je les prends, je les noie comme des petits chats." (Les dames de nage)

Plus tard, il y aura d'autres de ces écrivains navigateurs ou écrivains voyageurs ou écrivains aventuriers: Rimbaud, St-Exupéry, Kerouac, London etc.

Autre lieu-clé du quartier de la Pallice: le boulevard Emile Delmas situé juste derrière les docks, passerelle entre le port et la ville. La nuit tombée il se transforme en boulevard de la Soif.

Il a également oublié le fait que la marine est une partie de l'armée. Il est soumis à une discipline de fer, inspecté tous les jours, obligé de se plier aux pires corvées. 

LXXXIII
En plus de tout cela, il est le plus jeune et le plus frêle de l'équipage. Il a du mal à trouver sa place dans un monde d'hommes grossiers, brutaux et alcoolisés. Il se replie sur lui-même et n'est proche que de ceux qui comme lui écrivent des poèmes ou lisent de la littérature.
Tous les néophytes (surnommés "la "bleusaille") subissent des brimades. Un jour, il est victime d'une tentative de meurtre par pendaison. Celle-ci est interrompue par un second maître qui étouffe l'affaire. Cet événement longtemps tu laissera des traces. 

Les escales dans les ports sont d'autres moments de hautes turbulences. Certes, il y a des excursions, du shopping mais il y a surtout des virées de groupe dans les bars et les bordels qui tournent parfois au drame. 

Le point de non-retour est atteint lorsque ,furieux d'être réduit à une "machine-outil", il manque étrangler une prostituée à Kobé. Seule l'intervention d'un camarade l'arrête dans son geste meurtrier. Dans les années et les décennies qui suivent, c'est contre lui qu'il retourne cette violence et là encore, il faut des interventions extérieures pour l'empêcher de commettre l'irréparable. 

Il sait en effet qu'il dilapide sa jeunesse et que son avenir n'est pas dans la marine: " Dans l'enclos de l'armée vivent des âmes qui peu à peu se dessèchent. Quelques-uns et je fais mon possible pour être de ceux-là, tentent de sortir de ce sommeil malfaisant. Nous luttons contre ce sommeil troublé par des règles absurdes qui abaissent l'être. Non! Ce n'est pas la vie et la place d'un homme."

Après la Jeanne d'Arc, il embarque à bord de la frégate Duquesne (qui reste à quai) puis du porte-avions Clemenceau. Là, il explose. Feignant (ou non) un début de démence, il est interné en psychiatrie militaire et réformé le 23 novembre 1966.

En 2004, quarante ans après son premier tour du monde, Bernard Giraudeau est de retour sur la Jeanne d'Arc pour une traversée cathartique. Auréolé de son titre d'écrivain de marine, il a le statut honorifique de capitaine de frégate. A ce titre il peut naviguer sur n'importe quel bâtiment de la Royale (surnom de la marine nationale dont le siège se trouve rue Royale). Evidemment, c'est la Jeanne d'Arc qu'il choisit. Il dort dans la chambre de l'amiral, face à la mer et demande à monter tout en haut du mât pour filmer le passage du canal de Suez.