Overblog
Suivre ce blog Administration + Créer mon blog

Sport de filles

Publié le par Rosalie210

Patricia Mazuy (2011)

Sport de filles

"Sport de filles", titre ironique donne le ton d'un long-métrage ni aimable ni conformiste, filmé de façon parfois approximative mais avec une furieuse énergie. Ironique oui car l'équitation est avec la danse classique une activité cataloguée comme "féminine": en France 85% des licenciées sont des filles. Mais ce que montre le film de Patricia MAZUY c'est un milieu professionnel, celui du dressage, certes dominé par des femmes mais qui ne sont que des héritières. Le milieu est en effet écrasé par des valeurs masculines ancestrales (la compétition, le pedigree, les codes, la hiérarchie sociale) et gangrené par l'argent.

Le personnage surnommé Gracieuse (encore un nom bien ironique) a l'oeil noir, le visage renfrogné, un bandeau de pirate qui lui couvre la moitié du visage, la hargne de sa passion chevillée au corps. Elle est indomptable, entière, perpétuellement en porte-à-faux par rapport à des normes sociales (et genrées) qu'elle méprise et qu'elle bafoue, que ce soit celles de son milieu paysan d'origine ou celui aristocratique dans lequel elle veut s'imposer. Par conséquent elle subit la pression de son père qui veut la caser avec Jacky ("Il est du pays et il travaille, c'est important"), un palefrenier qui a déjà un projet de vie clés en mains pour elle et que son refus pousse à des jugements à l'emporte-pièce tels que "une vraie fille, ça a besoin d'un homme" ou "tu n'aimes que les chevaux, pas les hommes". Il est d'ailleurs intéressant de constater les écarts considérables que les critiques du film manifestent dans leur vision du personnage. Pour "Benzine Magazine", "Revêche et imprévisible, Gracieuse n’attise en rien la sympathie et son comportement nous parait puéril ou à peu près incompréhensible." alors que dans "Causeur", elle a juste le puissant désir de s'en sortir "Pour qui ne connaît pas la province, la scène du supermarché donne envie de faire des études supérieures à tout prix. Ou bien de dresser des chevaux au mépris du scénario social déjà écrit". Quant aux aristos du haras où elle travaille comme palefrenière, ils lui aboient dessus dès qu'elle tente de monter sur un cheval (un paysan c'est fait pour patauger dans la gadoue). Marina HANDS trouve là un rôle qui prolonge l'histoire de sa propre vie (elle voulait devenir cavalière professionnelle) et celui de "Lady Chatterley" (2006) dans lequel elle subvertissait déjà les barrières sociales pour renouer avec sa puissance vitale.

Le film narre sa rencontre avec un autre déclassé, Franz Mann qui est un entraîneur de renom mais qui à cause de ses origines modestes s'est enfermé dans le rôle d'un "sex toy" (pour reprendre l'expression de Patricia MAZUY) pour un petit club de dames fortunées qui exploitent son nom, son savoir et son corps, un petit business florissant tenu d'une main de fer par sa régulière, un véritable dragon dont la préoccupation principale est de faire tourner la machine à cash (Josiane BALASKO est parfaite dans le rôle). Comme elle le dit à Gracieuse en empochant les billets, "Franz Mann ça vaut de l'or". Lui-même est formidable d'ambiguïté entre le cynisme du gigolo sur le retour, la lassitude de l'homme meurtri et les coups de colère du type qui étouffe et qui voudrait prendre un bol d'air. Normal, c'est Bruno GANZ qui l'interprète, d'ailleurs le fait qu'il doive se colleter à une langue étrangère (un parler français plutôt cru) accentue l'impression de décalage et d'étrangeté du personnage par rapport au milieu où il évolue. Comme son personnage, Bruno GANZ aurait bien aimé faire de l'équitation dans sa jeunesse mais il n'avait pas pu réaliser son désir à cause de ses origines modestes (son père était ouvrier d'usine). Quand la réalité rejoint la fiction...

Il est clair que la rencontre entre Gracieuse et Franz Mann représente un espoir pour elle de gravir les échelons et pour lui de sortir de son marasme. Mais cette rencontre n'échappe pas elle non plus aux réalités sociales. Si sur le plan instinctif, les deux âmes s'accordent parfaitement, les compromissions de Franz face au caractère entier de Gracieuse font des étincelles et on ne sait exactement si leur collaboration relève d'une élévation (à tous les sens du terme) ou d'une nouvelle domestication.

