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Plaisir d'amour en Iran

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Varda (Agnès), #Court-métrage, #Réalisatrices

Agnès Varda (1976)

Plaisir d'amour en Iran

Témoin de son temps, ce court-métrage de Agnès Varda qui prolonge son long-métrage "L'une chante, l'autre pas" en développant le passage où Pomme (Valérie Mairesse) et Ali Darius (Ali Raffi) se rendent à Ispahan laisse songeur. Il contient les paradoxes de la période post-soixante-huitarde. D'un côté la libération sexuelle et la fascination pour un orient intemporel, exotique et fantasmé dans la lignée de l'orientalisme du XIX° siècle. De l'autre, l'occultation totale de la réalité du pays sous le régime du Shah qui s'ouvrait alors aux réalisateurs européens, trois ans avant la révolution islamique. "Plaisir d'amour en Iran" est donc une belle carte postale avec au dos une rêverie coquine digressant sur les formes suggestives des mosquées qui apparaît bien déconnecté des réalités du terrain (telles qu'elles peuvent être racontées dans "Persépolis" par exemple). Inutile de préciser qu'aujourd'hui, ce pays n'est plus vraiment associé au paradis des amoureux tel que se le représentent les occidentaux, au luxe, au calme, à la volupté. L'exotisme provient du fait qu'il a pu un jour y être associé.

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Simple Men

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Hartley (Hal), #Drame, #Polar, #Road movie

Hal Hartley (1992)

Simple Men

Hal Hartley était un cinéaste très apprécié des critiques au début des années 90 mais il disparut brusquement des radars après quelques films. Pour ma part, bien que les ayant vus, je les avais oubliés jusqu'à ce que Blow up, l'émission d'Arte n'évoque l'influence de Jean-Luc Godard sur le cinéaste à travers un extrait de "Simple Men" manifestement inspiré par la danse en trio de "Bande à part". Disons-le, c'est le meilleur moment d'un film la plupart du temps atone, monotone et assez décousu, peuplé de personnages poseurs et bavards, dont la plupart sont à peine esquissés. Il est d'ailleurs rempli de pistes qui tournent court: un cambriolage raté, un road movie qui s'arrête à peine entamé, une tentative de flirt sans suite, une vengeance qui tombe à l'eau... tout cela manque sacrément de carburant, sauf encore une fois durant le bref moment où Elina (Elina Löwensohn), Dennis (Bill Sage, aux faux airs de Hugh Grant jeune) et Martin (Martin Donovan) se déchaînent sur le titre Sonic Youth "Cool Thing". C'est évidemment bien trop peu et on comprend pourquoi la carrière de ce cinéaste n'a été qu'un feu de paille.

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L'Age des possibles

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Ferran (Pascale), #Comédie dramatique, #Réalisatrices

Pascale Ferran (1995)

L'Age des possibles

Invisible depuis des années (j'avais cherché en vain à le revoir à la sortie de "Lady Chatterley" en 2006), le deuxième film de Pascale Ferran est enfin rediffusé sur Arte qui l'avait co-produit. C'est l'occasion de le faire découvrir à une nouvelle génération qui peut y trouver des résonances actuelles d'autant que le film a gardé toute sa fraîcheur.

"L'Age des possibles" est à l'origine un film de commande que Pascale Ferran avait été chargée de réaliser pour le théâtre national de Strasbourg dans le but de lancer la carrière de dix élèves de sa promotion. Inspiré de ses souvenirs personnels mais également de la vie des jeunes comédiens, ce film traite donc l'entrée dans l'âge adulte, de ce moment, à la croisée des chemins où il faut faire des choix, amoureux et professionnels qui conditionneront sinon le reste de la vie, du moins l'orienteront et ce dans un monde de plus en plus incertain, ce qui est très bien résumé par cet extrait:

"Aujourd'hui, tout le monde a peur.
De ne pas trouver de travail, de perdre son travail,
de mettre des enfants au monde dans un monde qui a peur,
de ne pas avoir d'enfant à temps.
Peur de s'engager, d'attraper une maladie,
de passer à côté de la vie, d'aimer trop, ou trop peu, ou mal, ou pas du tout.
La peur est partout et partout provoque des catastrophes.
Elle s'autoalimente. Qui a peur aujourd'hui aura peur davantage demain.
La première chose à faire, le seul but à atteindre : tuer la peur qui est en nous."

