Film très peu connu de James Ivory, le premier tourné dans sa patrie d'origine, "Savages" est une sorte d'essai filmé d'un intérêt franchement inégal. Le début est prometteur et m'a fait penser à "L'aube de l'humanité", la première partie de "2001, l'Odyssée de l'espace" de Stanley Kubrick avec sa tribu primitive qui voit soudain surgir venue d'un autre espace-temps une balle de croquet. Le noir et blanc et le muet établissent un parallèle entre les origines du cinéma et celles de l'homme. Mais la suite qui se déroule dans une villa sudiste pendant l'entre deux guerres est beaucoup plus laborieuse. Ivory a visiblement voulu faire une satire de la société mondaine décrite dans les romans de Francis Scott Fitzgerald à la manière surréaliste de Luis Buñuel. En établissant un parallèle entre chaque membre de la tribu de sauvages et sa version soi-disant "civilisée", on comprend assez vite le message qu'il veut faire passer et qui est une déconstruction de l'idéologie coloniale fondée sur la prétendue supériorité de la culture occidentale ("mission civilisatrice" en version française, "fardeau de l'homme blanc" en version anglaise). Mais le résultat est hélas confus et longuet. Les quelques bonnes idées de mise en scène (utiliser l'espace de la villa pour faire ressurgir les bas instincts dans la cave et dans la piscine, l'animalité dans les bois qui bordent le terrain de croquet ou l'élévation spirituelle dans le grenier) sont noyées dans des scènes inutilement étirées qui finissent par susciter l'ennui. Les personnages ne sont pas d'ailleurs assez caractérisés pour endosser des "rôles sociaux" pertinents. Les femmes en particulier sont interchangeables. Quant aux invertis, on se demande ce qu'ils viennent faire là car ils n'apportent absolument rien à l'intrigue. Intéressant donc mais inabouti.
Visuellement, c’est magnifique. On voit que les plans ont été travaillés à l’extrême, que la disposition des personnages dans le cadre est très réfléchie, tout comme le sont les effets atmosphériques, les jeux de lumières ou l’harmonie des couleurs. La bande-son, également est splendide (en particulier le chant de la fin qui ressemble à un hymne celtique). Bien que se rattachant au genre du wu xia pian (les arts martiaux chinois), les scènes d'action sont rares, elliptiques à l'image du reste du film qui est avant tout contemplatif. Ce n'est pas là qu'est le problème à mes yeux. Le véritable problème est que sur le fond c’est un film complètement hermétique avec des personnages réduits à des silhouettes hiératiques dont le cinéma asiatique est friand (les « hommes portemanteaux ») et une intrigue décousue et illisible. C'est sans doute voulu puisqu'une bonne moitié des plans sont "filtrés", "tamisés" par des rideaux de tissus ou d'arbres comme s'il fallait chercher à entretenir quelque mystère ésotérique mais dans un cadre historique qui nécessite un minimum de repères, cela ne fonctionne pas et j'ai trouvé ce positionnement agaçant. J’ai à peine compris qui était qui sans parler de sous-intrigues qui rendent l’ensemble encore plus confus. Sans la lecture du synopsis, je n'aurais même pas saisi les liens entre les personnages c'est dire s'ils n'ont rien d'évident. Quant aux enjeux, j'ai vaguement saisi que l'héroïne, justicière, doit choisir entre son devoir et ses sentiments (variante, la vie ou la mort). Pas très original. Bref c’est abscons, abstrait, froid comme la mort, ennuyeux comme la pluie et finalement assez creux comme si tout ce décorum pompeux se prétendant philosophique voire géopolitique ne dissimulait en réalité que de la vacuité. Dommage.