Voir les commentaires

Hommage à Bruno Ganz par Laetitia Masson (Blow Up, Arte)

Publié le par Rosalie210

Hommage à Bruno Ganz par Laetitia Masson (Blow Up, Arte)

"J'ai mis du temps à comprendre ce que représentait pour moi Bruno Ganz. Je le voyais flou. Un soir je rentrais dans la nuit après un rendez-vous avec Marina Hands qui a été sa partenaire dans un film de Patricia Masuy ["Sport de filles"]. Elle non plus n'arrivait pas vraiment non plus à parler de lui. Il était resté une sorte de mystère. La veille, j'avais vu André Wilms qu'il a eu souvent comme partenaire au théâtre. Il était en train de mettre en scène une pièce de Fassbinder. Il n'avait pas du tout à tête à me faire le portrait de Bruno Ganz. Je rentrais donc dans la nuit, prise d'un accès de mélancolie. J'avais d'abord eu envie d'écouter Jean-Louis Murat, comme toujours.
"Ami, Amour, Amant".
Parce que c'était ça pour moi en premier mon idée de Bruno Ganz. Ce qui m'avais toujours frappé chez lui, c'était la douceur de son visage. Un visage comme une page blanche. L'ami idéal. Mais avec le sourire de quelqu'un qui sait. Il sait que tout peut arriver, que tout peut mal tourner et qu'on peut espérer, qu'on peut relativiser et même qu'on peut aimer. Donc Bruno Ganz n'était pas loin non plus d'être l'amour idéal. On le regarde faire l'ange et on voudrait l'avoir sur notre épaule. On le regarde caresser un pied et on pense aussi à lui comme amant.
"L'Ennemi"
Sauf que Bruno Ganz, ce n'était pas que ça. Finie la douceur, finie la page blanche, tout vire au noir. Une simple moustache et on comprend que Bruno Ganz est un acteur multiple. On voit les nuances de l'ombre qu'il est capable de donner, on voit la palette du monstre qu'il convoque en lui.
"L'Agent double"
C'est ça pour moi Bruno Ganz et c'est ça qu'il a joué. Les types qui convoquent les vampires, les types qui hésitent entre le bien et le mal, les types sympas qui deviennent des meurtriers. Il aurait été parfait dans les histoires de John Le Carré, il aurait pu jouer tous ses espions, incarner George Smiley, le gardien de la nuit et d'autres, tous ces types insondables, invisibles, insaisissables comme semble l'être l'acteur lui-même. Mais moi, je voulais le saisir, je continue à rouler. De plus en plus mélancolique, prête maintenant pour David Bowie. La musique a commencé et j'ai repensé à tous ces films singuliers que Bruno Ganz a traversé, et en particulier à celui contemplatif, méditatif, libre, moderne d'Alain Tanner. Et c'est là, grâce à David Bowie donc, que j'ai compris.
"Black Star"
Pour moi, Bruno Ganz est une étoile noire, un type qui ne brille pas, un type des profondeurs, l'homme idéal pour jouer l'homme ordinaire, un homme de l'intérieur, grave sans gravité, avec ou sans qualités, un homme pour tous les espaces et pour tous les temps. Un homme dont mon père m'a fait remarquer l'autre soir qu'il n'était pas sans ressembler à Jacques Rivette, sur certaines images du cinéaste à qui appartenait une belle partie de Paris. Alors, cher Bruno Ganz, vous reliez pour moi les points d'une voûte céleste musicale et cinématographique éternelle et inspirante et je vous remercie."
Laetitia Masson, Blow Up, Arte

Voir les commentaires

The Tree of life: L'Arbre de vie (The Tree of life)

Publié le par Rosalie210

Terrence Malick (2011)

The Tree of life: L'Arbre de vie (The Tree of life)