Chaque personnage, dont le prénom commence par une lettre de l'alphabet (A comme Agnès, B comme Béatrice, C comme Catherine, D comme Denise etc. et ce jusqu'à J comme Jacques, le dixième personnage) représente une variante de la difficulté à passer ce cap. Il y a ceux ou celles qui temporisent avec un job alimentaire et un partenaire qui ne veut pas s'engager. Ceux ou celles qui vivotent dans une adolescence prolongée. Ceux ou celles qui multiplient des expériences. Ceux ou celles qui dépriment etc. Ces trajectoires sont liées les unes aux autres puisque les différents personnages ne cessent de se croiser, qu'ils soient camarades de promotion (comme dans la réalité), collègues de petits boulots, sondés et sondeurs, colocataires, amis, amants de passage ou en couple avant de tous se retrouver à une soirée rythmée par la chanson de Michel Legrand, "rêves secrets d'un prince et d'une princesse" extraite de "Peau d'âne" d'un des maîtres des jeux de l'amour et du hasard, Jacques Demy. La chanson française en tant que marqueur de l'époque occupe d'ailleurs une place très importante dans un film qui compte tenu de son thème est avant tout choral, qu'elle soit enregistrée ou chantée par les personnages (on entend notamment Cabrel, Souchon, Nougaro, les Rita Mitsouko, MC Solaar, Alain Bashung, Khaled etc.)

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L'Enfance nue

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Pialat (Maurice), #Drame

Maurice Pialat (1968)

L'Enfance nue

"L'Enfance nue" est le premier long-métrage de Maurice Pialat. Et c'est disons-le immédiatement, un film rare, un film à part. Alors que l'immense majorité de la production d'époque (de qualité ou non) a un caractère hors-sol, "L'Enfance nue" renvoie avec une justesse confondante au monde dans lequel ont vécu mes parents et donc par ricochet, celui dans lequel j'ai grandi. Bien que la région ne soit pas du tout la même, j'ai reconnu avec nostalgie une foultitude d'éléments de mon enfance, dans les vêtements, l'ameublement, la décoration, le phrasé, les postures corporelles, le quotidien, le mode de vie. Tous ces éléments capturent pour la postérité l'essence de l'âme et de la culture populaire hexagonale telle qu'elle était à la fin des années soixante, comme si Maurice Pialat savait déjà qu'elle allait disparaître. Il s'immerge dans cet univers, s'approche au plus près de ce qu'il filme, il nous fait ressentir la rudesse de ces existences et en même temps l'humanité et la dignité de ces (soi-disant) "petites gens". Son film a une pâte unique, il semble fait de matière brute et de gros blocs juxtaposés (les transitions n'intéressent visiblement pas Pialat). Le parallèle avec l'activité de peintre du cinéaste m'a d'ailleurs sauté aux yeux.

Par ailleurs, il y a du John Cassavetes (l'un de mes cinéastes préférés) chez Maurice Pialat dans le désir de saisir la vérité humaine dans toutes ses contradictions, sans fard (le titre "l'Enfance nue", l'évoque très bien). J'ai fait des recherches et découvert qu'un article (en anglais) leur avait été consacré, analysant leurs points communs: leur singularité, leur farouche indépendance, leur émergence dans la période suivant la nouvelle vague, le caractère improvisé d'un cinéma saisi sur le vif (qu'il soit en réalité maîtrisé comme chez Cassavetes ou pas chez Pialat qui emploie des acteurs non professionnels dans son film ce qui explique les bafouillages voire les erreurs de texte sans que cela n'affaiblisse pour autant la puissance que dégage le film) ou encore le va et vient de personnages qui semblent entrer et sortir du film comme nombre de personnes qui ne font qu'un passage temporaire dans notre vie. On peut également souligner le caractère théâtral de leur cinéma, "L'Enfance nue" ou "A nos amours", comme par exemple "Faces" ou "Une Femme sous influence" se déroulant principalement dans un lieu unique, l'intérieur du foyer.