"Le Vilain" est une comédie grinçante de Albert DUPONTEL qui fonctionne en grande partie sur le duel burlesque à huis-clos qui s'installe entre Sidney Thomas, mauvaise graine dont la chambre d'enfant montre ses dispositions précoces en matière de triche, chantage et vols en tous genres et sa mère, Maniette (Catherine FROT) qui use de moyens pas très catholiques ^^ pour le forcer à se repentir. Régulièrement, le mano à mano est interrompu par l'intervention de personnages plus loufoques les uns que les autres à commencer par celles, hilarantes du docteur William, aussi expert en extraction de "baballes" que Jean CARMET dans "Les Fugitifs" (1986) (je ne remercierai jamais assez Albert DUPONTEL de m'avoir fait connaître Nicolas MARIÉ. Dès que Maniette annonce qu'un docteur un peu foufou va faire son entrée, j'ai pensé "Ca c'est un rôle pour lui"!) Autre moment réjouissant, celui de l'attaque du promoteur véreux (Bouli LANNERS, autre habitué du cinéma de Albert DUPONTEL mais plutôt dans le genre fripouille) par des chats préalablement mis en furie par Maniette qui refuse de vendre son pavillon*. Car même si le comique de répétition du film a parfois un caractère un peu trop mécanique, il ne tourne pas à vide. Mère et fils finissent par se reconnaître comme deux marginaux de la société (capitaliste) mais suffisamment "teignes" pour lui en faire voir de toutes les couleurs. Une forme de résistance par le rire mais un rire certainement pas gratuit, un rire engagé qui renvoie au cinéma que Albert DUPONTEL admire: celui de Charles CHAPLIN et celui de Terry GILLIAM. Tandis que le fils s'attaque aux quartiers d'affaires (une obsession), la mère lutte avec ses voisins tout aussi âgés pour sauver sa maison et la vie de son quartier de sa deshumanisation programmée par la construction de tours de bureaux. Un thème approfondi dans le dernier film du réalisateur "Adieu les cons" (2019) et qui est peu traité au cinéma hormis dans "Là-haut" (2008) le célèbre film des studios Pixar réalisé par Pete DOCTER (Catherine FROT a d'ailleurs raconté qu'elle avait trouvé Carl très semblable à Maniette).
* Après le canari de "Bernie" (1996), le bestiaire s'enrichit avec "Le Vilain" d'une tortue particulièrement revancharde en plus des chats et du chien remontés comme des coucous après leur cohabitation forcée façon milkshake dans une poubelle.
Persepolis, l'adaptation animée de la BD autobiographique de Marjane SATRAPI fait partie des classiques du genre. Sa réussite réside d'abord dans son esthétique particulièrement soignée qui fait autant référence à l'expressionnisme allemand qu'aux estampes japonaises en passant par les styles graphiques reconnaissables de Dix ou de Munch. Cette esthétique est au service d'un récit qui mêle habilement et inextricablement grande et petite histoire, ce biais lui donnant une résonance universelle. En effet dans ce qui s'apparente à un récit initiatique dans lequel une enfant puis jeune fille puis jeune femme cherche sa place, la particularité provient du fait qu'elle ne parvient à se fixer nulle part. Trop rebelle puis trop émancipée pour ne pas se mettre en danger dans une société iranienne corsetée par les mollahs, elle ne parvient cependant pas à s'épanouir en Europe tant le fossé culturel entre elle qui a vécu les horreurs de la guerre et un régime de terreur et les autres est immense. "Persepolis" s'apparente donc à une douloureuse errance entre un pays d'origine dans lequel l'oppression règne et des pays européens où c'est au contraire l'indifférence qui tue avec pour seuls refuges le rêve et la famille. Néanmoins il n'y a aucun misérabilisme dans "Persepolis" car les femmes en particulier sont des personnages hauts en couleur (même si la BD et son adaptation sont majoritairement en noir et blanc) que ce soit Marjane et sa langue bien pendue ou sa grand-mère, forte nature qui fume de l'opium et manie un langage aussi fleuri que les fleurs de jasmin qu'elle met dans son corsage.
J'ai néanmoins deux réserves sur le film qui font que j'ai une préférence pour la BD. La première réside dans le doublage français qui acculture* d'autant plus l'oeuvre qu'il s'agit de voix très célèbres (Catherine DENEUVE, Danielle DARRIEUX, Chiara MASTROIANNI etc.) La deuxième est dans le fait qu'en condensant les quatre volumes en 1h30, j'ai ressenti à plusieurs reprises de la frustration devant des événements qui sont racontés trop rapidement (la révolution iranienne par exemple ou même la guerre Iran-Irak dont aucune clé d'explication ne nous est donnée). Tout ce qu'on en retient, ce sont les images d'horreur et d'oppression. Des images qui sidèrent alors qu'une analyse plus poussée aurait été la bienvenue.
* Si le choix de l'animation est si pertinent pour illustrer des histoires de conflits sanglants dans des régions reculées du monde, c'est que la stylisation et l'abstraction ont la puissance d'un langage universel comme l'avait autrefois le cinéma muet. En revanche les voix françaises dénaturent l'oeuvre en brouillant son identité.