Quel film étrange que ce "The Tree of life" qu'on croirait conçu pour la division tant s'y côtoient la beauté et la laideur, le génie et le grotesque, l'inspiration divine et la boursouflure prétentieuse. Peut-être faut-il l'un pour avoir l'autre après tout, la vie n'est faite que de contradictions. Toujours est-il que le film est traversé de véritables moments de plénitude où les images, la lumière et la musique s'accordent tellement bien qu'on croirait assister à une symphonie de couleurs, de sons et de lumières. Cette expérience sensorielle formidablement intense rejoint l'aspect le plus intéressant du film: la chronique de l'enfance de Jack à Waco dans les années 50 entre son père tyrannique (Brad PITT), sa mère soumise (Jessica CHASTAIN) et ses deux frères. La contradiction se joue entre les explosions de vie de l'enfance partagées par la mère et la répression de ces pulsions par le père psychorigide qui veut "civiliser" ses enfants en leur inculquant le bourrage de crâne de la réussite capitaliste, quitte à les briser par la terreur. Deux formes de religiosité antinomiques, celle qui célèbre la nature et celle qui la réprime dans la lignée du film de Michael HANEKE, "Le Ruban blanc (2009)". Là où cela se gâte, c'est que Terrence MALICK a voulu relier l'échelle humaine à d'autres dimensions spatio-temporelles. Le film n'arrête donc pas de faire des digressions, se situant tantôt à l'échelle macrocosmique, tantôt à l'échelle microcosmique, tantôt à l'ère du big-bang et des dinosaures, tantôt dans les années 2000 avec un Jack adulte (Sean PENN) vivant au milieu de buildings de verre et d'acier très éloignés de la banlieue de son enfance avant qu'il ne se réconcilie avec les siens convoqués sur une plage dans une sorte d'œcuménisme désarmant de naïveté. Terrence MALICK donne parfois l'impression de se prendre pour dieu ce qui est d'une prétention incommensurable. Son propos apparaît d'autant plus déshumanisé que ses images antédiluviennes sont recrées par ordinateur (la plaie de notre époque). On a beaucoup comparé le film à "2001, l'odyssée de l espace" (1968). Mais le film de Stanley KUBRICK est géométrique, dépouillé et rigoureux (on va du point A la préhistoire au point C Jupiter en passant par le point B, la Lune avec des sas de progression représentés par le monolithe) là où celui de Terrence MALICK ressemble à la mutation informe et monstrueuse de "Akira" (1988).

Voir les commentaires

Nuages flottants (Ukigumo)

Publié le par Rosalie210

Mikio Naruse (1955)

Nuages flottants (Ukigumo)

"Nuages flottants" est encore plus aride et pessimiste si possible que "Le Repas (1951)", du moins dans ses deux premiers tiers. C'est l'histoire d'un amour chaotique et asymétrique au long cours entre une jeune japonaise et un homme marié dans le Japon en guerre puis de l'après-guerre. A l'aide d'une superbe photographie et d'une narration dont la linéarité est entrecoupée de flashbacks, Mikio NARUSE raconte l'éclosion d'une passion dans une "parenthèse enchantée", celle qui voit se rencontrer les deux protagonistes en Indochine alors occupée par le Japon. Mais le retour à la dure réalité ne concerne pas que la survie dans les taudis du Tokyo d'après-guerre, il dissipe également drastiquement l'illusion amoureuse. Comme dans "Le Repas" (1951), le grand amour apparaît comme une chimère que le temps use jusqu'à la corde. A sa place, on voit naître dans la plus pure tradition du mélodrame une relation fondée sur une dépendance toxique. Yukiko (Hideko TAKAMINE) est une femme qui "aime trop" face à Tomioka (Masayuki MORI) qui lui "n'aime pas assez" pour reprendre la terminologie de la psychotérapeuthe Robin Norwood qui s'est penchée sur le problème des addictions amoureuses. Yukiko a commencé sa vie sexuelle par un viol incestueux qu'elle n'a jamais ouvertement dénoncé même si elle passe sa vie à faire "payer" son beau-frère en lui volant des biens puis de l'argent. Ayant intégré cette soumission à la loi masculine, elle accepte de subir les avanies de son amant dont la lâcheté et l'égoïsme se combine avec la muflerie. Séducteur et manipulateur, celui-ci rafle toutes les jolies filles qui passent à sa portée sans jamais se sentir responsable des conséquences désastreuses de son comportement irresponsable que ce soit le dépérissement de son épouse, la déchéance de Yukiko dans la misère et la prostitution, son avortement (dont on comprend qu'il a des conséquences irréversibles sur sa santé) ou l'assassinat d'Osei (Mariko OKADA) par son mari parce qu'elle était devenue sa maîtresse et avait fui pour le rejoindre. Tomioka ne revient vers Yukiko que lorsqu'il a besoin d'elle (pour lui demander de l'argent par exemple). Yukiko endure tout (ce qui entraîne quelques répétitions et longueurs) au point d'aller jusqu'au bout du sacrifice, c'est à dire suivre Tomioka dans ses déplacements jusqu'à la mort. Si la dernière demi-heure paraît plus apaisée, Tomioka acceptant qu'elle vive à ses côtés et prenant enfin soin d'elle, lui manifestant de l'attention et de la tendresse, il n'en reste pas moins qu'elle meurt seule. On peut même s'interroger sur la réalité de ce que l'on a vu car les hommes qui "n'aiment pas assez" sont des handicapés du sentiment incapables de changer. On peut donc penser qu'elle a fantasmé la sollicitude dont il fait soudain preuve à son égard. A moins que, comme dans "Breaking the waves" (1996) de Lars von TRIER son sacrifice masochiste ne fasse des miracles.