Si le caractère ethnographique et documentaire de cette oeuvre est absolument remarquable, elle va bien au-delà en possédant la puissance de la fiction. L'histoire de cet enfant de l'assistance balloté de famille en famille, à la sensibilité exacerbée mais en même temps ingérable au quotidien est douloureuse. Sa soif d'amour bouleverse, ses bêtises déstabilisent et mettent les familles à l'épreuve. Personne ne sort tout à fait indemne d'un tel film.

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Cours, Lola, cours (Lola rennt)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Tykwer (Tom), #Action, #Thriller, #Drame, #Film expérimental, #Cinéma allemand

Tom Tykwer (1998)

Cours, Lola, cours (Lola rennt)

« Un film sur les possibilités de la vie, pour moi, c’est aussi forcément un film sur les possibilités du cinéma ». Pour son troisième film qui lui a permis de se faire connaître à l'international (je l'ai d'ailleurs vu au cinéma à sa sortie), Tom Tykwer imagine un récit minimaliste mais à la forme très travaillée, le tout sur un rythme effréné et une musique endiablée. Lola, une jeune fille aux cheveux rouge feu doit trouver en 20 minutes top chrono 100 mille marks et les donner avant l'heure fatidique à Manni, son petit ami qui l'attend à l'autre bout de la ville. Faute de quoi, la mort est au bout du chemin. Mais la magie du cinéma où tout est possible fait que Lola peut revenir au point de départ et retenter sa chance. Elle a droit à trois essais.

Tom Tykwer utilise quatre techniques différentes (photographie, vidéo, animation et cinéma) afin de démultiplier les possibilités de son récit de course contre la montre sans perdre le spectateur. Ainsi l'histoire du couple principal (très fortement identifié par des couleurs primaires flamboyantes, le rouge pour ce qui touche à Lola, le jaune pour ce qui concerne Manni) se joue en format cinéma, les intrigues secondaires qu'ils percutent mais qui n'ont pas de lien direct avec eux (les péripéties sentimentales du père de Lola par exemple) sont tournées en vidéo dans des teintes très ternes, le futur potentiel des passants qu'ils croisent apparaît sous forme de flashs instantanés et fixes qui se succèdent à toute vitesse (on entend même le bruit répétitif de l'appareil photo) alors que les flashbacks sont eux réalisés en noir et blanc. Enfin les séquences impossibles à réaliser en prise de vue réelle sont remplacées par l'animation, notamment la scène de l'escalier au début de chaque partie du triptyque qui s'avère déterminante pour la suite. 

En effet, comme dans la saga "Retour vers le futur", "Cours, Lola, cours" est un film sur le temps ou plutôt la distorsion du temps au cinéma (d'où les accélérations, les split-screen comme dans la série "24h chrono" etc.) Aucune explication rationnelle ne vient éclairer la possibilité qu'a l'héroïne de recommencer trois fois son parcours. On peut donc tout imaginer, y compris une expérience de mort imminente qui conduit à "rembobiner le film" et à proposer une nouvelle version. Comme dans la boucle temporelle de "Un jour sans fin", l'héroïne apprend de ses erreurs ce qui contribue à modifier le récit par des réactions en chaîne (l'effet papillon). On peut également y voir un écho à l'univers du jeu vidéo où on remet les pendules à zéro et on recommence une partie en temps limité en essayant de faire mieux (on constate par exemple que les trajectoires de Lola sur le dallage en plongée ne sont pas les mêmes d'une version à l'autre, d'abord en diagonale, puis en ligne droite). Enfin Lola est aussi le double du réalisateur, deus ex machina qui a un contrôle total sur le film. La scène du casino, totalement irréelle, peut également s'entendre ainsi, d'autant que c'est l'une de celles où les références cinématographiques sont les plus évidentes. Le tableau montrant le chignon d'une femme vue de dos fait penser à "Vertigo" qui faisait justement de Scottie un scénariste et un réalisateur en puissance puisqu'il réorganisait le monde selon ses désirs. De plus le chignon renvoie au motif de la spirale qui est au coeur du film de Alfred Hitchcock mais aussi de Tom Tykwer. Le cri de Lola (la nouvelle Marlène Dietrich?) qui casse le verre et l'aide à gagner à la roulette est une allusion évidente à "Le Tambour" qui lui aussi influait de façon invisible et décisive sur le destin. 