En revoyant "Le Crime était presque parfait", j'ai été frappée par ses similitudes avec "La Corde" (1948) encore plus nombreuses qu'avec son film suivant, "Fenêtre sur cour" (1954). Outre le fait que "Le Crime était presque parfait" qui est adapté d'une pièce de théâtre se déroule presque totalement à huis-clos c'est le cynisme du personnage principal, Tony Wendice (Ray MILLAND) qui m'a fait penser à "La Corde" (1948). Même si les motivations de Tony sont crapuleuses, dans les deux cas, le criminel prend la place du cinéaste: il scénarise et met en scène le crime avec audace, ingéniosité et sang-froid en improvisant au besoin. Ainsi Tony n'est pas déstabilisé par la tournure imprévue des événements (l'homme qu'il a payé pour tuer sa femme et qui est finalement tué par elle). Au contraire il rebondit, tel un acteur devant improviser sur une scène pour semer ou dissimuler des indices sur et autour du cadavre destinés à faire accuser sa femme de crime avec préméditation afin qu'elle soit condamnée à mort. Néanmoins Tony n'est pas omniscient et c'est le petit détail qui lui échappe qui causera sa perte grâce à un inspecteur particulièrement perspicace qui lui aussi est un pro de la mise en scène à chausse-trappe. C'est au moment où il effectue sa fausse sortie que j'ai réalisé tout ce que la série "Colombo" lui devait. Enfin, "Le Crime était presque parfait" partage avec "La Corde" et son simili plan-séquence unique un caractère expérimental. "Le Crime était presque parfait" avait en effet bénéficié à sa sortie d'une technique avant-gardiste: la 3D! (qui comme le son ou la couleur existait bien avant son exploitation à grande échelle). Mais trop peu de cinéma étaient équipés ce qui n'a pas permis à la majorité du public d'apprécier le rendu sur les objets importants de l'histoire tels que les ciseaux et la clé.
D'autre part "Le Crime était presque parfait" est resté célèbre parce qu'il est le premier des trois films de Hitchcock tournés avec Grace KELLY qui incarne à la perfection la blonde hitchcockienne faussement froide fantasmée par le cinéaste. La scène des ciseaux est devenue iconique et le plan de la main ouverte est repris quasiment à l'identique dans "Psychose" (1960) sauf qu'au lieu de se refermer sur une arme castratrice lui permettant de se défendre (d'un mari qui ne supporte pas sa richesse et sa liberté de moeurs), elle étreint son futur linceul.
Fantômes et fantasmes. Puritanisme et débauche. Sexualité (réprimée) et mort. Noir et blanc. Fleurs et reptiles. Statues et insectes. Images et sons. Enfants et adultes. Ces couples ne fonctionnent pas dans l'opposition mais selon le principe des vases communicants dans le film néo-gothique de Jack CLAYTON qui constitue l'adaptation la plus brillante du roman de Henry James, "Le Tour d'écrou" en parvenant à traduire cinématographiquement son ambiance oppressante et ses zones d'ombre. La réalisation, fondée sur la suggestion, le trouble, distille un malaise croissant alors que selon la dynamique de la contamination qui est à l'oeuvre durant tout le film, les "innocents" le paraissent de moins en moins. Ainsi le comportement de Miss Giddens (Deborah KERR, surdouée de l'interprétation des "vierges folles") face aux visions démoniaques qui l'assaillent se dérègle de plus en plus au point de devenir suspect. Cette vieille fille de pasteur encore désirable (et désirante à son corps défendant) mais corsetée, à l'image de la société victorienne devient un danger pour les enfants qu'elle est chargé de protéger. Enfants auprès desquels on pense qu'elle se réfugie comme un rempart contre sa peur du monde adulte mais manque de chance: ces enfants-là ont été corrompus. Sous le vernis policé de leur éducation aristocratique rôdent des pulsions de sexe et de mort inquiétantes qui se "matérialisent" sous la forme de spectres hantant les recoins du manoir, ceux de la gouvernante et du valet qui étaient chargés de les "éduquer" mais qui forniquaient dans tous les coins tout en se détruisant*. A cet endroit précis réside la principale zone d'ombre du livre et du film mais sa nature ne fait aucun doute. Le comportement séducteur de Miles (Martin STEPHENS), sa franchise déroutante qui révèle que le monde adulte n'a aucun secret pour lui et ses paroles en décalage complet avec son apparence de petit garçon de dix ans suscite un trouble croissant chez Miss Giddens dont le comportement se dérègle de plus en plus (tics nerveux, visage qui se couvre de sueur, vision troublée etc.) La religion s'avère impuissante à contenir ses pulsions. Le couple pervers la hante. Si consciemment elle veut sauver les enfants en les exorcisant, nul doute qu'inconsciemment elle veut prendre la place de Miss Jessel, l'ancienne gouvernante en chassant Flora à travers laquelle elle semble encore vivre pour mieux se retrouver seule avec Peter Quint le valet qui parle à travers la bouche de Miles. La dernière scène, magistrale, à la fois mortifère et orgasmique, se clôt sur un summum de malaise et d'ambiguïté.