Voir les commentaires

Nicky Larson et le Parfum de Cupidon

Publié le par Rosalie210

Philippe Lacheau (2019)

Nicky Larson et le Parfum de Cupidon

Quand le "Monde" titre son article web en date du 9 février 2019 "Tsukasa Hojo, un mangaka complexe qui va bien au-delà de son chef-d'oeuvre "Nicky Larson" ("City Hunter" en VO) je ne peux qu'applaudir des deux mains. On est bien loin désormais du manga-bashing des années club Dorothée dans la presse française. Tsukasa Hojo mélange en effet les genres avec un talent hors pair et pas seulement en passant sans transition du tragique au burlesque et d'un dessin détaillé, plein d'action et réaliste à un dessin comique caricatural. J'ose à peine imaginer la réaction des idéologues de la famille tendance "manif pour tous" devant son manga seinen "Family Compo" où les Watanabe ont échangé leur rôle, la mère ayant été assignée homme à sa naissance par la génétique et la société et le père, ayant été de même assigné femme. Leur neveu qu'ils hébergent est quant à lui amoureux de sa cousine qui refuse d'être définie par son genre ce qui est source de confusions et d'interrogations. Si j'évoque "Family Compo" c'est aussi pour faire mieux comprendre ce qu'est réellement "City Hunter". Dans un polar/film d'action classique, le héros se doit d'être un séducteur hyperviril et les femmes, des "clodettes" qui lui servent de faire valoir. "City Hunter" est une subversion complète de ce schéma avec son héros qui se fait taper dessus chaque fois qu'il fait "mokkori" (c'est à dire à chaque fois qu'il a une érection) par sa "partenaire", Kaori (Laura en VF) qui veille à réfréner ses ardeurs, ardeurs qui restent par ailleurs parfaitement stériles face à des femmes certes hyper-sexy mais toutes plus fortes les unes que les autres (dans la lignée des "Cat's eye"), lesquelles l'envoient tout simplement balader ou le mènent par le bout du nez (comme le faisait Tam avec l'inspecteur Quentin dans "Cat's eye"). La relation Ryo/Nicky-Kaori/Laura est par ailleurs marquée par l'empêchement et la confusion des sentiments mais aussi des identités. Kaori est un garçon manqué qui passe son temps à repousser/réfréner les manifestations sexuelles de Ryo à l'aide de son énorme marteau mais en même temps, elle aimerait le séduire et être aimée de lui. Ryo de son côté se comporte envers Kaori tantôt en protecteur, tantôt en partenaire dans une relation asexuée d'associés/d'amitié virile. Il fuit son intimité dans la boutade et nie sa féminité tout comme il laisse les coups de marteau l'émasculer: c'est tellement plus facile que d'aller sonder ses zones d'ombre.