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Fargo

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Coen (Joel & Ethan), #Thriller, #Comédie policière, #Comédie dramatique

Joel Coen (1996)

Fargo

J'ai suivi fidèlement les frères Coen au cinéma jusqu'à leur cinquième film, "Le Grand saut" (1994). Mais celui-ci m'a tant déçu que j'ai ensuite complètement laisser tomber (jusqu'à récemment) leur filmographie. Résultat, je suis passée à côté d'un de leurs meilleurs films, mon préféré à ce jour qui mérite son statut de film culte.

Entre autres défauts, "Le Grand Saut" était un film assez impersonnel, un mélange désincarné et peu harmonieux de références cinématographiques faisant pourtant partie pour certaines de mes films préférés (de "L Extravagant Mr. Deeds" (1935) de Frank CAPRA à "Brazil" (1985) de Terry GILLIAM). Tirant la conclusion du relatif échec du film, les frères Coen ont décidé de faire l'inverse et de proposer avec "Fargo" un film extrêmement personnel mais qui, contrairement à certains de leurs films ultérieurs parvient à toucher à l'universel.

Film personnel en effet puisque l'action se déroule dans les plaines enneigées du Minnesota, région natale des deux frères au peuplement d'origine scandinave (si l'on en juge par les patronymes très nordiques de la plupart des personnages) et que le ton est complètement décalé. Le générique annonce un drame épique dans un désert blanc avec une musique grandiose (en référence à la mythologie de la conquête de l'ouest ou plutôt du middle ouest) mais la première scène désamorce complètement cette approche et donne à voir un autre visage, peu glorieux, de l'Amérique: on se retrouve dans un ploucland paumé peuplé de personnages minables, dont le niveau de bêtise n'a d'égal que l'inhumanité. Un club de dégénérés sans coeur, sans âme et sans cervelle qu'on imagine bien parmi les foules idôlatres du Führer durant le III° Reich. Mais l'histoire se déroulant aux USA à l'époque du tournage du film, le totem de ces glandus dont le vide intérieur est à la mesure de celui de leur environnement est le rêve américain, autrement dit la réussite par l'argent. Pour l'atteindre, ils imaginent un plan complètement foireux dont l'exécution tourne au jeu de massacre. Leur incapacité à communiquer dû à la pauvreté de leur vocabulaire doublé d'un état d'esprit férocement individualiste (chacun tente d'escroquer l'autre en dissimulant la majeure partie du magot et l'autre réagit bien évidemment par une violence aveugle) joue un rôle déterminant dans la tournure catastrophique que prennent les événements.

Si les trois pieds nickelés de l'histoire (Jerry, le commanditaire pleutre et ses deux hommes de main sanguinaires, l'un mutique et inexpressif, l'autre volubile et agité) sont bien évidemment risibles, leurs actes n'en sont pas moins terrifiants et ouvrent la voie à un vertige proprement métaphysique illustré par le désert glacé dans lequel ils vivent et qui facilite leurs sinistres desseins (le couple d'automobilistes aurait pu leur échapper s'il y avait eu un endroit où se cacher. Mais rien de tel dans ces espaces de plaines arides et monotones). Ce n'est pas un hasard si la policière enceinte jouée par Frances McDORMAND parvient à les confondre. Le fait même qu'elle incarne la fertilité au sein de ce paysage stérile dans lequel aucun lien humain ne semble pouvoir se nouer (les dialogues révèlent la déconnexion totale de Jerry d'avec sa famille et son insensibilité quant à leur sort bien qu'il cherche à sauver les apparences) explique la portée de la célèbre scène dans laquelle elle s'interroge devant l'absurdité tragique des agissements des truands, eux qui ont commis un massacre pour un argent qui en plus leur restera inaccessible. Le regard songeur de Marge devant l'aspect insondable du mal (Pourquoi tant de sang pour quelque chose d'aussi dérisoire?) nous poursuit longtemps.