* Je n'ai pu m'empêcher de penser à "The Servant" (1962) de Joseph LOSEY qui date de la même époque, histoire d'une subversion sociale et sexuelle dans laquelle le valet finit par posséder le maître à tous les sens du terme. Flora et Miles sont filmés comme des menaces dans "Les Innocents" notamment par le jeu de la contre-plongée, qu'ils le soient réellement ou seulement dans l'imagination de Miss Giddens.
On a beaucoup rapproché à juste titre "Adieu Gary" du western. La référence est de toute façon explicite et ce dès le titre "Adieu Gary" (Cooper). Plusieurs extraits de western avec l'acteur ponctuent l'intrigue. Mais c'est surtout dans son atmosphère assez envoûtante que l'idée s'incarne: un incroyable décor de cinéma constitué par une cité ouvrière désaffectée brûlée par le soleil et balayée par la poussière qui semble être un no man's land perdue quelque part au bout du monde bien que longée par une voie ferrée sur laquelle passe de temps à autre un train dont on se demande s'il est bien réel. Dès le générique dans le tunnel, l'idée d'un voyage vers un ailleurs qui s'avère être un ailleurs immobile prend corps. D'ailleurs si ce voyage est immobile sur le plan géographique, il ne l'est pas sur le plan temporel. En effet la cité porte les stigmates de son histoire au travers du local syndicaliste transformé en mosquée sur lequel on distingue encore l'enseigne rouillée de la CGT et les lettres peintes sur la façade "maison du peuple". Une manière très matérielle de montrer comment le monde ouvrier d'origine immigrée a basculé de Marx à Mahomet avec la désindustrialisation du pays. Cependant ce qui frappe dans le film, c'est la façon dont les irréductibles habitants de ce lieu abandonné s'accrochent à des rituels dérisoires tendant à nier le temps qui passe et l'absence d'avenir. C'est Francis (Jean-Pierre BACRI) qui se rend tous les jours sur son ancien lieu de travail pour entretenir la seule machine qui a survécu à la fermeture de l'usine. C'est José (Alexandre BONNIN), le fils mutique (autiste?) de Maria (Dominique REYMOND), la maîtresse de Francis qui passe ses journées assis sur sa valise à attendre le retour hypothétique d'un père qu'il imagine sous les traits d'un cow-boy ayant les traits de Gary COOPER en train de sillonner la région à cheval. Ce sont aussi les fils de Francis, Samir (Yasmine BELMADI) et Icham (Mhamed AREZKI) et leur ami handicapé Abdel qui vivotent dans les boulots du secteur tertiaire* précaires et mal payés ou survivent de petits trafics. Une jeune génération particulièrement malmenée par l'absence de perspectives. Seule la belle Nejma (Sabrina OUAZANI) aura le courage de s'arracher à cet espace pour tenter sa chance ailleurs.
* Le secteur du lumpenprolétariat qui a succédé au secondaire depuis les années 70.