Le fait est que Philippe LACHEAU a compris ce qui fait l'essence de "City Hunter" même s'il n'a pas réussi complètement à le traduire. S'il a en bouché un coin à ceux qui le dénigraient c'est qu'il est incontestable qu'il aime et respecte cette œuvre (il a d'ailleurs obtenu le soutien de son auteur). Ce n'est pas par hasard que le parfum de Cupidon assigne à Nicky un objet de désir masculin (Letellier joué par Didier BOURDON). Celui-ci est traité sur le mode de la bouffonnerie mais cela entre bien dans la valse des places et des identités qui caractérise l'œuvre de Tsukasa Hojo. Dommage que son interprétation de Nicky soit aussi neuneu, parfois à la limite de la parodie alors que tout l'intérêt du personnage réside dans le fait que la façade comique "bébête" dissimule une dimension tragique qui ne l'est pas du tout. En dépit de cette limite, il parvient quand même à bien retranscrire la complexité de sa relation avec Laura. Et ce d'autant mieux que Élodie FONTAN est absolument parfaite dans le rôle, un rôle dont Philippe LACHEAU montre bien toutes les facettes (marteau compris mais il n'abuse pas de l'engin non plus). Sa relation avec Nicky est motrice comme dans le manga et le dessin animé (mention spéciale aux passages cultes où ils ne forment plus qu'une seule entité chorégraphique comme la case iconique où Nicky tire à travers ses jambes à elle). Le dynamisme du film concerne également les scènes d'action, intenses et la mise en scène, ingénieuse, notamment dans le découpage des scènes, parfois revues sous un nouvel angle qui apporte des informations cruciales. Reste qu'outre son jeu, Philippe LACHEAU doit également affiner ses personnages secondaires, pas très drôles, ses gags, souvent très lourds et ses clins d'œil à la génération club Do, pas toujours bien écrits et intégrés (même si le cameo de Dorothée est sympa). Un peu plus de travail sur l'atmosphère polar (délaissé au profit de la comédie) ne ferait pas de mal non plus. Mais pour un premier essai, c'est plutôt pas mal.

Voir les commentaires

Le Repas (Meshi)

Publié le par Rosalie210

Mikio Naruse (1951)

Le Repas (Meshi)


"Mes rêves de jeune mariée où sont-ils. Je vis les mêmes matins et les mêmes soirs, 365 jours par an. Entre cuisine et salon, ma vie de femme se consumera-t-elle en silence et sans espoir ?" "Le Repas" aurait tout aussi bien pu s'appeler "Avec le temps", celui des désillusions et de l'usure d'un couple qu'une visite impromptue va faire basculer dans une crise ouverte. Le mari, Hatsunosuke Okamoto (Ken Uehara), un homme apathique qui semble se complaire dans une petite vie sans histoires ne voit rien venir, ou plutôt ne veut rien voir. Il est dans le déni, sourd et aveugle aux signes de plus en plus évidents de lassitude, d'exaspération, d'amertume que lui envoie son épouse Michiyo (interprétée par la formidable Setsuko HARA actrice fétiche de Yasujiro OZU). Avec cette chronique pleine de finesse et de sensibilité d'un amour qui se délite dans le Japon d'après-guerre, Mikio NARUSE, pourtant moins connu que ses confrères japonais de la même génération atteint une dimension universelle (d'où mon allusion à la chanson de Léo Ferré à laquelle on peut tout à fait comparer le film). En effet il est précisé dès le début que contrairement aux usages du Japon, Michiyo et Hatsunosuke ont fait un mariage d'amour contre l'avis de leur famille. Il s'agit donc d'une union romantique telle qu'on en rêvait autrefois en occident (et dont beaucoup continuent de rêver en secret). Cinq ans plus tard, au moment où commence le film, la réalité qui s'impose sous nos yeux est celle d'un couple qui ne parvient pas à communiquer avec un mari indifférent qui se fait servir par sa femme qu'il confond avec la bonne à tout faire. Celle-ci, frustrée par le manque d'attention et d'affection de son mari et amère de s'être enfermée dans la routine aliénante de la femme au foyer s'enfonce peu à peu sans bruit dans la dépression. L'arrivée dans leur foyer de Satoko (Yukiko SHIMAZAKI), une nièce délurée qui semble réveiller quelque peu la libido en berne de Hatsunosuke met le feu aux poudres. Michiyo décide de quitter son mari pour retourner à Tokyo chez sa mère afin de faire le point.