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Onésime a un duel à l'américaine/Onésime se bat en duel

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Durand (Jean), #Onésime, #Cinéma muet, #Court-métrage, #Comédie burlesque

Jean Durand (1912)

Onésime a un duel à l'américaine/Onésime se bat en duel

Jean Durand, ex-journaliste et dessinateur satirique a débuté chez Pathé en 1908 puis la Lux avant de passer à la Gaumont en 1910 où il réalise notamment des séries de courts-métrages burlesques autour des personnages de Calino (interprété par Clément Mégé), Zigoto (interprété par Lucien Bataille) et Onésime (interprété par Ernest Bourbon). Dans sa troupe d'acteurs-acrobates (les "Pouittes"), on trouve une future vedette, Gaston Modot (le garde-chasse jaloux poursuivant Carette dans "La Règle du jeu" de Jean Renoir, c'est lui!). Le style de ses courts-métrages préfigure celui des comédies de Mack Sennett et de ses Keystone cops et il est bien dommage que son nom soit aujourd'hui oublié.

"Onésime et le duel à l'américaine" qui fait partie d'une série de 56 films réalisés entre 1910 et 1914 est parfaitement représentatif de ce style et de cette époque dans laquelle les deux pays s'influencent mutuellement pour construire un genre qui sera l'un des piliers de l'âge d'or du cinéma muet. Il est bâti autour d'une querelle futile entre Onésime, un gentleman élégant mais maladroit et un américain dans un club qui dégénère en un règlement de comptes au pistolet dont les décors font les frais: rien ne résiste à leur passage. Leur destruction systématique est une des caractéristiques les plus marquantes de ce burlesque primitif à tendance anarchisante. Jean Durand utilise également quelques trucages (inversions, accélérations) qui accentuent les effets comiques, effets également portés par les cartons (le dernier qui dénoue l'intrigue est porteur de rires garantis).

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Sin City

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Tarantino (Quentin), #Rodriguez (Robert), #Polar, #Thriller, #Action, #Horreur, #Drame

Robert Rodriguez, Frank Miller, Quentin Tarantino (2005)

Sin City

J'aime beaucoup les oeuvres hybrides et "Sin City" l'est à tous les niveaux: 

- Le style. "Sin City" transpose au cinéma l'esthétique de la bande dessinée de Frank Miller (co-réalisateur du métrage), devenant un semi-film d'animation produit par une filiale de Disney (incroyable mais vrai!). De plus, ce superbe noir et blanc sans nuances de gris est rehaussé par des taches de couleur qui symbolisent le vice et la violence mais qui la mettent également à distance en la stylisant.

- Le genre. L'univers, les personnages, les codes narratifs sont ceux du film noir des années 50 mais la violence grand-guignolesque et les belles filles guerrières, sexy... et interchangeables m'ont fait penser aux vipères assassines de "Kill Bill" d'un certain Quentin Tarantino qui d'ailleurs a également réalisé avec Robert Rodriguez les deux volets de "Grindhouse" ("Boulevard de la mort", lui aussi peuplé de belles pépées sans identité et "Planète terreur") et offre un coup de main sur certaines scènes de "Sin City". 

- Les héros masculins. "Sin City" est un film de mecs "hard boiled", rompus à l'usage de l'ultra-violence (subie comme infligée), arpentant les bas-fonds nauséabonds d'une ville dont toutes les instances (justice, police, clergé, sénat etc.) sont corrompues. Et en même temps, ces hommes possèdent en eux un romantisme noir qui se manifeste notamment par le besoin d'épancher par la parole et/ou par l'écriture leur âme foncièrement mélancolique qui se raccroche à quelques îlots d'amour et de beauté. Si Mickey Rourke, méconnaissable, est absolument impressionnant dans le rôle de la brute Marv attaché au souvenir de la seule femme qui lui a offert une nuit d'amour, c'est Hartigan, campé par un Bruce Willis à son meilleur qui offre la prestation la plus complexe en homme malade et tourmenté par un amour impossible (car frappé de l'interdit d'un inceste symbolique qui, s'il le brave, le ravale au rang du prédateur dont il cherche à protéger la jeune fille qu'il aime depuis l'enfance). Côté méchants, le plus original et stylé est le silencieux mais néanmoins terrifiant cannibale interprété par Elijah Wood (pendant masculin de la découpeuse ninja Miho jouée par Devon Aoki) alors que le plus drôle (à son corps défendant) est Jackie boy (Benicio del Toro) dont la "prestation post-mortem" (réalisée par Tarantino) relève de la comédie d'épouvante.