Dans une scène clé (et véridique!) de "Battle of the sexes", celle qui précède la reconstitution du match qui opposa en 1973 la championne de tennis trois fois titrée en grand Chelem Billie Jean King âgée de 29 ans au vétéran et ancien numéro un mondial Bobby Riggs âgé de 55 ans, ceux-ci s'échangent des cadeaux qui soulignent que le combat ne se situe pas seulement sur le terrain sportif. Bobby qui surjoue les phallocrates donne en effet à Billie Jean une sucette géante ("Annie aime les sucettes, les sucettes à l'anis") non aux couleurs de ses grands yeux mais à celles de son sponsor "Sugar Daddy" à qui il fait les yeux doux ^^. Billie Jean qui ne manque pas de répartie lui balance alors un porc(elet) dans les bras. Le film, lui même hybride (mi biopic, mi comédie sociale) illustre en effet deux combats inextricablement liés derrière l'enjeu sportif, l'un, féministe, pour la reconnaissance de l'égalité hommes-femmes et le second, LGBT, pour l'acceptation de son identité sexuelle. Billie Jean est au carrefour des deux problématiques et on se passionne pour son parcours, formidablement porté par l'énergie pleine de détermination de Emma STONE. Les discriminations (être payée 1/8° du salaire d'un tennisman à niveau égal par exemple) et humiliations (les propos sexistes décomplexés qui étaient la norme à l'époque) la poussent à sortir de sa réserve et à prendre ses responsabilités sociétales en tant que championne face à un monde d'hommes machistes qui fixes les règles inégalitaires du monde du tennis professionnel (et ce combat là est loin d'être terminé même si l'angle du harcèlement sexuel n'est pas évoqué). Parallèlement, elle découvre son homosexualité à la fois dans le trouble du désir et dans le secret et la honte qui était le propre de cette époque. Deux dimensions que les réalisateurs, Jonathan DAYTON et Valerie FARIS parviennent à parfaitement retranscrire dans leur mise en scène. Néanmoins à la différence de tant de jeunes femmes célèbres des seventies qui ne parvinrent jamais à faire leur coming out, Billie Jean fut la première sportive à effectuer le sien en 1981 et finit par refaire sa vie pour vivre en accord avec elle-même. Tout le contraire du personnage de Bobby Riggs dont les outrances machistes mise en avant dans ses mises en scène de showman sont subverties par l'interprétation qu'en donne Steve CARELL qui le rend surtout pathétique à force de vouloir prouver "qu'il en a" alors que visiblement il a surtout un sacré trou non dans la raquette mais dans le pantalon.
A l'image de leurs deux premières réalisations, le cultissime "Little miss Sunshine" (2005) et "Elle s appelle Ruby" (2012), "Battle of the sexes" est donc une comédie intelligente à plusieurs niveaux de lecture (ce dont je suis particulièrement friande, je pense aussi à celles d'un autre duo, Eric TOLEDANO et Olivier NAKACHE). Et bien que le tennis ne soit qu'un prétexte à des sujets plus universels, la reconstitution du match final (tout comme celles des années 70) est remarquable de limpidité, faisant entrer le spectateur de plein pied dans ce combat pour l'égalité et l'émancipation qui se joue non aux poings mais à la balle de match.
"Lune de miel mouvementée" s'est fait complètement éclipser par le film de Ernst LUBITSCH sorti la même année "To Be or Not to Be" (1942) qui mêle également la comédie au drame sur fond de guerre et d'antinazisme. On pense également à "Le Dictateur" (1940) de Charles CHAPLIN qui lui est contemporain. Cependant force est de constater qu'on est loin des deux illustres chefs d'oeuvre pré cités et que le relatif oubli du film de Leo McCAREY est justifié. En effet la greffe ne prend pas dans "Lune de miel mouvementée". Si les passages de screwball comédie dont Leo McCAREY est un des maîtres sont évidemment très réussis, les moments dramatiques semblent plaqués de façon artificielle et l'intrigue d'espionnage ne prend pas vraiment. Le résultat est donc inégal avec des moments franchement poussifs. Le film vaut surtout pour le plaisir de voir se donner la réplique deux grands acteurs rôdés au genre, Cary GRANT et Ginger ROGERS (qui dix ans plus tard se retrouveront dans le délicieux "Chérie, je me sens rajeunir" (1952) de Howard HAWKS). Il émane de leurs échanges plein d'entrain beaucoup de complicité et la scène des "mesures" a même un petit caractère coquin qui donne d'emblée du piment à leur relation hélas ensuite plombée par les malheurs qui leur tombent dessus. Le rôle d'agent double de Kathie O-Hara souffre en outre terriblement de la comparaison que l'on ne peut manquer de faire avec "Les Enchaînés" (1945) car Leo McCAREY n'est pas Alfred HITCHCOCK.
Analyse de classiques et de films récents par une passionnée du 7eme art. Mes goûts sont éclectiques, allant de la nouvelle vague française au cinéma japonais (animation incluse) en passant par l'expressionnisme allemand et ses héritiers et le cinéma américain des studios d'Hollywood aux indépendants.
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