La suite du film est tout aussi juste. En effet, une fois chez sa mère, Michiyo voit s'ouvrir devant elle des perspectives nouvelles. Celle d'un travail voire même d'un nouvel amour. Son cousin lui manifeste en effet un vif intérêt et il est le seul à remarquer sa tristesse même s'il le lui exprime d'une manière qui la vexe. Hélas, le manque de caractère d'Hatsunosuke semble avoir déteint sur son épouse. Michiyo semble terrifiée à l'idée de prendre une décision qui pourrait changer sa vie. Pour elle comme pour beaucoup d'autres, il vaut mieux rester dans une vie insatisfaisante mais rassurante que se lancer dans l'inconnu avec tous les risques que cela comporte. De plus, Michiyo subit la pression sociale de la famille et de l'entourage pour qui sa vraie place est avec son mari. Alors elle finit par se résigner à retourner auprès de lui, alors que rien n'a changé entre eux comme le montre le moment où elle essaye de lui parler avant de se rendre compte qu'il s'est endormi.

Voir les commentaires

Nuit et Brouillard

Publié le par Rosalie210

Alain Resnais (1956)

Nuit et Brouillard

"Cette réalité des camps, méprisée par ceux qui la fabriquent, insaisissable pour ceux qui la subissent, c’est bien en vain qu’à notre tour nous essayons d’en découvrir les restes.
Ces blocks en bois, ces châlits où l’on dormait à trois, ces terriers où l’on se cachait, où l’on mangeait à la sauvette, où le sommeil même était une menace, aucune description, aucune image ne peut leur rendre leur vraie dimension". Comment en effet parler et montrer, comment témoigner et transmettre ce qui relève d'une expérience indicible et infilmable, une expérience du passé non digérée au présent. Voilà le défi auquel le réalisateur Alain RESNAIS et le scénariste Jean CAYROL se sont confrontés en tentant de représenter par le biais de l'art le "passé qui ne passe pas" par la voie du documentaire avec "Nuit et brouillard" (1956) et de la fiction avec "Muriel ou le temps d un retour" (1962). Il faut dire que les deux hommes sont contemporains de la seconde guerre mondiale et de la guerre d'Algérie, deux événements traumatiques ayant accouchés de mémoires douloureuses et conflictuelles qui ont été pour la plupart longtemps étouffées par la censure (celle de l'Etat mais aussi celle de la conscience qui pour continuer à vivre s'est scindée en refoulant ce qui était insupportable).

"Nuit et Brouillard" bien qu'étant à l'origine une commande est un film puissant et poétique qui témoigne de l'état d'esprit et du niveau de connaissances de 1955 sur l'univers des camps de la mort nazis, dix ans seulement après la fin de la guerre. L'époque est alors favorable à la célébration des héros de la Résistance et "Nuit et Brouillard" déroge d'autant moins à la règle que Jean CAYROL le scénariste est lui-même un ancien résistant déporté à Mauthausen. Le sujet du documentaire porte donc sur les conditions effroyables de vie et de travail de ces camps "de la mort lente". En revanche la spécificité de la déportation raciale n'est pas dégagée car elle n'était tout simplement pas reconnue à l'époque. Peu de déportés juifs étaient revenus des camps comparativement aux résistants. De plus, leurs témoignages n'étaient pas entendus. Pour que la mémoire juive émerge dans l'histoire, il faudra le procès Eichmann et plus tardivement encore, le documentaire-choc de Claude LANZMANN, "Shoah" (1985), qui analyse la spécificité de la déportation raciale. Elle se distingue de l'univers concentrationnaire en ce que la mort y est immédiate à l'arrivée et que tout est fait pour qu'elle ne laisse pas de traces. Contrairement à Alain RESNAIS qui filme des vestiges en couleur au milieu d'archives en noir et blanc en s'interrogeant sur leur pouvoir d'évocation du passé, Claude LANZMANN ne montre que le vide, le néant, les prairies dénuées de traces des épouvantables crimes qui s'y déroulèrent ou bien des ruines méconnaissables. Il parie en effet sur la puissance du témoignage seul pour ressusciter le passé. Certains historiens préfèrent d'ailleurs le terme de "centres de mise à mort" plutôt que de camps pour qualifier les lieux où étaient envoyés les juifs d'Europe, distincts des camps de concentration hormis dans le cas de Lublin-Majdanek et d'Auschwitz-Birkenau. Ce dernier, souvent évoqué dans "Nuit et Brouillard" est particulier car il est au croisement des deux logiques: Auschwitz I (là où se trouvait l'enseigne "Arbeit macht frei", l'hôpital, la prison) était un camp de concentration alors que Birkenau combinait la concentration et l'extermination. Cette imbrication de logiques différentes explique également la confusion qui règne dans "Nuit et Brouillard" qui évoque par moments (mais sans le dire explicitement) l'extermination des juifs au milieu des autres activités du camp (expériences médicales, travail forcé). Enfin, "Nuit et Brouillard" est également célèbre pour l'image censurée du gendarme surveillant le camp de Pithiviers. Cette censure témoignait à l'époque du refus de la France d'admettre sa participation aux crimes des nazis durant la seconde guerre mondiale. Un déni qui n'a pris fin qu'avec le discours de Jacques Chirac en 1995.