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Une histoire roulante

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Guy (Alice), #Court-métrage, #Cinéma muet, #Comédie burlesque, #Réalisatrices

Alice Guy (1906)

Une histoire roulante

Un court-métrage burlesque de la Gaumont réalisé par Alice Guy qui n'a rien à envier à leurs homologues américains de la même époque. Il fallait en effet distancer la concurrence française (Pathé et Lux). Quelques années plus tard, celle-ci fera la seconde partie de sa carrière aux USA dans son propre studio et si la constitution dans l'après-guerre des grandes majors hollywoodiennes aura sa peau, ce sont les américains qui travailleront par la suite à la faire redécouvrir, bien plus que sa France natale que le révisionnisme historique auquel elle est contrainte pour lui faire une place dérange.

Le film de Alice Guy a pour personnage principal un vagabond (dont l'accoutrement préfigure cependant davantage celui de Harpo Marx que de Charles Chaplin) qui se retrouve malgré lui prisonnier d'un tonneau lancé à vive allure sur une pente descendante. Autrement dit, gare à ceux et celles qui se trouvent sur son chemin. Ce jeu de chamboule-tout grandeur nature est orchestré en neuf plans bien rythmés avec à peu près en son milieu une ellipse lorsque le tonneau se retrouve dangereusement catapulté sur les rails du chemin de fer. Il passe alors brusquement de la position couchée à la position redressée ce qui lui évite d'être écrasé par le passage du train qui se contente de le pousser pour qu'il continue sa roulade jusqu'à l'atterrissage final dans le fleuve. Encore que le pauvre vagabond, même libéré de son engin infernal conserve dans le dernier plan des traces visibles de sa mésaventure.

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Nocturne (Chanson triste)

Publié le par Rosalie210

Catégories : #Court-métrage, #Drame, #Cinéma muet, #Studios Albatros

Marcel Silver (1926)

Nocturne (Chanson triste)

L'histoire de ce film me fait penser à celle de "Apparences" (2000) de Robert Zemeckis. En effet dans les deux cas, il s'agit d'un "interlude" entre deux films plus importants. Dans le cas de Zemeckis, il fallait laisser le temps à Tom Hanks de perdre du poids pour "Seul au monde" dont le tournage a été interrompu 8 mois ce qui lui a laissé de temps de réaliser un autre film. "Nocturne" a quant à lui été réalisé dans le cadre du tournage de "Carmen" (d'après la nouvelle de Prosper Mérimée) de Jacques Feyder à Ronda, en Andalousie qui a été prolongé en raison d'une météo défavorable. Alexandre Kamenka, le directeur des studios Albatros qui produisait le film a donc maximisé la rentabilité des pauses forcées de "Carmen" pour réemployer les acteurs principaux, Raquel Meller et Louis Lerch dans un film plus court, tourné dans l'hôtel où logeait l'équipe de "Carmen" à Ronda: on ne peut pas faire plus économe! Et pour réaliser ce "Nocturne", il fait appel à l'assistant de Jacques Feyder, Marcel Silver.

Le résultat est un film d'atmosphère à l'intrigue minimaliste: une femme se consume à attendre l'homme qu'elle aime alors que seule une cloison de chambre d'hôtel la sépare de lui. On peut voir cela comme une métaphore du drame de l'incommunicabilité dans le couple. Ou bien comme un moyen inconscient pour un homme qui hésite entre deux engagements de choisir. La puissance expressive du visage de Raquel Meller est très bien mise en valeur ainsi que le parallèle entre sa solitude et sa souffrance et l'aridité des paysages. Néanmoins cette intrigue est trop mince pour tenir la route sur trois bobines. On a donc rapidement l'impression que cela traîne en langueur, pardon, en longueur...

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