Voir les commentaires

Muriel ou le temps d'un retour

Publié le par Rosalie210

Alain Resnais (1963)

Muriel ou le temps d'un retour


"Tu veux raconter Muriel. Muriel, ça ne se raconte pas". Comment parler et montrer, comment témoigner et transmettre ce qui relève d'une expérience traumatique indicible et infilmable, une expérience du passé qui infuse tellement le présent qu'elle l'empêche d'advenir en suspendant le cours du temps, en mettant la vie entre parenthèses. Voilà le défi auquel le réalisateur Alain RESNAIS et le scénariste Jean CAYROL se sont confrontés en tentant de représenter par le biais de l'art le "passé qui ne passe pas" par la voie du documentaire avec "Nuit et brouillard" (1956) et de la fiction avec "Muriel ou le temps d'un retour" (1963). Il faut dire que les deux hommes sont contemporains de la seconde guerre mondiale et de la guerre d'Algérie, deux événements traumatiques ayant accouchés de mémoires douloureuses et conflictuelles qui ont été pour la plupart longtemps étouffées par la censure (celle de l'Etat mais aussi celle de la conscience qui pour continuer à vivre s'est scindée en refoulant ce qui était insupportable).

C'est pourquoi la linéarité de "Muriel ou le temps d'un retour" est trompeuse. La vérité du temps de "Muriel" est dans le titre. Il s'agit d'un récit au présent sans cesse haché, traversé, fragmenté, interrompu, dissocié par les éclats du passé non digéré qui "fait retour" à la manière d'un gigantesque palimpseste. Ce passé fragmentaire se manifeste par tous les moyens que le cinéma peut produire: des images (d'archive notamment, photos ou films), des mots, des sons, de la musique. Leur intervention dans le récit est conçue pour créer des effets de dissonance. La science du montage de Alain RESNAIS en particulier joue un rôle déterminant. Il isole de tous petits moments qu'il insère dans le récit et qui par des effets de correspondance font sens. Par exemple, Alphonse Noyard (Jean-Pierre KÉRIEN), l'amant de Hélène Aughain (Delphine SEYRIG) évanoui pendant la guerre qui revient dans sa vie à sa demande est un homme opaque et fuyant, un homme de secrets et de mensonges dont l'art de la dissimulation est mis en parallèle avec le refoulé des anciens tortionnaires de la guerre d'Algérie. Lorsqu'il écrase une cigarette, lorsqu'il prononce une phrase anodine en apparence mais qui isolée devient lourde de sens ("Il y a des gens qui prennent mieux les taches que d'autres. Moi par exemple"), lorsqu'il déclare qu'il aime toutes les races mais qu'il hait les arabes. Il en va de même avec Bernard et Robert (Jean-Baptiste Thierrée et Philippe LAUDENBACH) , deux anciens appelés d'Algérie qui ont été témoins et acteurs du calvaire de "Muriel", un surnom donné à une jeune combattante algérienne torturée à mort pendant la guerre (ou plutôt les "événements" comme on disait à l'époque, le terme de guerre étant tabou). Lorsqu'ils en parlent, c'est toujours à mots couverts et comme par hasard un policier se tient systématiquement derrière eux pour veiller au grain (juste retour de bâton du policier censuré de "Nuit et brouillard" (1956)). L'évocation du traumatisme lui-même se situe sous la forme d'un récit situé au milieu du film accompagné par des images d'archives parfaitement anodines qui soulignent justement l'absence d'images du crime. Elles renvoient aux images manquantes de la Shoah (bien évidemment) mais aussi aux vides laissés par les destructions matérielles. La ville de Boulogne-sur-Mer en dépit de sa reconstruction en porte les stigmates. "C'est où le centre-ville?"; "Mais vous y êtes!" L'air égaré du jeune homme parle pour lui: l'espace comme le temps ont été irrémédiablement modifiés par la guerre.

Voir les commentaires

Van Gogh

Publié le par Rosalie210

Alain Resnais (1948)

Van Gogh


"Van Gogh" est un film novateur qui a fait date en recevant plusieurs prix. Il s'agit en effet d'un des premiers films consacré à la peinture. Alain RESNAIS qui réalisait une œuvre de commande a fait des choix de mise en scène qu'il a repris dans les films ultérieurs sur les peintres et qui ont profondément marqué le cinéma et la télévision. Ses plans resserrés semblent plonger dans la matière même des tableaux. Le montage très soigné établit des connexions et une cohérence entre les œuvres tandis que les mouvements de caméra animent les toiles d'une vie propre. Néanmoins les œuvres ne sont pas montrées pour elles-mêmes mais comme un support illustrant la vie du peintre. C'est la voix du narrateur qui leur donne un sens, celui de la quête d'absolu du peintre qui le mena jusqu'à la folie et au suicide. Quant au choix du noir et blanc, Alain RESNAIS le justifie ainsi: "Ce noir et blanc m'intéressait parce qu'il m'offrait le moyen d'unifier le film indépendamment de son contenu. Comme les tableaux n'étaient pas choisi en fonction de leur chronologie, cela me permettait une libre exploration spatiale, un voyage dans le tableau, sans souci d'une hétérogénéité que m'aurait imposée la couleur. J'avais toujours voulu tenter cette sorte de déplacement à l’intérieur d'un matériau plastique qui me laisserait toute liberté de montage. Il s'agissait de savoir si des arbres peints, des maisons peintes pouvaient grâce au montage remplir dans le récit le rôle des objets réels et si, dans ce cas, il était possible de substituer pour le spectateur le monde intérieur d'un artiste au monde tel que le révèle la photographie."

On peut néanmoins faire le reproche à ce type de documentaire de détourner les œuvres de leur sens premier pour les utiliser comme support d'une biographie. Même si quelques influences sont citées dans le film (celle des estampes japonaises notamment) à aucun moment les œuvres ne sont étudiées pour elles-mêmes ni même contextualisées.

Voir les commentaires

Paul Gauguin

Publié le par Rosalie210

Alain Resnais (1950)

Paul Gauguin

Alain RESNAIS est considéré comme un pionnier en matière de documentaire sur l'art. Entre "Van Gogh" (1948), "Guernica" (1950) et "Les statues meurent aussi" (1953), il a réalisé un documentaire contemplatif et réflexif sur la vie et l'œuvre de Paul Gauguin. Le film se compose de plans plus ou moins rapprochés sur ses tableaux illustrés par un texte lu par Jean SERVAIS. Celui-ci est censé provenir du journal de Gauguin mais une partie a été écrite exprès pour le film. Inutile de préciser qu'en 12 minutes, il est impossible de tout dire et que le film développe donc un angle d'attaque précis, celui de l'artiste maudit, rejeté de son siècle et de son milieu, prix à payer pour établir un lien plus véridique avec le monde qui l'entoure et avec lui-même.

Tout d'abord le premier carton souligne que Gauguin n'était pas connu de son vivant, hormis de quelques initiés. Ensuite qu'il tout quitté (emploi, famille, amis, domicile) pour se consacrer entièrement à son art. Le prix à payer pour être libre et en harmonie avec lui-même étant le déracinement, la misère et la solitude. L'aspect sacrificiel de son choix est mis en évidence à travers ses peintures christiques alors que sa recherche d'authenticité est mise en lumière à travers un parcours artistique et géographique qui le mène de Paris à un village de pêcheurs bretons puis à Tahiti. En Bretagne, Gauguin qui vit au milieu des paysans s'attache déjà à renouer avec la part sauvage et primitive de son être: "quand mes sabots résonnent sur ce sol de granit, j'entends le son sourd, mat et puissant que je cherche en peinture". L'accomplissement de son art à Tahiti consume ses dernières forces: " Vaincu par la misère et la maladie, usé par la lutte sans merci que j'ai entreprise j'ai de telles souffrances qu'il m'est impossible de faire aucun travail soutenu. Si je ne peux plus jamais peindre moi qui n'est plus que ça, ni femme ni enfant, la mort n'est-elle pas cent fois préférable ?"

Voir les commentaires

<< < 1 2 3 4 > >>